Die Welt - 19.10.2019

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19.10.19 Samstag, 19. Oktober 2019DWBE-VP1

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DIE WELT SAMSTAG,19.OKTOBER2019 KUNSTMARKT 35

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E

s dauert, bis man einen Ter-

min mit Lucas Zwirner be-

kommt. Der New Yorker hat

viel um die Ohren, war gera-

de auf einer „geheimen Mis-

sion“ an der amerikanischen Westküste.

Dann schon wieder auf dem Sprung

nach Paris, wo am Mittwochabend die

neue Galeriefiliale eröffnet hat. Irgend-

wann hat man ihn dann doch endlich am

Telefon: „Hallo, wie geht’s?“

VON VIVIEN TROMMER

Lucas Zwirner wurde 1991 in eine

transatlantische Galeristenfamilie hi-

neingeboren. Sein Großvater Rudolf

Zwirner, der 1967 den Kölner Kunst-

markt (heute die Messe Art Cologne)

gründete und sich einen Namen als be-

gnadeter Kunsthändler machte, hat ge-

rade seine Autobiografie vorgestellt und

wohnt längst im schönen Berliner Gru-

newald. Sein Vater David Zwirner be-

treibt seit fast drei Jahrzehnten eine Ga-

lerie in New York, mit Dependancen in

London und Hongkong. Die dritte Gene-

ration ist gerade zum „Head of Content“

der Galerie ernannt worden.

Er wollte Philosoph werden, „aber das

Leben ändert sich“, sagt er. Schließlich

hatte Lucas Zwirner Philosophie sowie

Deutsche und Englische Literatur an der

Eliteuniversität in Yale studiert. Er

übersetzte Michael Endes „Momo“ ins

Englische. Das Buch hatte ihm sein Va-

ter zum Einschlafen immer auf Deutsch

vorgelesen. Schon als Kind sei er faszi-

niert gewesen von der philosophischen

Idee der Zeit, in der Momo unaufhörlich

gefangen war. Die übersetzte Ausgabe,

mit Zeichnungen von Marcel Dzama, ist

heute vergriffen. Nach dem Studium

nahm Lucas zunächst einen Job als Eng-

lischlehrer in Harlem an, um vor fünf

Jahren dann doch in die Geschäfte des

Vaters einzusteigen. Erst als Redakteur

von David Zwirner Books, dann als Lei-

ter des galerieeigenen Verlages. Nun al-

so eine neue Position.

Was bedeutet das, Head of Content?

Galerien seien zu „kulturellen Plattfor-

men“ geworden, sagt Lucas Zwirner im

Gespräch mit WELT. Es gehe nicht nur

um den Kunsthandel, sondern auch da-

rum, einen kulturellen Beitrag für die

allgemeine Gesellschaft zu leisten. „Es

gibt sehr viele Kanäle, über die wir

kommunizieren – die Webseite, Videos,

Bücher, Podcasts – und wir haben ge-

merkt, dass die Stimme, mit der wir

sprechen, konsistent bleiben muss.

Mein Alltag besteht vor allem aus Mee-

tings mit Künstlern, unserem Marke-

tingteam oder mit Galeriemitarbeitern,

um herauszufinden, wie wir diese Ge-

schichte erzählen können.“

Es gehe ihm eben nicht nur darum,

Informationen in die Welt zu schicken,

sondern darum, überlegt zu filtern, wel-

ches Wissen die Galerie vermitteln kön-

ne und müsse. Entsprechend habe er als

Head of Content immer ein Auge da-

rauf, dass jeder noch so kurze Text auf

der Webseite genauso überlegt und

durchdacht geschrieben sei, wie ein gut

gelungenes Essay in einem Katalog.

„Unser Ziel ist es, etwas zu schaffen,

das bildend und zugleich verkäuflich

sein kann.“

So enthusiastisch wie Zwirner die Wor-

te aus dem Mund rollen, möchte man ihm

sofort glauben, dass die Bildungsspritze

dem Kunstmarkt auf Expansionskurs nur

ggguttun kann. Aber hat es den Erfolg, denuttun kann. Aber hat es den Erfolg, den

es verspricht? Dass eine stärkere inhaltli-

che Ausrichtung die Reichweite der Gale-

rie erweitere, hätte er spätestens ge-

merkt, seit David Zwirner Books seine

Bücher über die Verlagsgruppe Simon &

Schuster vertreibt. Künstlerkataloge,

aaaber auch die kleinen literarischen Bü-ber auch die kleinen literarischen Bü-

cher der Reihe „ekphrasis“, mit Werken

von Rainer Maria Rilke oder Oscar Wilde,

hätten es so bis in die Zeitungsläden der

großen Flughäfen geschafft. Da scheint es

nur konsequent, dass Zwirner sich jetzt

fffragt: Was kann der Galerieverlag, was einragt: Was kann der Galerieverlag, was ein

Museum oder ein großer Kunstbuchver-

lag nicht realisieren kann?

Anders als die kleinen unabhängigen

Kunstbuchverlage mit guten Absichten

und geringen Auflagen muss sich Lucas

Zwirner bei David Zwirner Books über

die finanziellen Ressourcen keine allzu

großen Sorgen machen. Er ist voller

Hoffnung, dass der Verlag gerade wegen

der Partnerschaft mit Simon & Schuster

bald vollkommen unabhängig wirtschaf-

ten könne. Wenn es doch einmal ein

Buch gebe, das in der Produktion eine

Finanzspritze brauche, dann springe die

Galerie aber unterstützend ein.

Das Dilemma in den Vereinigten Staa-

ten von Amerika ist aber ein ganz ande-

res: Im Gegensatz zu Europa gibt es dort

kaum unabhängige Kunstbuchverlage,

die guten Buchdruck kultivieren. „Die

meisten großen Verlage in Amerika ge-

ben zwar spannende Romane heraus,“

meint Zwirner kritisch, „aber dann neh-

men sie das falsche Papier, und das Buch

fühlt sich in der Hand einfach nicht gut

an.“ Da überrascht es nicht, dass David

Zwirner Books in Italien druckt. Dort

gebe es ein ganz besonderes Feingefühl

für die formale Schönheit von Büchern.

Der Verlag fülle gewissermaßen eine Lü-

cke. Er engagiere sich für die Produktion

von Wissen und den interdisziplinären

Austausch, lade Autoren und Schriftstel-

ler ein, und öffne sich jenseits des eige-

nen Künstlerprogramms immer wieder

für die Interessen der Allgemeinheit.

Ganz nebenbei drucke er elegante und

intellektuelle Bücher, die man einfach

zu Hause in der eigenen Bibliothek ha-

ben möchte.

Je länger man Zwirner zuhört, desto

klarer wird, dass sein Denken und Han-

deln von den Idealen des Humanismus

geleitet und getragen werden. Er glaubt

tatsächlich an ein demokratisches Gale-

riemodell, das nicht nur für eine Elite,

sondern für alle of-

fen ist. Seine Ent-

scheidungen werden

dabei von den extre-

men Reibungen zwi-

schen dem hochpreisigen Kunsthandel

und seiner Liebe zur Philosophie befeu-

ert. Der Markt sei wichtig. Die Men-

schen, die sich für Kunst und Kultur in-

teressieren, müssen auch investieren,

sagt Zwirner ganz entschlossen. Auch

das sei im Grundsatz demokratisch.

„Das Problem ist nur“, räumt er ein

„dass der Markt in Amerika so aggressiv

ist, dass das, was nicht sofort verkauft

wird, zur Seite gedrängt wird. In Europa

gibt es mehr Raum und Toleranz für Ak-

tivitäten, die vielleicht nicht sofort ei-

nen monetären Mehrwert generieren,

aber wichtig sind.“

Doch finanzieller Erfolg kommt nicht

von ungefähr. „Donald Judd Writings“

verkaufe sich nicht nur am besten, er lie-

be dieses Buch. Es sei die Standardlektü-

re für jeden Kunstkenner, der sich mit

den Prinzipien der Gegenwart beschäfti-

gen möchte. Die erweiterte Neuauflage

des Klassikers hat Zwirner im Jahr 2015

zusammen mit der Judd Foundation he-

rausgegeben. Im November kommt der

Nachfolger heraus, der ebenso dicke

Wälzer „Donald Judd Interviews“, pas-

send zu der für März 2020 geplanten Re-

trospektive des Künstlers im Museum of

Modern Art in New York. Zwirner freut

sich: „Wir hatten Glück, weil das erste

Buch so ein Erfolg geworden ist, durften

wir das zweite auch machen, obwohl sich

das MoMA natürlich gewünscht hätte,

das Buch selbst zu publizieren.“ Das sei

ihm jedenfalls zu Ohren gekommen.

Ist nicht Instagram das Medium der

Zeit? „Die Welt verändert sich ständig“,

sagt Zwirner. Er lese ja auch nicht mehr

so viel wie früher, aber das bedeutet

nicht, dass man nur oberflächliche Aus-

einandersetzungen suche. „Die Men-

schen wollen nachdenken und beim Le-

sen herausgefordert werden.“ Man rea-

giere aber auch auf die Bedürfnisse neu-

er Nutzergruppen. „Bei einem Gespräch

zwischen Kritikern in unserer Galerie

hatten wir für 200 Besucher Platz, beka-

men aber Zusagen auf unsere Einladun-

gen. Das zeigt, dass die Menschen inte-

ressanten Gesprächen auf hohem Ni-

veau folgen wollen.“

Es zeigt auch, dass die Bedeutung der

Orte, wo Kunst angeschaut und debat-

tiert werden kann, in einem grundlegen-

den Wandel begriffen ist. Lucas Zwirner

sieht es optimistisch. Galerien und Mu-

seen müssten jetzt mit vereinten Kräf-

ten zusammenarbeiten, damit sie auch

in Zukunft diesen Diskussionsraum bie-

ten können.

Lucas Zwirner,

Sohn des Galeristen

David Zwirner

JASON SCHMIDT. COURTESY DAVID ZWIRNER.

Zuständig für

INHALTE

Kunsthändler in dritter Generation:

Wie der New Yorker Lucas Zwirner den

Kommerz mit Bildung vereinen will

auch schon mit der Ästhetik von Leni

Riefenstahl verglichen.

Im Video wirkt die Anführerin der

Prozession im schwarzen Anzug mit

offenem weißem Haar wie die Hohe-

priesterin eines Kults. Jünger folgen

ihr auf den Friedhof, werfen einer

nach dem anderen ihre Waffen ins

Grab und stellen sich dann im Kreis

um sie, während sie das Loch auf-

schüttet und die Erde festtritt. Ihre

Jünger führen währenddessen eine

Performance auf, die auf einer Cho-

reografie der israelischen Bewegungs-

komponistin Noa Eshkol von 1953 be-

ruht. In beigen und weißen Unisex-

Gewändern gehen sie halbautomatisch

in einer Reihe und sehen dabei aus wie

zwangsverpflichtete Sannyasin.

Die Hohepriesterin tritt auch nicht

zum ersten Mal in Bartanas Werk auf.

In „What if Women Ruled the World“

war sie Präsidentin eines fiktiven Lan-

des. Man könnte die Performance eine

utopische Dystopie nennen, denn es

sind zwar nur noch zwei Minuten bis

zur nuklearen Zerstörung, aber we-

nigstens besetzen Frauen die Macht-

positionen. Vielleicht ist es aber doch

eher magischer Realismus in Anleh-

nung an Stanley Kubricks Filmklassi-

ker „Dr. Seltsam oder: Wie ich lernte,

die Bombe zu lieben“. Schließlich set-

zen sich die fiktiven Weltpolitikerin-

nen an einen runden Tisch und versu-

chen halb inszeniert, halb improvisie-

rend das Unheil in Form der popkultu-

rell ikonischen Gestalt Donald

Trumps abzuwenden.

Yael Bartana denkt sich alternative

Realitäten aus und lässt diese in ihrer

Kunst wahr werden. Es werden Verhält-

nisse umgekehrt, Gesetze durchbro-

chen, dokumentarische Stolperfallen

gelegt. Und doch nimmt sie die Zu-

schauer mit und erzählt, dass es unsere

Welt ist, die sie da zeigt. Auch in „The

Graveyard“ ist es eine echte Gesell-

schaft mit militaristischen, kultischen

Einschlägen, die aber in Diversität zu-

sammenhält. Bartanas Gesellschaft

schafft die Schusswaffen feierlich ab. In

der Kunst klingt es möglich.

TBis zum 9. November, Galerie

Capitain Petzel, Berlin

R

uhe in Frieden, liebe AK47!

„R.I.P. UZI“, „R.I.P. Glock“ und

„R.I.P. Winchester“ heißen die

Skulpturen von Yael Bartana. Maschi-

nenpistolen und Gewehre hat die israe-

lische Künstlerin in Fossilien verwan-

delt. Martialische Abdrücke im Stein,

wo man sonst eher Turmschnecken

oder Schwertfischskelette aus archai-

schen Vorzeiten gewohnt ist. Die Bot-

schaft ist klar: Unter der Erde sind sie

am besten aufgehoben.

VON EMELI GLASER

Im Videoprojekt „The Undertaker“

wurde den Waffen gewissermaßen die

letzte Ehre erwiesen. Bartana insze-

nierte eine rituelle Massenbeerdigung

auf einem Friedhof in Philadelphia, bei

der die Waffen im Grab verschwanden.

Der Film ist in der Ausstellung „The

Graveyard“ in der Galerie Capitain Pet-

zel in Berlin zusammen mit Objekten

und Prints zu sehen. Nach Perfor-

mances mit den herrlich plakativen Na-

men wie „What if Women Ruled the

World“ und „Bury Our Weapons, not

Our Bodies!“ entstand mit dem „Un-

dertaker“ wieder ein idealistisches

„Was wäre, wenn?“-Szenario.

Die Figuren im Film tragen etwas vor

ihrem Gesicht, das wie Bauhaus-Varia-

tionen subsaharischer Ahnenmasken

wirkt. Sie hängen nun im Ausstellungs-

raum und prozessieren im Film hinter

den Waffenträgern durch

eine amerikanische Innen-

stadt. Vorbei an irritierten

Passanten und Polizisten

auf Fahrrädern schreiten

sie uniformiert und im

Gleichschritt auf ihr Ziel

zu. Das militaristische Mo-

ment als ästhetisches Mit-

tel taucht bei Bartana nicht

zum ersten Mal auf.

Bereits in der früheren

Videoinstallation „Profile“

sieht man Frauen in Ca-

mouflage und mit angeleg-

tem Gewehr. Es ist die Auf-

arbeitung traumatischer Erfahrungen

aus Bartanas eigener Zeit bei der israe-

lischen Armee, die gleichermaßen

Männer wie Frauen ab ihrer Volljährig-

keit verpflichtet. Polen präsentierte im

Jahr 2011 Bartanas dreiteilige Videoin-

stallation „And Europe Will Be Stun-

ned“ auf der Kunstbiennale von Vene-

dig 2011. Sie handelt von der fiktiven

Bewegung „Jewish Renaissance Move-

ment“ und fordert die Rückführung

von 3,3 Millionen Juden nach Polen,

baut im Warschauer Ghetto ein Kibbuz

auf und errichtet ihrem gefallenen An-

führer ein monumentales Denkmal. Als

Betrachter fühlt man sich einerseits an

sozialistische Großveranstaltungen er-

innert, andererseits an aktuelle Um-

weltdemos. Bartanas Art, Menschen-

massen zu choreografieren, wurde aber

Szene aus Bartanas Video „The Undertaker“ (2019)

YAEL BARTANA

AAAbrüstung mit brüstung mit

magischem Realismus

YYYael Bartana schafft in Berlin die Waffen abael Bartana schafft in Berlin die Waffen ab

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KUNSTWOCHE IN PARIS

Messe FIAC im Grand

Palais stark gestartet

Im Jahr 2000 sei es noch „dritte Welt“

gewesen, so der Pariser Galerist Kamel

Mennour über die FIAC. Das Blatt hat

sich gewendet, die Pariser Kunstmesse

gehört zu den Topveranstaltungen des

Kunstmarktkalenders (noch bis Sonn-

tagabend). Die Händler melden in

diesem Jahr bereits gute Verkäufe. Die

1966 in Paris gegründete Galerie Tem-

plon konnte ein großformatiges Por-

trätgemälde von Kehinde Wiley ver-

kaufen (350.000 Dollar). Die Pace

Gallery aus New York fand für „Lords

Monroe Station“ von Robert Rau-

schenberg einen Käufer (1,1 Millionen

Dollar). Auch Thaddeus Ropac aus

Salzburg hatte Erfolg mit Rauschen-

berg („Everglade (Borealis)“, 1,7 Mil-

lionen Dollar) sowie Stahlskulpturen

von Tony Cragg (275.000 Euro) und

Anthony Gormley (400.000 Pfund).

David Zwirner aus New York verkaufte

drei Arbeiten von Sherrie Levine für

320.000 bis 750.000 Dollar und Foto-

grafien von Wolfgang Tillmans für

35.000 bis 150.000 Dollar. Hauser &

Wirth machte schnelle Umsätze mit

Louise Bourgeois’ „I Want to Be Sure

You Love me!!“ (1,75 Millionen Dollar),

Mark Bradfords brandneuem „Painting

6“ (1,2 Millionen Dollar) und Rita

Ackermanns „Mama Nagyika“ (165.000

Dollar). Aber nicht nur die Messe er-

lebt einen Höhenflug. Auch Paris wird

immer mehr zugetraut, falls der Stern

von London, wie von vielen erwartet,

nach dem Brexit sinkt. Ropac ist schon

länger mit zwei Dependancen in Paris.

Gagosian auch. Zwirner und White

Cube haben gerade Filialen eröffnet.

Hauser & Wirth und Pace sollen auf

der Suche nach Räumen sein.

Sotheby’s versteigert

die Sammlung Lalanne

Auf der Designmesse PAD in Paris und

London stehen sie mitunter herum,

kleine Schafherden von François-Xa-

vier Lalanne. Holzhammel im Woll-

pelz, auf denen man sitzen kann. Fern-

ab jedes Zeitgeists sind sie zu Ikonen

des Interior-Designs und mittlerweile

auch entsprechend teuer geworden. Es

gibt sie auch in Bronze. Sotheby’s

versteigert drei von ihnen zum Schätz-

preis von 500.000 bis 700.000 Euro.

Am 23. und 24. Oktober kommt im

Pariser Auktionshaus die persönliche

Sammlung des Künstlerehepaars La-

lanne unter den Hammer. François-

Xavier starb bereits im Jahr 2008,

seine Frau Claude in diesem Frühjahr.

Auch sie war eine eigenwillige Tier-

bildhauerin. Ein kapitaler „Hase des

Sieges“ ist auf mindestens 500.000

Euro taxiert, ihre vergoldeten Kroko-

Möbel auf mindestens 300.000 Euro.

Toplos ist ein aufklappbarer Schreib-

tisch in Form eines Nashorns, den

François-Xavier Lalanne 1991 entwarf:

Der monumentale „Rhinocrétaire“ ist

auf 700.000 Euro geschätzt.

Neues Galeriequartier

Komunuma eröffnet

Vier Pariser Galerien haben sich zu-

sammengeschlossen, um ein ehemali-

ges Industrieareal im wenige Kilo-

meter östlich von Paris gelegenen Ort

Romainville zu einem Kunstquartier

zu entwickeln. In dieser Woche wurde

„Komunuma“ eröffnet, die Wortschöp-

fung aus dem Esperanto bedeutet

Gemeinschaft. Air de Paris zeigt 40

Künstler der Galerie, darunter Liam

Gillick, Philippe Parreno und Sarah

Morris. Bei der Galerie Sator erhielt

der Schweizer Bildhauer Christian

Gonzenbach eine Carte blanche. Joce-

lyn Wolff präsentiert eine Virtual-

Reality-Installation des deutschen

Filmemachers Clemens von Wedemey-

er. Und In Situ Fabienne Leclerc zeigt

Installationen von Andrea Blum und

Mark Dion sowie eine Performance

von Laurent Tixador.

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