Süddeutsche Zeitung - 30.10.2019

von catrin lorch

D

er Radiergummi ist an den Ecken schon etwas abgerubbelt. Mitten- drin steckt jetzt eine kleine Stange, sie hält zwei dreieckige, gefaltete Schnip- sel fest. Das reicht. Und alles ist da: Wind, Wellen, das Schaukeln eines kleinen Boo- tes und die Erinnerung daran, dass man den Elementen nicht trotzen muss, weil man sich von ihnen auch mitnehmen lassen kann. Die „Paarig gefalteten Dreiecke an einem Mast“ sind nur ein paar Zentime- ter hoch, der Bildhauer Hermann Glöckner hat die Skulptur Ende der Sechzigerjahre zusammen gesteckt – aus dem, was im Ate- lier rumlag – das Muster, das die Segel überzieht, sind ein paar Buchstaben in ver- blichener Tinte. Dieses „Modelli“ wie der im Jahr 1889 in Dresden geborene Künstler solche Erfin- dungen nannte, blieb klein. Wie die meisten Skulpturen dieser Reihe bestehen sie einfach aus etwas Papier, Büroklammern, Klebstoff, Karton. Die Fotografien aus dem Atelier des Künstlers atmen die glei- che konzentrierte Gelassenheit, zeigen sau- ber aufgereiht Scheren, Lupe, Messer und handelsübliche Zollstöcke. Hermann Glöckner war es gewohnt im kleinen Maß- stab zu arbeiten, galt er doch zu Zeiten des Nationalsozialismus als Moderner und in der DDR als Nonkonformist. Da denkt man nicht in Gusseisen oder Stahl, sondern bleibt bei dem, was im Atelier zu haben ist.

Eine Ausstellung in der Staatlichen Gra- phischen Sammlung in München feiert Hermann Glöckner jetzt als „Meister der Moderne“. Und in dem Saal, in dem ein gu- tes Dutzend der Modelli unter Glasvitrinen aufgesockelt sind, erkennt man sofort die Verwandtschaft dieser Skulpturen mit den großen Setzungen der Nachkriegskunst, mit den Eisenskulpturen eines Richard Ser- ra oder den bunt lackierten, frei schwingen- den Plastiken eines Frank Stella. Während diese um Generationen jüngeren Bildhau- er weltweit gefeiert wurden, haftet den leicht vergilbten Modelli die Aura des Unbe- kannten an, bis heute. Denn obwohl sie klein sind, zart und provisorisch, belegen sie, dass sich Hermann Glöckner auf Augenhöhe mit den Zeitgenossen beweg- te, dass er – der in der unmittelbaren Nach- kriegszeit noch reisen und beispielsweise die ersten Ausgaben der Documenta besuchen konnte – nicht wirklich abge- schnitten war von der zeitgenössischen Kunst. Und auch wenn der Einzelgänger im Westen nicht eben bekannt war, so konnte die DDR-Kulturpolitik, die ihm erst im hohen Alter eine erste Museumsschau ermög- lichte, doch nicht verhindern, dass sich

heute sein Einfluss auf so bedeutende Zeit- genossen wie den Maler und Bildhauer Thomas Scheibitz leicht erkennen lässt. „Artist’s artist“ nennt man solche Außen- seiter, Künstler-Künstler. Die jetzt eröffnete Ausstellung ist aber mehr als der Versuch der Rehabilitation, sie wirkt unerwartet aktuell: Die Gegen- wart schätzt das Ephemere, das Unerfüllte, das Projekt. Gerade im Verhältnis zu einem Kunstverständnis, das Material und Aufwand verschlingt wie die meterhohen Skulpturen der Amerikaner. Vor der nicht einmal 20 Zentimeter hohen „Mehrfachen Verschlingung eines Passepartoutde- ckels“, die nach 1977 entstand, stellt man schnell fest, dass man nicht unbedingt in- mitten einer Skulptur stehen muss, oder vor aufwendig lackiertem Metall um die Kreuzung aus zwei und drei Dimensionen zu bestaunen, die sich bei Glöckner in schö- nen Ringeln entfaltet. Dass der Künstler das Knäuel aus einem Passepartout zusammen steckte, einem Karton, der sonst dazu dient, ein Bild im Rahmen zu halten, macht die kleine Skulptur noch klüger, an deren Kanten der Blick des Betrachters wieder und wieder entlang gleiten möchte. Materi- al und freie Form verbinden sich schluss- endlich doch. Wie auch die Erkenntnis, dass die zur Doppelwelle aufgebogenen Kartons, die gegeneinander anbranden, aus der Einladungskarte zur Eröffnung der VII Kunstausstellung der DDR im Jahr 1977 zusammengeleimt wurden. Man wünschte, dass der erst im Jahr 1987 verstorbene Künstler bekannter wä- re, dass sein Name gerade in Deutschland geläufig wäre. Doch es ist zu befürchten, dass der aufwendig gestaltete Katalog, der immerhin 240 Euro kostet, nicht eben für Verbreitung sorgen wird. Der knappe Rundgang dagegen enthält viel von dem, was diesen Künstler ausmacht. Schon weil auch das in den frühen Dreißigerjahren entstandene Tafelwerk einbezogen wurde, eine Serie von mehr als 100 Kartons, zu denen Collagen aus Zeitungsausschnitten genauso gehören, wie aus farbigem Papier zusammen gestellte Abstraktionen. Die Vitrinen, an denen vorbei man in die Ausstellungssäle gelangt, schlagen eine Schneise durch ein sieben Jahre umspan- nendes Lebenswerk, das mit klassischer Malerei einsetzt und am Ende mit Farbfeld- malereien und Tapetenmustern ausläuft, die man umstandslos einem Sigmar Polke zuschlagen will. Nicht wenige entdecken übrigens erst nach Verlassen der Schau die bunt bemalten Kartons im Eingang. Man ist dann schon so auf den Glöckner’schen Maßstab kalibriert, dass einem die Kekspa- ckungen und Kistchen im Verhältnis zu den Modelli schon fast wie eine modernis- tisch aufgebrochene Stadt erscheinen.

Hermann Glöckner. Ein Meister der Moderne. Bis zum 19. Januar 2019 in der Staatlichen Graphischen Sammlung München. Der Katalog kostet 240 Euro.

Kunst mit

kurzem Zollstock

Die Graphische Sammlung in München zeigt

Hermann Glöckner als „Meister der Moderne“

Wenn alte Männer Theaterstücke inszenie- ren, in denen junge Frauen die Hauptrolle spielen, geht das häufig schief. Dann legt sich oft ein klebriger Lolitafilm über den Abend, der die eigentliche Botschaft sabo- tiert. Dies ist nun auch Jürgen Kruse mit „Glaube Liebe Hoffnung“ an den Kammer- spielen des Deutschen Theaters Berlin passiert. Seine fast zweieinhalbstündige Version: so vorgestrig und unlustig wie ein Altherrenwitz. Natürlich kann Kruse nichts dafür, dass Ödön von Horváth das Sozialdrama von 1932 mit einer mittellosen Dessousverkäu- ferin bestückt hat, die es sogar wirklich ge- geben haben soll. Das alles Entscheidende aber ist, was man aus einer solchen Geschichte macht, die unmissverständlich von Misogynie, Ausbeutung und Exklusi- on handelt. Und ob einem wirklich etwas Neues und Kluges dazu einfällt, zumal die Diskussion zu sexistischen Stereotypen im Theater ja gerade in vollem Gange ist. Leider ist Kruse aber nichts Neues und Kluges dazu eingefallen, im Gegenteil. Sei- ne Elisabeth, die Linda Pöppel so meister- haft spielt, wie der Meister es eben will, ist nicht mehr als ein sexy Opfer, das sich mit rotem Schmollmund, rotem BH und roten Strapsen an inhumanen Paragrafenreitern abarbeitet, bis sie einsieht, dass Selbst- mord die bessere Lösung ist. Wie sie da so liegt, ist man selbst fast froh, dass sie endlich gestorben ist, so nervig, wie Kruse sie mit ihrer stockenden Sprache und ihrem Marilyn-Monroe-Geklimper angelegt hat. Zu allem Überfluss sieht sie aber selbst als Leiche noch perfide verführerisch aus, fast wie eine ermordete Sexarbeiterin auf einem ARD-„Tatort“-Bett. Weniger Abgedroschenheit ist sicher nicht zu viel verlangt von einem 60-Jähri- gen, den man eigentlich genauso cool finden möchte wie den Anarcho-Papa, den man selbst nie hatte, und von dem man sich ein bisschen durch sein popkulturel- les Universum schleudern lassen will, das so übervoll mit Verweisen ist wie ein Pick- and-Weight-Vintage-Store. Zumindest geht es vielversprechend los: mit hawaiianischer Mucke und aller- hand herumstreunenden, von Sophie Ley- pold abgerockt und glamourös eingeklei-

deten Gestalten, die das Publikum schon vollquasseln, als es noch nicht mal sitzt. Auch Bernd Damovskys Bühne ist großes Kino: schwarze Wände, Sensenmänner, Vogelkäfige mit dicken Kerzen, eine versil- berte Marienfigur, die wie eine lebendige Statue aussieht, Werbung zu Gunther von Hagens’ „Körperwelten“, Bücher, Tape Art, jede Menge Spitzenunterwäsche. Als dann noch die treibenden Bässe aus dem Off dazu kommen, live gesungene Arme-Leute- Chansons und ein Mann mit mondänem Federhut bunt schillernde Seifenblasen hereinpustet, hat man kurz das Gefühl, in einer gelungenen Berlin-Parodie zu sein. Endlich kritisiert mal einer die Romantisie- rung des Künstlerprekariats, denkt man noch, und so üble Event-Clubs wie den Zirkusschuppen „Kater Blau“. Doch dann kommt der Moment, in dem die Parodie aus ihrem selbst abgesteckten Rahmen kippt: Sollen diese vor sich hin orakelnden Umweltaktivisten etwa ein Ver- weis auf Greta Thunbergs Kampf gegen den Klimawandel sein? Und will das lustig sein? Eher nicht, so feierlich und ernst wie das Ganze gewirkt hat. Ein plötzlicher Stim-

mungswechsel, der in diesem Kontext seltsam deplatziert erscheint. Ebenso wie die Liebesszene zwischen Elisabeth und ihrem Retter in der Not: Das kleine Tänzchen, das Linda Pöppel und Manuel Harder, der den Schutzpolizisten als adonishaften Singer- Songwriter-Verschnitt spielt, da auffüh- ren, mutet höchstens an der Oberfläche ironisch an, darunter wie eine in die Jahre gekommene Teenagerfantasie. Überhaupt bekommt man im Lauf des Abends immer stärker das Gefühl, hier einem etwas pathe- tisch veranlagten Musiknerd beim Fach- simpeln beizuwohnen. Jedenfalls nervt die Referenzballerei irgendwann gehörig. Keine Frage, die Schauspieler sind alle großartig. Sie bewegen sich seltsam ge- spreizt, sprechen wie ausgeleierte Schall- platten und fügen sich selbst dann noch perfekt in Kruses Welt ein, wenn sie sich wie Alexandra Finder ständig selbst befum- meln müssen. Dabei hätte man ihre Figur, eine windige Geschäftsfrau, auf etliche Ar- ten spielen können, ebenso wie die der Des- sousverkäuferin Elisabeth. Doch Kruse hat beide zu eindimensionalen Sexpuppen gemacht, die mit seinen schillernden Män- nerkarikaturen nicht mithalten können. Bei ihm dürfen Frauen nur dann ihre Beine zeigen, wenn sie schlank und makellos sind, und männliche Charaktere nur dann verkörpern, wenn sie sich einen Schnurr- bart aufkleben. Und was, bitteschön, hat der vormalige Volksbühnenschauspieler Frank Büttner verbrochen, dass er wie ein ungelernter Statist als Todesengel über die Bühne schlurfen muss? Wobei: Mit ihm haben die weiblichen Engel, die an Hos- tessen eines Weihnachtsgewinnspiels im Shoppingcenter erinnern, immerhin ein männliches Pendant. Das Schlimmste an diesem Abend aber ist seine nervtötende Langsamkeit. Wenn Kruse damit die großartige Marthaler-In- szenierung des Stücks parodieren wollte, ist es ihm nicht gelungen. Einmal wackelt sogar die ganze Sitzreihe, weil ein Mann vor lauter Ungeduld nicht mehr still sitzen kann. Als es endlich vorbei ist, bekommt der Zuschauer, der am meisten gekichert hat – und gekichert haben viele –, eine Blume zugeworfen. Man selbst würde jetzt gerne duschen. anna fastabend

Film, und dafür gibt es kein besseres Bei- spiel als Robert Evans, Film verdirbt den Charakter. Norma Shearer soll den strah- lenden Jüngling, damals noch Vertreter für Damenunterwäsche, 1956 nach Hollywood geholt haben, damit er ihren verstorbenen Mann spiele, den legendären Produzenten Irving Thalberg. Spielen konnte er nicht, aber sein Aussehen war das stärkere Argu- ment. „The kid stays in the picture“, soll Darryl Zanuck Zweiflern entgegenge- knurrt haben, der muss im Film bleiben. Evans blieb, gab jedoch die Karriere als Schauspieler bald selber auf und wurde nicht bloß der Hollywood-Produzent mit dem besten Aussehen, sondern ein ganzes Jahrzehnt lang auch der einträglichste. „Rosemaries Baby“, „Harold und Mau- de“, „Der große Gatsby“ und vor allem „Chi- natown“ gehörten zu seinen Erfolgen, weil er im richtigen Moment das Filmgeschäft modernisierte. Ende der Sechziger war das alte Hollywood mit seinen epischen Wes- tern und bibelformatigen Monumentalfil- men erledigt. Es brauchte einen Außensei- ter wie Evans, der nicht schon zum Fernse- hen schielte und das Geld der Investoren großzügig an jüngere Leute verteilte. Er engagierte Roman Polanski, er förderte William Friedkin, Peter Bogdanovich und Francis Coppola, er machte Jack Nicholson zum Star. Er verantwortete den unsägli- chen und unsäglich einträglichen Kitsch- film „Love Story“, der Hollywood 1970 das Überleben sicherte, aber auch den wenig gesehenen „Dialog“, Coppolas besten Film. Mit Coppola stritt er sich Jahrzehnte lang darum, wer den ersten „Paten“ so bearbei- tet habe, dass er oscarreif und zum Klassi- ker wurde. In der Branche gilt das als „Morbus Selz- nick“, benannt nach dem Produzenten, der für „Vom Winde verweht“ fünf Regisseure und noch mehr Autoren verbrauchte, weil er es grundsätzlich besser wusste. Polan- ski und Coppola wurden Stars, den Produ- zenten ihrer Filme kannte keiner. Durch „Chinatown“ sollte sich das ändern, Evans’ Name erschien im Vorspann, er hatte es ge- schafft und drehte durch. Produzenten gel- ten ja ohnehin als größenwahnsinnige An- geber, maßlose Frauenvertilger und im Schneideraum als Grobiane, blind für die

künstlerische Vision. Evans aber exzellier- te in allen drei Disziplinen: Mit seinen Gold- kettchen, der angewachsenen Sonnenbräu- ne und den ewigen Starlets gab er den Kli- schee-Mogul, der sich die Zigarre nie mit weniger als einem Hundert-Dollar-Schein anzündete. Zwischendurch war er sieben Mal verheiratet, darunter mit der Liebe- heißt-niemals-um-Verzeihung-bitten-zu- müssen-Darbieterin Ali McGraw.

Bei der Fortsetzung von „Chinatown“ wollte er unbedingt auch noch als Schau- spieler auftreten und ließ sich dafür sogar das Gesicht nacharbeiten. Er war so schlecht, dass ihn sein Regisseur feuerte. Das Projekt wurde ebenso zum Fiasko wie Coppolas „Cotton Club“, der im Kokain- rausch gedreht wurde, dem sich Holly- wood Ende der Siebziger hingab. Eben noch war er der König von Beverly Hills gewesen, dem alles, was er anfasste, zum Erfolg geriet, jetzt brachte er die ganze Branche in Verruf – die ihn ausstieß, als einer seiner prospektiven Geldgeber Opfer eines Auftragsmords wurde. Verurteilt wurde eine Frau, die Evans regelmäßig Drogen beschafft hatte. Der Produzent ver- schwand, bis er 1994 seine Memoiren „The Kid Stays In The Picture“ veröffentlichte. Warum sollte er auch aus dem Bild ver- schwinden, wo er doch alles mitgemacht und alles über alle wusste? In seinem lang andauernden Sonnenun- tergang leistet sich Hollywood längst keine Verrückten mehr, die so größenwahnsin- nig und so gut sind, aber deshalb sind die Filme auch nur noch groß und nicht mehr gut. Am Samstag ist Robert Evans, ein ech- ter Filmstar, im Alter von 89 Jahren – und selbstverständlich in Hollywood – gestorben. willi winkler

Robert Evans, gebo- ren 1930, war Chef von Paramount Pic- tures in einer sehr großen Zeit, mit „Ro- semaries Baby“, den „Paten“-Filmen, „Harold und Maude“ und dem „Großen Gatsby“.FOTO: REUTERS

Den zarten, provisorischen Modelli haftet die Aura des Unbekannten bis heute an

Musiknerd meets Sexbombe

Jürgen Kruse macht in Berlin aus Horváth Altherrenwitztheater

Stephen Morris , ein britischer Geiger, der schon David Bowie und Stevie Won- der bei Konzerten begleitete, hat seine Violine im Zug vergessen. Das Instru- ment soll 310 Jahre alt und 290000 Euro wert sein. Womöglich ist es aber auch bloß von einem dieser jüngeren Popmenschen mit Starambitionen ge- klaut worden. Von Angel Olsen etwa oder von Lana Del Rey – ohne Geige läuft schließlich nichts mehr, das hat sich rumgesprochen.

Auch Sudan Archives ist da ganz vorne mit dabei, die amerikanische Geigerin heißt bürgerlich Brittney Denise Parks. Auf ihrem neuen Album „Athena“ ver- bindet sie Streicher und blaskapellen- hafte Retortentöne zu einem fiedelnden Algorithmus. Das klingt eigen, aber auch sehr eingängig. Ihr Song „Black Vivaldi Sonata“ hat auf jeden Fall Chan- cen auf den Songtitel des Jahres. Durch den Computerreißwolf gejagte Geräu- sche mit Geige. Überall Geigen! Ein einziges Gegeige allerorten! In „Did you know“ ist sie eifersüchtig, dass sie ihren Lover mit einer anderen gesehen hat. Die Arme! Dazu hüpft ihre gesampelte Violine. Die Synthies werden immer dramatischer. Dieser supersmarte R’n’B trägt zwar nicht über 14 Songs, „Honey“ oder „Peli- cans In The Sum- mer“ können aber nicht schaden, so kurz vor dem No- vember.

Nina Kraviz schlägt sich unterdessen mit Twitter herum. Indem sie ein Foto von sich mit Cornrows postete, löste sie einen Shitstorm aus. Wieder geht es um den Vorwurf der kulturellen Aneig- nung: Weiße schlügen Profit aus der Kultur diskriminierter Schwarzer. An- statt sich postwendend für unabsicht- lich verletzte Gefühle zu entschuldigen, wie in solchen Fällen inzwischen üblich, wies sie darauf hin, dass die am Kopf anliegenden Zöpfe nicht nur in afrikani- schen Kulturen geflochten werden und sie als aus Sibirien stammende Russin eigentlich auch keine weiße Europäerin sei. Es half nicht. Unterdessen haben 700 Musiker einen offenen Brief unter- zeichnet, der zum Boykott Amazons aufruft und das Unternehmen auffor- dert, alle Geschäftsverbindung zur amerikanischen Einwanderungsbehör- de und dem Militär zu kappen. Ganz großen Namen sind bisher nicht dabei. Aber mitThe Black Madonnaimmer- hin eine internatio- nal erfolgreiche DJ.

Wenn schon Fiedeln, dann auch Chöre: Der Opener von Michael Kiwanukas drittem Album „Kiwanuka“ beginnt mit schönen Ennio-Morricone-Westernmu- sik-Gedächtnis-Chören. Über einem stoisch schmutzigen Bass scheppert das Schlagzeug an den richtigen Stellen. Seine Stimme hat eine jugendliche Glät- te und leichte Froschigkeit, mit einer Minimaldosis Rauheit irgendwo im Hintergrund. Er braucht keinen Firle- fanz, sondern nimmt sich eine simple Popkadenz wie in „I’ve Been Dazed“ und baut den Song nach allen Regeln der Kunst zur Pop-Oper aus, die er in erhabenen Soundflächen aus Hall und Tremoloflimmern zum Himmel fahren lässt. Manches rauscht ein wenig zu leicht durchs Ohr, „Piano Joint“ etwa, dessen Intro-Part aber mit satten Retro- Chören sehr stimmungsvoll ist. Trotz- dem schön, wie lang das Klavier am Anfang innehält. „Hero“ klingt wie von einem beschädigten Band gezogen und mausert sich dann zum funkigen Drei- Akkord-Rockhit. Immer wieder baut Kiwanuka in seine Tracks Ambient-In- seln ein oder Passagen, die wie archäolo- gische Fundstücke aus der Geschichte der Schwarzen Musik wirken. Die Platte hat einen an rauen Herbstabenden wär- menden Sound, der bis in die einzelnen Effekte hinein mit Tradition spielt, aber ganz und gar heutig-hochauflö- send ist. Bloß zum Ende hin wird’s arg gefühlig. Aber ist ja auch Soul.

Yeah Is What We Have machen auf ihrem Debüt „What We Have“ launigen, melodiösen Indie-Pop-Rock mit leich- tem Retrofaktor. Sie klingen angenehm merkwürdig. Etwas übersteuert rap- pelndes Kunstschlagzeug und kaum akustischer Raum. Wie in einer zu vol- len Garage, wo der Krempel jedes Ge- räusch schluckt. Andererseits scheint die Musik eigentlich eher auf Popglanz bedacht. Man ist nicht ganz sicher, ob dieser Widerspruch gewollt ist oder nur das Geld fehlte. Manchmal singen sie wie dieBeatlesaus der Konservendose. In anderen Momen- ten glaubt man Brian Wilson zu hören, der zwischen elektrischen Instrumenten zu ertrinken droht und um Hilfe ruft.

Zuletzt darf an dieser Stelle natürlich nur eins nicht fehlen: Grüße und Lob an die schwedischen Techno-Tüftler SHXCXCHCXSH , die sich für ihr neues Album in HSXCHCXCXHS umbenannt haben. juliane liebert

Dutzende Handys waren auf sie gerichtet, als Pichi und Avo aus Valencia mit ihren Spraydosen ans Werk gingen. In stunden- langer Arbeit entstand in gleißender Son- ne auf der schmutzig-weißen Wand des al- ten Hafengebäudes von Jaffa ein Porträt von Anakreon, dem griechischen Lyriker aus der Antike. Er hält einen Vogel in seiner Hand, der Richtung Meer zu entschweben scheint. Wer sich dem Strand entlang Jaffa von Tel Aviv her näher, dem fällt das in Vio- lett und Pink gehaltene Konterfei schon von weitem auf, denn die beiden Streetart- Künstler hatten eine ganze Wand zur Verfü- gung. Es schmückt nun auch das Vista- Café direkt am Hafeneingang. In ganz Jaffa sind neue Kunstwerke an Wänden der oft heruntergekommenen Ha- fengebäude zu entdecken. In der vergangenen Woche waren Streetart-Künstler aus Spanien, Brasilien, Griechenland und Por- tugal eingeladen, Farbe in das Viertel zu bringen. Die Idee dazu hatten die Tel Avi- ver Galeristin Rachel Meijler und der Fran- zose Olivier Paytel. Zwei Jahre hat es von der Idee bis zur Realisierung gedauert. Ei- ne Woche brauchten die Künstler, um sich in der Umgebung umzusehen und dann ihr Werk umzusetzen. In Jaffa wurden ihnen neben den Farben auch Baugerüste und sogar Kräne zur Verfügung gestellt, damit sie auf den Hauswänden arbeiten konnten. Großer Andrang herrschte beim südafri- kanischen Künstler Sonny Sundaner, der einen grauen Tiger mit hypnotischen blau- en Augen an die Wand eines Wohnhauses neben dem Hafengelände sprayte. Er war regelrecht umlagert von Menschen, die Vi- deos seiner Arbeit ins Netz stellten und das fertige Werk auf Instagram posteten. Der brasilianische Künstler Cranio hatte das Erdgeschoß einer baufälligen Lager- halle zur Verfügung und bezog auch die Kli- maanlage in sein Werk ein: Surrealistisch anmutende blaue Seeleute tummeln sich auf einem Schiff. Es soll blaue Indianer dar- stellen, die in ein violettes Meer segeln, er- läuterte der Künstler bei der Präsentation. Einen Vogel und ein Flugzeug wählten Insa- ne51 aus Griechenland und Nuno Viegas aus Portugal als ihre Motive. Die Initiatoren hoffen, dass sie nach dieser Aktion noch mehr professionelle Street- art-Künstler nach Jaffa locken können. In den vergangenen Jahren hatte sich das Ha- fenviertel bereits zum Anziehungspunkt für Sprayer entwickelt. Die Chance, zumindest temporär große und attraktive Flä- chen zur Verfügung gestellt zu bekommen, ist groß, der Zeitpunkt günstig. Denn der Hafen wird renoviert. Ein Teil der Gebäude musste bereits frei gemacht werden. So sperrte schon vor dem Sommer der „Con- tainer“ zu, ein Lokal, in dem abends Bands auftraten und das sich zu einem Treff- punkt der Musikszene entwickelt hat. Jaffa, hebräisch Yafo, die schon seit der Antike bestehende Hafenstadt, ist einmal mehr Schauplatz einer Transformation. Nach 1948 mussten viele Araber ihre Häu- ser verlassen, 1950 erfolgte der Zusammen- schluss mit Tel Aviv. Viele fürchten, dass den nun mit Street-Art verschönerten Ge- bäuden der Abriss droht und die Gentrifi- zierung noch weiter fortschreitet. alexandra föderl-schmid

Der letzte Mogul

Hollywood-Filmproduzent Robert Evans ist gestorben

(^10) FEUILLETON Mittwoch, 30. Oktober 2019, Nr. 251 DEFGH
Sexy Opfer mit rotem Schmollmund: Lin-
da Pöppel als Elisabeth. FOTO: ARNO DECLAIR
Sähe auch auf einer
Höhe von vier Me-
tern gut aus: Her-
mann Glöckners
„Turmartiger Auf-
bau, in sieben gleich
hohe Segmente ge-
teilt“ (1973) besteht
aus Karton und
misst nicht mehr
als 43 Zentimeter.
FOTO: ALISTAIR OVERBRUCK ©
VG BILD-KUNST, BONN 2019
POPKOLUMNE SCHAUPLATZ JAFFA
Sprayerkunst
am Hafen
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Süddeutsche Zeitung - 30.10.2019

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