Süddeutsche Zeitung - 07.11.2019

von christine dössel

V

on Anfang an muss man bei dieser
„Nora“ an „Lulu“ denken, diese ganz
andere emblematische Titelheldin
eines Skandaldramas aus dem späten 19.,
frühen 20. Jahrhundert. Schon der sündig
rot gerahmte Bühnenkasten im Nürnber-
ger Schauspielhaus verheißt mehr ein ero-
tisches denn ein klassisch bürgerliches Mi-
lieu, also eher Frank Wedekind als Henrik
Ibsen. Gibt die strahlend weiße Bühne
dann den Blick auf die Rückwand frei,
wähnt man sich endgültig im Edelbordell.
Überlebensgroß, sechs Meter breit und
hochglanzschön prangt da ein liegender
Akt: ein Bild der nackten Hauptdarstelle-
rin, Rückansicht, sehr ästhetisch fotogra-
fiert, ihren perfekten Körper formvollen-
det in Szene setzend. Eine wandfüllende
Männerfantasie. Auch für Frauen ein Kör-
peridealbild – und daher vielen sicherlich
Anlass für ein zerknirschtes Body Sha-
ming, so schamlos plakativ und lasziv, wie
hier Weiblichkeit im Lolita- und Model-
maß inszeniert wird. Hallo, das geht heute
gar nicht mehr!
Das wissen auch Andreas Kriegenburg
und seine Protagonistin, weshalb sie die-
ses No-Go gleich mal zum Thema machen
und das Aktbild problematisieren. Da
steht dann also die leibhaftige Nora, ge-
spielt von der jungen Pauline Kästner, vor
ihrem überdimensionalen Akt, fährt mit
dem Finger tippelnd die Rundungen nach,
trällert kindisch und ätzt: „Ich hasse dieses
Bild!“ Ihre Idee sei das nicht gewesen, aber
ihr Mann Torvald habe es unbedingt in der
Wohnung aufhängen wollen, der finde es
sexy, sie selber finde es „ein bisschen sexis-
tisch“. Voilà, so nimmt man seinen Kriti-
kern schon mal den ersten Windstoß aus
den Segeln.

Aber damit nicht genug. Pauline Kästner
adressiert im Folgenden nicht nur in ihrer
Rolle, sondern auch als Schauspielerin Pau-
line Kästner immer wieder das Publikum.
So sagt sie zum Beispiel, dass sie „als Frau
und Feministin“ die Rolle der Nora ableh-
ne, weil das Stück überkommene Macht-
und Beziehungsstrukturen reproduziere.
Und sie macht sich im großspurigen Stand-
up-Comedian-Ton über den ollen Henrik
Ibsen lustig, der sich vor mehr als hundert
Jahren hinsetzte und sagte: „Boah, jetzt
schreib’ ich mal so richtig radikal über eine
Frau. Wie die sich aufführt und dann selbst
befreit ...“ Boah, da kriegt der angebliche
Frauenversteher Ibsen aber mal so richtig
sein Fett weg. Von einer Nora-Darstellerin,
die als Schauspielerin zugeben muss: „Ist
aber wirklich eine tolle Rolle!“
Und so stürzt sich die aufregende Pauli-
ne Kästner mit Haut und Haar und heißem
Furor in die solcherart diskursiv abgefeder-
te Traumrolle und gibt auf (pseudo-)femi-
nistischer Behauptungsgrundlage die No-
ra als reflektiertes Luxus-„Vögelchen“.
Und ist aber unverkennbar auch eine Lulu

• in roten Fummeln von Kopf bis Fuß auf
  Verführung, Spiel, Lustgewinn eingestellt
  (Kostüme: Andrea Schraad). Mit ihrem Kör-
  per als Kapital und einem blonden Kinds-
  kopf für den überdrehten Spaß. Was man
  als kritische Zuschauerin zunächst skep-
  tisch beäugt, weil es so wohlfeil ist, wenn
  ein Regisseur einen politisch korrekten Dis-
  kursrahmen auf der Höhe des Zeitgeistes
  setzt (wie ein Feigenblatt auf den Akt), um

darin dann doch das ewig lockende Weib

zu zelebrieren.

Es dominiert in Kriegenburgs Inszenie-

rung der männliche Blick auf die (schöne)

Frau, die nackte Venus, da kann die Prot-

agonistin noch so oft aus ihrer Rolle heraus-

treten und diese – und sich selbst – kri-

tisch hinterfragen. Sie tut es merklich un-

ter seiner Regie. Das bleibt als diffuses Un-

behagen, auch wenn das Konzept (Drama-

turgie: Andrea Vilter) insgesamt aufgeht

und einen großen Unterhaltungswert hat.

Diese „Nora“ ist auch deshalb überzeu-

gend, weil da in Nürnberg wirklich gute

Schauspieler zu erleben sind und weil Krie-

genburg, der prominente Gastregisseur,

jedem und jeder in seiner, ihrer Rolle – und

Rollenzuschreibung – genügend Zeit und

Aufmerksamkeit schenkt. Dadurch ent-

steht Interesse an den Figuren, auch an

den männlichen, keine gerät zur Karika-

tur.

Torvald Helmer führt mit seiner Frau ei-

ne Beziehung auf ironisch-komödianti-

scher Augenhöhe. Maximilian Pulst spielt

ihn nicht als langweiligen Klischeebanker

und Karrieretypen, sondern frisch, sensi-

bel, geistreich. Es klingt bei ihm an, dass

auch er als Mann und Familienernährer

ein Rollenstereotyp zu erfüllen und sein

Päckchen zu tragen hat. Torvald und Nora

haben sich in ihrer Ehe eingerichtet wie in

einem Spiel: Einer übertreffe des anderen

Witz. Sie sind gut darin. „Nicht glücklich,

nein, nur lustig“, wie sie am Ende erkennen

müssen.

Ihr Dialog-Pingpong, mit vielen gelunge-

nen Extempores, zielt auf Pointe und

Schönwetter. Immer alles im Ton der Unei-

gentlichkeit. Zwei Menschen drücken sich

vor Ehrlichkeit, indem sie Theater spielen.

Es ist ein Kasperletheater, schrille Auftrit-

te, schneller Schlagabtausch. Auch die von

Kriegenburg selbst gestaltete Bühne beför-

dert diese Assoziation, der hohe Aufbau,

der schmale Spielflächenriegel, das fehlen-

de Mobiliar. Ibsens „Puppenheim“ als mo-

derne Versuchsanordnung auf einer leeren

Veranschaulichungsbühne. Alles hell, ge-

lackt, ausgestellt. Es ist auch eine „No-

ra“-Galerie.

Neben dem sterblich in Nora verliebten

Doktor Rank, einem dickbäuchig-milden

Freund des Hauses (Raphael Rubino), gibt

es zwei Figuren von außen, die als Katalysa-

tor wirken. Das ist zum einen die ernüchter-

te Kristine Linde (schön bei sich und wis-

send, was sie will: Julia Bartolome), die, ver-

witwet und mittellos, nach Jahren wieder

auftaucht und beim quirligen Frauenge-

plänkel mit Nora „Räume öffnet“, buch-

stäblich auch den Bühnenraum.

Der andere Krisenverstärker ist der Ju-

rist Nils Krogstadt, der „kleinste Wicht“ in

Torvalds Bank, bei dem Nora blöderweise

verschuldet ist. Sie hat dereinst mit der ge-

fälschten Unterschrift ihres Vaters Geld bei

Krogstadt geliehen, um ihrem damals

kranken, noch nicht erfolgreichen Mann ei-

ne Kur zu ermöglichen. Was Torvald nicht

weiß und der verbitterte Krogstadt sich er-

presserisch zunutze macht.

Dass Tjark Bernau diesen Loser nicht als

fiesen Unsympathen und sexuellen Beute-

greifer zeigt, sondern ihm ein eigenes

Schicksal und Mitgefühl erspielt, zählt zu

den Stärken dieser menschelnden,

menschlichen und auch tänzelnden Insze-

nierung. Dass – und wie – der einsame

Krogstadt und die einsame Kristine Linde

sich dann zweckgemeinschaftlich zusam-

mentun, ist ebenfalls schön. Wer behaup-

tet, dass Liebe immer romantisch, geil und

groß sein muss?

Bei Nora und Torvald, diesen fröhlichen

Ehe-Posern, geht es nicht gut. Nach einem

Kostümfest, auf das sie als Charlie Chaplin

ging und er als Marilyn, kommt es zur fina-

len Demaskierung, dem Ende aller Spiel-

chen. Die Schlussszene, in der die zwei

zum ersten Mal ernsthaft miteinander re-

den, ist so partnerschaftlich traurig, bitter

und ratlos, dass sie einem nahegeht. Sie er-

klärt im Nachhinein so manche Exaltiert-

heit. Dass die vormals so kokette, nichts in

dieser Hinsicht andeutende Nora tatsäch-

lich Mann und Kinder verlässt (nun im

schwarzen Mantel), muss man allerdings

glauben wollen. Zumal sie am Ende noch

einmal Pauline ins Spiel bringt, ihre so reiz-

volle Schauspielerin, welche sie mit dem

Satz zitiert: „Wir alle sind eingesperrt in un-

seren Rollen.“ Tosender Applaus.

Im Jahre 1968 widmete die soeben als Mu-

seum wiedereröffnete Villa Stuck eine Jo-

sef Albers eine Ausstellung. Albers lobte zu

diesem Anlass Franz von Stucks Farbauf-

fassung – die Idee, dass helle Farben in den

Hintergrund und warme in den Vorder-

grund träten. Er habe dies in vielen seiner

eigenen Farbstudien bestätigt gefunden,

sagte Albers. Es war die späte Würdigung

eines Lehrers, dessen ganze Herangehens-

weise Albers während seiner Zeit als Zei-

chenstudent an der Münchner Kunstaka-

demie von 1919 bis 1920 als das exakte Ge-

genteil dessen empfunden hatte, was er

selbst als Maler anstrebte. In dieser krisen-

haften Situation, in der er sich „wie eine Sai-

te“ empfand, die „gespannt zum Sprin-

gen“ war, fiel ihm durch Zufall das Grün-

dungsmanifest des Bauhauses in die Hän-

de. Was er las, war für ihn die Chance, all

den „alten Krempel“ hinter sich zu lassen,

und sich zum Wintersemester 1921 in Wei-

mar einzuschreiben.

Heute ist Josef Albers vor allem für seine

„Hommagen an das Quadrat“ berühmt, er

gilt als wichtiger Vorläufer der Minimal Art

und Op Art. Als Lehrer am Black Mountain

College in North Carolina hatten seine Ma-

terial- und Farbenlehre unter anderem gro-

ßen Einfluss auf den jungen Robert Rau-

schenberg. Ebenso wenig, wie sich ein of-

fensichtlicher Bogen von Franz von Stuck

zu Rauschenberg schlagen lässt, kann man

aus Albers’ Arbeiten, die vor der Bauhaus-

Zeit entstanden, seine spätere stilistische

Entwicklung herleiten. Dass sich ein Blick

auf dieses wenig bekannte Frühwerk den-

noch lohnt, beweist nun die Ausstellung

„Der junge Josef Albers“, die ihm das Josef

Albers Museum Quadrat in seiner Geburts-

stadt Bottrop gewidmet hat.

Das Haus im Stadtgarten, das mittlerwei-

le den umfassendsten Bestand von Arbei-

ten des neben August Everding wohl be-

rühmtesten Sohns der Stadt hat, zeigt sei-

ne zwischen 1908 und 1919 entstandenen

Werke nicht als Wegmarken einer kontinu-

ierlichen Entwicklung, sondern vielmehr

als ein serielles Ausprobieren verschiede-

ner Formen. Albers, 1888 als Sohn eines

Malers und Anstreichers geboren, war der

erste in seiner Familie, der nicht Handwer-

ker wurde, sondern zunächst eine Ausbil-

dung als Volksschullehrer machte. Der An-

satz der Reformpädagogik sollte seine

Lehrtätigkeit am Bauhaus und nach 1933

im amerikanischen Exil prägen. Zudem

wurde das „bewusste Sehen“, vertreten

von Philipp Franck, der von 1913 bis 1915 in

an der Königlichen Kunstschule in Berlin

sein Lehrer war, ein wichtiger Ansatz für Jo-

sef Albers.

Stuck und Franck sind in Bottrop eigene

Bereiche gewidmet, ebenso wie seinem

Lehrer an der Essener Kunstgewerbeschu-

le, dem expressionistischen Glaskünstler

Johan Thorn Prikker. Ihr ästhetischer Ein-

fluss erweist sich aber als gering. Es

scheint dem jungen Albers vor allem um

das Erkunden stilistischer Verzweigungen

gegangen sein, ohne dass er sich je an eine

von ihnen band. Stattdessen nimmt er

Techniken auf und experimentiert mit ih-

nen – ein „Gitterbild“ aus Glas, bereits zu

Beginn seiner Weimarer Zeit entstanden,

bedient er sich etwa des Materials, dessen

Behandlung er von Prikker kennt, löst es je-

doch in eine Reihe bunter Quadrate auf.

Zu Beginn aber stehen Porträt- und

Landschaftszeichnungen auf technisch ho-

hem Niveau, die zum Teil ohne vorherige

formelle Ausbildung entstehen. Albers

zeichnet Alltagsszenen und lässt sich von

Theaterinszenierungen inspirieren. Beson-

ders begeistert ist er von einer Produktion

der fantastischen Ballett-Pantomime „Die

grüne Flöte“ am Deutschen Theater Berlin,

nach dem einige hingetuschte Blätter ent-

stehen. Er malt die Sandgruben seiner Hei-

mat und er fertigt sogar eine – für sich ge-

nommen banal wirkende – Skulptur zwei-

er ineinander gekauerter Karnickel an. Es

sind Stationen einer Suche, die er selbst

letztlich als Sackgassen erkannte.

Den bedeutendsten Einfluss hatten aller-

dings fraglos Josef Albers’ Besuche im Ha-

gener Osterhaus-Museum. Dort hatte er

1908 in der Folkwang-Sammlung erstmals

Gemälde von Cézanne, Matisse und van

Gogh gesehen. Diese Künstler sind in der

Bottroper Schau zwar nicht vertreten,

doch auch ohne den direkten Vergleich ist

ihr Anteil an Albers’ mentaler Loslösung

vom Althergebrachten nachvollziehbar.

Das mündet selten in echter Abstraktion,

wohl aber in einer expressiven Kantigkeit,

wie in der Darstellung einer Sandgrube

von 1916.

„Der langsame Durchbruch ist mir lie-

ber als der plötzliche“, hat der Künstler ein-

mal gesagt. In Bottrop wird man Zeuge die-

ses allmählichen Durchbruchs: Die Licht-

und Schattenelemente, die sich in den

Zeichnungen andeuten; die farbigen Flä-

chen der Glasarbeiten und Stillleben – das

alles deutet spätere Entwicklungen an, oh-

ne diese aber je unvermeidlich erscheinen

zu lassen. Was man vor allem sieht, ist ein

Künstler, der vieles durchschreiten und be-

wusst hinter sich lassen musste, um in ei-

ner abstrakten Kunst an seinen Bestim-

mungsort zu finden, in der nur noch die Be-

ziehungen zwischen Farbflächen zählen.

alexander menden

Der Junge Josef Albers – Aufbruch in die Moderne.

Josef Albers Museum Quadrat, Bottrop. Bis 12. Janu-

ar.www.bottrop.de/mq ; Katalog 38 Euro.

Der DeutscheKinderhörspielpreis

geht in diesem Jahr an das Hörspiel

„Eineinhalb Wunder und ein Spatz“. Die

AutorinAngela Gerritslasse bedacht-

sam Aspekte wie Fremdenfeindlichkeit

und falsche Autoritäten in ihr Hörspiel

über die Freundschaft von zwei elfjähri-

gen Jungen einfließen, urteilte die Jury

der Filmstiftung NRW. Die mit 5000

Euro dotierte Auszeichnung wird am

Samstag in Karlsruhe vergeben.epd

Die Nachbildungen zweierPanther-

Skulpturenschmücken seit Mittwoch

wieder die Terrasse des Orangeriesch-

losses im Park Sanssouci inPotsdam.

Damit werde das historische Figuren-

programm vor der 1851 bis 1864 errich-

teten Orangerie weiter vervollständigt,

teilte die Stiftung Preußische Schlösser

und Gärten Berlin-Brandenburg mit.

Die springenden Panther stammen aus

der Mitte des 19. Jahrhunderts. dpa

Zu DDR-Zeiten sangen Bands wieKarat,Ci-
tyoderSillyvon Freiheit und vom Wunsch
abzuhauen. Und zwar so, dass die Zensur-
behörden ihre Songs schwer verbieten
konnten. Der heute 57-jährige Dirk Michae-
lis war in den Achtzigern Sänger der Band
Karussell. Ihr Song „Als ich fortging“ gilt
als eine der großen Wendehymnen und
wurde mittlerweile vielfach gecovert,
unter anderem von Bands wieRosenstolz
oderTokio Hotel.

SZ: Herr Michaelis, muss man in der DDR
aufgewachsen sein, um „Ostrock“ wirk-
lich zu verstehen?
Dirk Michaelis: Ich weiß jedenfalls nicht,
ob Westdeutsche die Entbehrungen und
Sehnsüchte nachvollziehen können, die
diese Musik hervorgebracht haben. Das
Fehlen von Freiheit. Andererseits habe ich
vor Kurzem eine Mail aus dem tiefsten
Westen bekommen. Zu „Als ich fortging“
schrieb er: „So ein schönes Lied habe ich
lange nicht gehört, weiter so.“ Er glaubte,
das sei ein neuer Song. Ich musste erst mal
lachen. Aber dann habe mich gefreut.

Sie sind in Ost-Berlin in einer Künstler-
familie aufgewachsen. Ihr Vater war Lei-
ter des Gerd-Michaelis-Chors, ihre Mut-
ter Tänzerin im Friedrichstadtpalast. Sie
hatten schon als Kind Gesangsunterricht.
Stimmt es, dass Sie die Melodie von „Als
ich fortging“ mit zwölf komponierten?
Ich würde es nicht komponieren nennen.
Da saß ein Junge mit schwerem Herzen am
Klavier, als ihn diese Melodie erreichte.

Sie hatten damals eine Melodie, aber kei-
nen Text. Den schrieb die Lyrikerin Gisela

Steineckert. Eine Zeile lautet „Nichts ist

von Dauer, wenn’s keiner recht will. Auch

die Trauer wird da sein, schwach und

klein.“ Haben Sie damals verstanden, wor-

um es ging?

Um ehrlich zu sein, war mir „Als ich fort-

ging“ zunächst zu poetisch.

Dabei war doch gerade Poesie ein Instru-

ment, um die Zensur auszutricksen.

Im Westen sang Rio Reiser: „Macht kaputt,

was euch kaputt macht.“ Im Osten sang die

BandLift: „Nach Süden, nach Süden wollte

ich fliegen. (...) Doch gar nicht weit hinterm

Haus, da fiel schon der erste Schnee.“

Als vor 30 Jahren die Mauer fiel, traten

Sie im Palast der Republik in Berlin auf.

Wie war die Stimmung?

Am 10. November glaubten wir, dass nie-

mand kommt, weil alle im Westen sind.

Doch es war voll. Im Saal herrschte eine Mi-

schung aus Hoffnung und dem unbezwing-

barem Glauben, dass jetzt das Größte und

Beste passiert, was wir uns vorstellen kön-

nen: Beide Systeme werden einen Weg fin-

den, das jeweils Beste herauszufiltern und

zusammenzuführen. Wir dachten, wir wür-

den jetzt das tollste Land der Welt.

Was passierte, als Sie „Als ich fortging“ an-

stimmten?

Alle sangen mit: „Nichts ist unendlich, so

sieh das doch ein / Ich weiß, du willst un-

endlich sein – schwach und klein.“ Die Leu-

te weinten. Auch ich hatte einen Kloß im

Hals. Auf einmal war ich nicht mehr nur

Sänger. Ich hörte mir selbst zu.

Die Musik von Bands wie „Karussell“,

„Lift“ oder „City“ wird heute als „Ost-

rock“ einsortiert, stört Sie das?

Ich war mal mit Ulla Meinecke auf Tour.

Sie wurde immer als Grande Dame des

deutschen Chansons vorgestellt, ich war

der Ostmusiker. Damals empfand ich das

als Geringschätzung. Mittlerweile verste-

he ich diese Zuschreibung als Ehre. Die Poe-

sie des Ostens ist etwas Einzigartiges.

interview: antonie rietzschel

Empathie ist das Gebot der Gegenwart, die

Lösung fürviele Probleme und die Tu-

gend, die Homo sapiens über sich selbst

hinaushebt. Soviel steht fest, bevor in der

Berliner Kulturbrauerei vier Leute auf

dem Podium Platz nehmen, um die nämli-

che Botschaft noch einmal unters Volk zu

bringen. Drei von ihnen werden sich neun-

zig Minuten lang angeregt unterhalten,

und das zahlreich erschienene Publikum

aus Bundestagsabgeordneten und Bil-

dungsberlinern wird ihnen an den richti-

gen Stellen applaudieren. Die vierte Per-

son sitzt derweil auf dem Trockenen. Mit

rotem Kugelschreiber kritzelt sie diskret

ein paar Notizen aufs Papier und fängt ir-

gendwann an, mit der Henkelkette ihrer

Handtasche zu spielen. Gewiss wird sie da-

für bezahlt, auf ihren Einsatz als Ai Wei-

weis Übersetzerin zu warten, der hier sein

in Buchform verpacktes „Manifest ohne

Grenzen“ vorstellen soll. Aber hätte man

nicht überlegen können, ob der Starkünst-

ler die Hilfestellung wirklich benötigt,

statt die Frau zur stummen Statistin zu de-

gradieren?

Die Moderatorin des Abends, die Journa-

listin und China-Expertin Gisela Mahl-

mann, hat jedenfalls gleich zu Beginn ei-

nen Dreisprachenmix aus Deutsch, Eng-

lisch und Chinesisch versprochen. Also

harrt Frau Sowieso (den Namen zu dru-

cken, hält offenbar niemand für nötig) an

Ai Weiweis Seite aus, um ihm sprachlich zu

sekundieren. Der gerade erst nach Cam-

bridge verzogene Installationsspezialist

zieht es allerdings vor, mit Mahlmann und

Markus Löning, dem ehemaligen Beauf-

tragten der Bundesregierung für Men-

schenrechtspolitik und humanitäre Hilfe,

Englisch zu parlieren. Weshalb Frau Sowie-

so nicht zum Zuge kommt und am Ende we-

der mit einem „Pardon“ noch mit einem

„Danke für Ihre Geduld“ belohnt wird.

Diese kleine Geste der Aufmerksamkeit

wäre das Mindeste gewesen für eine Frage-

stunde, die sich den ganz großen Themen

verschrieben hat – allesamt dazu angetan,

das gesellschaftliche Empathiepotenzial

zu triggern: Flüchtlingsschicksale und das

Los chinesischer Dissidenten, die skanda-

lösen Einschüchterungsmanöver in Hong-

kong und der „Honeymoon“-Kurs, den Ai

Weiwei diagnostiziert, wenn die Rede auf

Merkels Reisen nach Peking kommt.

Doch Empathie fängt beim Nachbarn

an. Insofern führen die drei Diskutanten

unfreiwillig vor, was sie selbst als eklatan-

te Fehlentwicklung kritisieren: Ignoranz

gegenüber Mitmenschen, und sei es eine

Honorarkraft, die man links liegen lässt –

gemäß politisch korrekter Diktion: aus-

grenzt.

Nichtsdestotrotz wird viel über Ausgren-

zung, Abwehr, Erniedrigung geredet. Ai

Weiwei erzählt plastisch von seiner Kind-

heit in der Verbannung, von Besuchen in

Flüchtlingscamps und dem Gefühl, allen,

die ihre Heimat verlieren und verlassen, na-

he zu sein. Er hat genug von der nationalen

Nabelschau, die Deutschland betreibt, ge-

nug auch von Berlin und dem ganz alltägli-

chen Rassismus. Substanzielleres trägt er

kaum bei.

Anders als Markus Löning, der den Ab-

stieg von den Gipfeln der Willkommenskul-

tur 2015 in die Niederungen der Xenopho-

bie nachzeichnet und schildert, wie be-

schränkt der Politikerhorizont aus Sicht

der Wirtschaftseliten ist: verengt auf den

eigenen Wahlkreis und die Risiken einer

globalisierten Welt, statt Chancen zu erken-

nen und auszuschöpfen.

Derweil schwankt Ai Weiwei zwischen

Zuversicht und Fatalismus. „Happy to

hell“, sagt er am Ende – „wir werden alle

zur Hölle fahren.“ Aber vorher wird der All-

rounder noch seine erste Oper inszenieren,

Giacomo Puccinis „Turandot“. Getreu sei-

ner Devise: „Alles ist Kunst. Alles ist Poli-

tik.“ An diesem Abend gab es von beidem

zu wenig. dorion weickmann

Josef Albers „Selbstporträt“ (1918).

FOTO: ALBERS FOUNDATION/ 2019 VG BILD-KUNST, BONN

Ai Weiwei (Zweiter von links) bei der Prä-

sentation seines Manifests. FOTO: DPA

„Der langsame Durchbruch ist mir lieber“

Bottropzeigt den „Jungen Josef Albers“ als Künstler, der sich nicht festlegen wollte

KURZ GEMELDET

Dirk Michaelis, geboren

1961 in Ost-Berlin, war von

1985 bis 1991 Kopf der

RockbandKarussell.Die

Melodie des größten Hits

der Band, „Als ich fortging“,

komponierte er mit zwölf

Jahren.FOTO: IMAGO

Da kriegt der angebliche

Frauenversteher Ibsen mal so

richtig sein Fett weg!

Wer behauptet, dass

Liebe immer romantisch,

geil und groß sein muss?

Die Zensur austricksen

Ostrocker Dirk Michaelis über seinen größten Hit

Von allem

zu wenig

Ai Weiwei präsentiert sein

„Manifest ohne Grenzen“ in Berlin

DEFGH Nr. 257, Donnerstag, 7. November 2019 (^) FEUILLETON 11
Pauline Kästner spielt nicht nur die Nora, sondern auch die Schauspielerin Pauline Kästner. FOTO: KONRAD FERSTERER
Nicht glücklich,
nur lustig
Andreas Kriegenburg inszeniert
in Nürnberg Ibsens „Nora“
im Diskursflirt mit dem Zeitgeist