Süddeutsche Zeitung - 08.10.2019

Das berühmteste Stück aus Gioachino Ros- sinis vierstündiger Oper „Guillaume Tell“ ist die Ouvertüre. In vier Sätzen erzählt Ros- sini hier die Handlung der Oper und die Di- alektik seines letzten Werks fürs Musikthe- ater zwischen Naturbeschreibung und Poli- tik. Dieses Vorspiel beginnt mit einem Solo- cello, dem gleich vier weitere Celli zur Seite treten. Auf der Bühne der Opéra de Lyon sitzt eine Cellistin, neben ihr tanzt ein Paar in Anzug und Abendkleid, tanzt kultiviert und versonnen Poesie und Anziehung. Die Bühne ist ein weißes Konzertpodi- um, drumherum stehen schwarze Stühle, die auf Zuschauer warten, der Hinter- grund ist ein riesiger Bergprospekt, Nebel wabert um Feld und Eis. Während die Celli süß von Idylle singen, taucht ein Typ auf, gekleidet wie ein Mitglied der Gang von Alex aus Kubricks Film „A Clockwork Oran- ge“, also lange weiße Unterwäsche, Suspen- sorium über dem Gemächt, schwarze Melo- ne, Baseballschläger. Weitere solche Ge- stalten kommen hinzu, lugen der Cellistin über den Rücken, zupfen an den Noten, das Tanzpaar verharrt in Irritation. Schließ- lich flieht die Musikerin – eine Statistin, wie man gleich merken wird –, die Typen zerschlagen das Cello, das Tanzpaar flieht gleichermaßen, zurück bleiben das zerstör- te Instrument, zerzauste Noten. Diese Inszenierung der Ouvertüre ist prägnant und brillant, das Böse vernichtet die Kultur. So wie Rossini in der Ouvertüre seine ganze Oper erzählt, so erzählt Tobias Kratzer hier seine ganze Inszenierung. We- sentlich Neues kommt in den folgenden Stunden nicht hinzu. Kratzer ist nicht erst seit seinem Bayreu- ther „Tannhäuser“-Triumph in diesem Sommer derzeit einer der spannendsten Opernregisseure. Mit äußerster Konse- quenz erzählt er stets mit den Motiven einer Oper eine Geschichte, auf die man zu- nächst oft gar nicht käme, die dann aber oft außerordentlich gut funktioniert und gar nicht wie Tünche, sondern wie aus dem Stück heraus entwickelt wirkt. Für Rossi- nis „Tell“, uraufgeführt 1829 in Paris, form- ten fünf Autoren Schillers Drama in ein Li- bretto um, das vom Freiheitskampf der Schweizer gegen die Habsburger Okkupati- onsmacht erzählt. Mit dieser historischen Situation hat Kratzer nicht viel am Hut, er will viel mehr allgemeingültig sein. Und deshalb geht es hier um den Kampf von Kultur gegen Unkultur. Unter den Tisch fallen dann alle Aspek- te, in denen Rossini Natur malt, auch wenn die im ungeheuer plastischen, zupacken- den Dirigat von Daniele Rustioni ausge- formt werden. Der Sturm auf dem Vier- waldstättersee, den Tell zur Flucht aus des Landvogt Geslers (Jean Teitgen) Fängen nutzt und der in der Ouvertüre anklingt, ist hier kein Brausen der Natur mehr. Er kün- det von der Raserei des Unverstands – im Vorspiel tritt Tell auf und klaubt erschüt- tert die Reste des Cellos zusammen. Doch noch feiert das Schweizer Volk im ersten Akt sich selbst, speist Familie Tell am Tisch auf dem Podium, wirkt das Volk wie ein Konzertpublikum in spannungsfro- her Erwartung. Einen Bogenschießwettbe- werb gibt es bei Kratzer an dieser Stelle nicht, Tells Sohn Jeremy gewinnt aber sein Geigenvorspiel. Die Figur dieses Sohnes er- findet Kratzer wunderbar: Er wird gespielt von einem kleinen Jungen und einer jun-

gen Frau, die wie seine große Schwester wirkt, was szenisch große Freiheiten er- möglicht. Die junge Dame leiht Jeremy ihre Stimme, Jennifer Courcier macht das mit dem blühenden Charme der Jugend. Das Fest des ersten Akts geht weiter, drei Hochzeitspaare tanzen kleine Erzäh- lungen von Liebe, die der Choreograf De- mis Volpi alten Schweizer Tänzen abge- schaut haben könnte. Von Ferne tönen die Hörner von Geslers Mannen; wenn sie er- klingen, läuft schwarze Farbe den Alpen- prospekt hinunter. Am Ende werden die Berge unter dem Schwarz verschwunden sein. Überhaupt braucht Kratzer, für ihn unüblich, diesmal kein Video, alles wird analog dargestellt, verdeutlicht nur durch dieses Bild seines Ausstatters Rainer Sell- maier von den sich verdunkelnden Alpen. Schließlich bricht die Barbarei herein. Der alte Melcthal, Vater von Tells Mitstrei- ter Arnold, wird von der „Clockwork Oran- ge“-Horde auf offener Bühne, misshan- delt, geblendet, erschlagen – zuvor hat der honorige Tomislav Lavoie mit einem Takt- stock Volkes Chor dirigiert, jetzt bekommt er ihn in die Augen. Hier setzt die Umdeu- tung der Kultur ein, der im zweiten Akt beim Rütli-Schwur in eine Orchesterver- sammlung mündet, an deren Ende alle Choristen auf der Bühne ihre Instrumente zerlegen und daraus Waffen basteln. Der Boden einer Geige ergibt, an eine Klarinet- te geklebt, eine veritable Doppelaxt.

Kratzer ist konsequent, aber subtil ist hier nichts. Das in die Enge getrieben Kul- turvolk gibt selbst seine Kultur auf, um sich zu wehren. Jeremy verbrennt später Notenblätter als Lichtsignal für den Auf- stand, Tells „Bogen“ ist eine aus einem Fa- gott gebaute Armbrust, seine Pfeile sind Geigenbögen. In seiner Klarheit hat das über die lange Strecke etwas Ermüdendes, doch nach der Pause wird die Gewalt von Geslers Mannen wirklich beklemmend, wenn die Schwei- zer gezwungen werden, in fremden Kostü- men fremde Tänze – im Original dargestellt von einer Tiroler Truppe – aufzufüh- ren. Daraus entsteht die Revolution aus Entrüstung, fieserweise auch eine Entrüs- tung aus Angst vor Überfremdung. Da wird Kratzer doch mehrdeutig. Chor und Orchester der Oper Lyon rasen dazu in abenteuerlicher Brillanz, dagegen kämp- fen die Solisten hart an, so beeindruckend Nicola Alaimo (Tell), John Osborn (Arnold), Jane Archibald (Arnolds Geliebte Mathil- de, eigentlich dem Habsburger Lager zuge- hörig) und Enkelejda Shkoza (Tells Frau Hedwige) aus sein mögen. Selbst die Liebe zwischen Arnold und Mathilde, obwohl mu- sikalisch betörend ausgebreitet, fällt hinter der Macht der Masse zurück. Kubricks Film schildert eine Horde irrer Anarchisten, die nie systemisch werden wollen. Hier agieren sie implizit konstituie- rend. Am Ende, nach dem Sieg, nach einer Schlacht mit den Instrumenten, setzt sich Jeremy die schwarze Melone Geslers auf. Die Barbarei trägt ihre Früchte weiter in die nächste Generation, Kultiviertheit wird Chimäre. egbert tholl

von peter laudenbach

N

eulich hätte im Dresdner Kulturpa- last eine interessante Diskussion stattfinden sollen. Eva-Maria Stan- ge, die sächsische Staatsministerin für Kul- tur und Wissenschaft, und der Intendant des Staatsschauspiels Joachim Klement wollten mit dem Geschäftsführer der säch- sischen AfD-Landtagsfraktion, Bernd Lom- mel, über Kunstfreiheit debattieren. Ange- kündigt war die Veranstaltung im Rahmen der Reihe „Streitbar“, die schon im vergan- genen Jahr für Aufsehen sorgte. Damals waren die Schriftsteller Durs Grünbein und Uwe Tellkamp über angebliche „Mei- nungskorridore“ und eine von Rechtsextre- men betriebene gesellschaftliche Polarisie- rung aneinander geraten.

An Anlässen, die sächsische AfD nach ihrem Verständnis von Kunstfreiheit zu fra- gen, fehlt es nicht. Im Wahlkampf hängte sie vor das Staatsschauspiel Plakate mit einer unverhüllten Drohung: „Kein Cent für politisch motivierte Kunst“. Dem renom- mierten Festspielhaus Dresden Hellerau würde sie am liebsten die Subventionen kürzen. Als die Kultureinrichtungen der Stadt, darunter die Semperoper, die Staatli-

chen Kunstsammlungen und das Staats- schauspiel, sich in ihrer „Dresdner Erklä- rung der Vielen“ gegen Intoleranz und Rechtspopulismus wandten, reagierte die AfD auf ihre Weise. Sie verlangte vom Frei- staat Sachsen Abmahnungen und Unterlas- sungserklärungen. Es wäre interessant ge- wesen, im Kulturpalast zu erfahren, wie der AfD-Vertreter dieses aggressive Auftre- ten mit Kunstfreiheit in Einklang bringt. Zu dieser Debatte kam es nicht. Das Kul- turhauptstadtbüro Dresden musste die Veranstaltung absagen, weil „nach einer ersten Zusage“ der AfD-Landtagsfraktion von dieser „trotz mehrerer Kontaktversu- che“ keine Rückmeldung mehr kam. Der Rückzieher der AfD kann viele Gründe haben, Dialogverweigerung oder schlechte Kommunikation. Vielleicht passen Frontal- angriffe gegen Kultureinrichtungen auch nicht mehr zur neuen Strategie, die in Tei- len rechtsextreme Partei zu Wahlkampf- zwecken als bürgerlich-konservativ zu ver- kleiden. Auf Nachfrage der SZ war von der Pressestelle der sächsischen AfD-Land- tagsfraktion keine Auskunft zu erhalten.

Für Joachim Klement, seit gut zwei Jah- ren Intendant des Staatsschauspiels Dres- den, ist Dialogverweigerung keine Option. In Dresden habe er „noch einmal auf neue Weise zuhören gelernt“ sagt Klement. Weg- ducken funktioniert in der Stadt, in der die

rechtsradikale Pegida das gesellschaftliche Klima vergiftet, ohnehin nicht. Die Aus- einandersetzung mit der Neuen Rechten ist für den Intendanten schlicht „Bestand- teil der künstlerischen Arbeit des Theaters und unseres Bildungsauftrags. Wir kommen aus der Tradition der Aufklärung, das ist eine Verpflichtung“. Schließlich ist das

Ensemble des Theaters schon 1989 bei den Montagsdemonstrationen für Bürgerrech- te auf die Straße gegangen. Heute versteht sich das Staatsschauspiel offensiv als Teil der Zivilgesellschaft und engagiert sich mit vielen anderen Kultureinrichtungen in der Initiative „Weltoffenes Dresden“. Die Polarisierung der Stadt durch die Pe- gida-Aufmärsche hat sich in Klements Wahrnehmung in den letzten Jahren beru- higt. „Das war ein Lernprozess“, beobach- tet der Intendant. „Man hat gelernt, mit den Provokationen der Rechtsextremen umzugehen und zu zeigen, dass die Vertei- diger der Demokratie weit zahlreicher sind als ihre Gegner.“ Natürlich findet die Auseinanderset- zung auch auf der Bühne statt. Eine der ersten Produktionen dieser Spielzeit, „Mit der Faust in die Welt schlagen“ nach dem Ro- man von Lukas Rietzschel, fragt nach den gesellschaftlichen Voraussetzungen für Verrohung und rechte Radikalisierung. Vol- ker Lösch hat mit seiner Inszenierung „Das blaue Wunder“ eine Machtergreifung der Rechtsextremen durchgespielt. Nach jeder

Vorstellung finden gut besuchte Publi- kumsgespräche statt. Genau der Dialog, dem sich die AfD im Kulturpalast verwei- gert hat, findet hier statt. Gewalt ist auch der Kern der neuesten Dresdner Premiere, Armin Petras’ Bilder- buch-Brecht-Aufführung „Mutter Coura- ge und ihre Kinder“. Auf einer frei im Raum stehenden Schräge (Bühne: Olaf Altmann) zeigt sie ein Schlachthaus. Schon zu Be- ginn ist die Spielfläche mit Leichenbergen bedeckt: Das ist der Grund, auf dem wir stehen. Die Szenen aus dem Dreißigjährigen Krieg dehnt Petras auf die Menschheitsge- schichte aus. Die verrohten Soldaten könn- ten in ihren zerrissenen Fellumhängen di- rekt aus der Steinzeit kommen, später tra- gen sie Wehrmachtsuniformen. Wenn sie einander in Stücke hauen und die Leichen- teile in einem großen Kochtopf zubereiten, ist das eine etwas plumpe Illustration des ökonomischen Kalküls der Marketenderin Courage, die von der Versorgung der Solda- ten lebt: „Der Krieg nährt den Krieg.“ Eine beeindruckenden Ursula Werner in der Titelrolle zeigt die ewige Kriegsge- winnlerin, die mit ihrem Planwagen dem Regiment hinterherzieht, mit nüchterner Härte und Klarheit. Trotz dieses Kraftzen- trums ist die bilderverliebte, in den Figu- renzeichnungen robust plakative Inszenie- rung eher professionelle Staatstheater- Brecht-Routine als ein Höhepunkt im Schaffen des hier erstaunlich konventionel- len Regisseurs.

Der Mann ist absolut angstfrei, ja mehr als das: Der Kölner Bestsellerautor Frank Schätzing, 62, der sich vor 15 Jahren eine fast 900 Seiten umfassende, einerseits abs- truse, andererseits aber gerade deshalb ge- niale, nämlich das Tollkühne mitreißend plausibel machende Irrwitzgeschichte namens „Der Schwarm“ ausgedacht und da- mit einen globalen Bestsellerlisten-Tsuna- mi losgetreten hat, dieser Mann ist ein Wunder der Selbsterkühnung. Ein Titan der Was-soll-schon-passieren-Haltung. Man muss ihn bewundern. Da tut einer nicht, was er muss, soll, kann oder darf – sondern was er will, was er liebt. Liebe ist daher ein Mittel, um dem Autor Schätzing auch als Musiker zu begeg- nen. Andernfalls müsste man sagen, dass Schätzings delirierend furchtloses Musik- debüt, ein Album namens „Taxi Galaxi“, auf grandiose Weise die bislang schlimms- ten zwei Minuten der Weltmusikgeschich- te um weitere 15 nervenaufreibende Songs in eine andere Dimension katapultiert. Angstfrei – wann war man das selbst zu- letzt? Genau, als 14-jähriger Gitarrist der einzigartigen BandUnkraut. Bei jenem le- gendären Konzert in einem niederbayeri- schen Kolpinghaus vor Jahrzehnten hatte man sich ein zweiminütig ewiges Blues-So- lo vorgenommen. Etwas Kühnes, Magi- sches und Inspiriertes. Man hatte unbe- dingt jenen unbeschreiblichen Mumm der Fantastik, der einst maximal 14-Jährigen vorbehalten war (bis Schätzing): sich näm- lich mitten auf der Bühne des Lebens ein Wunder zuzutrauen. Später traut man sich so etwas nicht mehr. Das ist ein großer Feh- ler. Man sollte sich immer alles zutrauen. Mindestens Sternstunden. Jedenfalls: Die sonstigen Mitglieder der Band waren vom Brennnesseltee meistens high. Sie schrit- ten nicht ein. Und Gott war tot oder taub. Aber hey, was soll schon passieren? Der gottlose Nietzsche sagt: „Ziele nach dem Mond. Selbst wenn du ihn verfehlst, wirst du zwischen den Sternen landen.“

Nach dem Konzert sagte einem die eige- ne Mutter (!), das zweiminütige Solo gehö- re nicht zu den Sternstunden, sondern zu den grausamsten zwei Minuten der Musik- geschichte. Womit man wieder bei der Pop- scham und Schätzing landet. Seine Musik ist auf eine faszinierende Weise so unterir- disch, dass sie auch seltsam erhaben ist. Da traut sicher einer was. Baut sich, wie er einem mal in Köln in einem Gespräch er- zählt hat, in dem es eher um das Musikma- chenwollen als um das Bestsellerschreiben- sollen gegangen ist, als gefühlt 14-Jähriger mit dem Geld und dem Urvertrauen aus seinen Erfolgen als deutscher Dan Brown ein eigenes Tonstudio. Singt und gitarrisiert, übernimmt Bass, Tasten und Kalimba. Tex- tet, arrangiert und produziert. Und HUL- DIGT, ja zerliebt, zersongt und zersägt seine wahre große Jugendliebe. Das ist/sind: David Bowie und die Achtzigerjahre. Weil Schätzing auch der deutsche David Bowie ist. Und dann leider auch ein bisschen wie Gazebo klingt, derMezzofortegut findet.

„Taxi Galaxi“ ist ein Vintage-Hearalike liebender Sehnsucht und abenteuerlicher Selbstermächtigung. Zwischen den Songs „Modern Entertainment“ oder „Perfect Il- lusion“ taucht immer wieder David Bowie als musikalisches Leitgestirn auf. Mit sinfo- nischer Allgewalt und jener höheren Kom- plexität, die bei Bowie in den besten Fällen einfach simpel erscheint (wie heißt es in der vollendeten Metheny-Bowie-Fusion von „This Is Not America“ so entwaffnend? „sha la la la la“). Doch bei Schätzing ist das Komplexe eben: komplex. Hier noch ein Saxofonseufzer, da noch ein paar Synthie- girlanden. Und zu alldem ein Schätzing als Sänger, wie er versucht, aus dem Bowie auf Trip einen Bowie am Rhein zu machen.

Was auch dem Umstand geschuldet sein dürfte, dass Schätzing bei der Produktion dieser galaktischen Vieldeutigkeit eines Al- bums, das mit einem kosmisch umwolkten Major Tom perfekt illustriert ist, hervorra- gende Amtshilfe hatte: vom langjährigen Bowie-Pianisten Mike Garson. Auch Tony Levin war dabei, Bassist für Kind Crimson und Peter Gabriel und jetzt eben Pate der Taxifahrt durch die Galaxie des Retro- Pops, die sich auf einem kolossal überinsze- nierten Soundteppich ereignet, wo das Vi- brato den Hall und der Hall das Echo jagt. Es ist, als wollte Schätzing sagen: „Wollt ihr mal hören, was mein Studio so alles drauf- hat?“ Schätzings Album ist aber nicht nur eine Variante der (doch: professionell ge- machten) Sonntagspopkunst. Es ist eigent- lichdieHymne des Amateurdaseins. Lieb- haberei ist vor allem Liebe. Frank Schätzing macht also das mögli- cherweise schlechteste Popalbum der letzten einhundert Jahre, nicht weil er’s kann, sondern weil er’s liebt. Dabei lässt er eine Artpop-Glamrock-Verirrung von einzigar- tiger Entschlossenheit entstehen. Der Lite- rat Schätzing ist auch auf fremdem Terrain furchtlos. Es macht ihm nichts aus, in der popkulturellen Galaxie der Denkbarkeiten auf die Knie gezwungen zu werden. Auf die Knie seines liebenden Herzens einerseits. Auf jene der musikalischen Möglichkeiten andererseits. Das Album ist entsetzlich. Aber auch eine gewaltige, galaktische Liebeserklärung an all das, was man sich mal alles so zuge- traut hat. Es ist insofern hinreißend. Daran glauben – das ist die Botschaft. Und wenn nicht ein Apfelbäumchen, so doch „Taxi Ga- laxi“ in die Welt setzen. Man muss sich Frank Schätzing als mutigen und gläubi- gen Mann vorstellen. Den Mond verfehlt er sowieso, doch er landet immer in den Ster- nen. Und jetzt, wo er endlich Popstar ist, könnte er doch mal wieder was Überra- schendes schreiben. Hey, was soll schon passieren. gerhard matzig

Tinariwen waren die ersten im Afro- pop, die ihre Gitarren elektrifizierten. Die ersten auch, die vor knapp zwei Jahrzehnten den Westen für den Tuareg- Rock begeisterten. Nie aber schlurfte der Sahara-Blues lässiger als auf „Amad- jar“ (Wedge). Verzerrte Gitarren folgen subtil verschnörkelten Schaukel-Rhyth- men. Pentatonische Riffs perlen in auf- reizender Trägheit aus den Verstärkern. Dazu singen Baritonstimmen in eine gefühlt endlose Weite hinein. „Verloren in der Nacht hat mich mein Durst ge- weckt/ meine Seele ist verwirrt, ich glaube keinem mehr.. ./ ich bin der Sohn von Gazellen geworden, die durch die Wüste streifen“. So wie „Tenere Maloulat“ dreht sich das ganze Album um den politischen und persönlichen Verrat, die dunkle Macht des Geldes – und die Sehnsucht nach einer Rückkehr in die vom Bürgerkrieg gebeutelte Hei- mat Nord-Mali. Alles in der bildhaften Poesie des Tamashek. Einige der Band- mitglieder kämpften einst für einen Tuareg-Staat. In den Neunzigern tausch- ten sie ihre Kalaschnikows gegen E-Gi- tarren. Der Rebellen-Mythos schmückt sie noch immer, und verstärkt die Anzie- hungskraft ihres Wüstenblues im Wes- ten. Wie aber lässt sich die raue Magie ihrer Live-Auftritte bei Hochzeiten und Festen im Studio einfangen? Indem man mit einem zum mobilen Aufnahme- studio umgebauten Kleinbus durch die West-Sahara tourt. Abends beim Lager- feuer auf den Dünen wurde mitgeschnit- ten. Im Studio in Mauretaniens Haupt- stadt Nuakchott wurden die wunderbar schneidenden Sirenen-Gesänge von Mouria Mint Seymali gab’s den Fein- schliff. Erst im Nachgang kamen auch noch westliche Gäste dazu: etwa Gitar- rist Micah Nelson, der Sohn von Willie Nelson. Oder Nick Caves exzentrischer Soundtüftler Warren Ellis, der wunder- bare Country-Blues-Färbungen beisteu- erte. Ellis spielte Violine und setzte gekonnt elektronische Effekte ein, die mal wieder zeigen, wie nah sich Mississippi und Niger sind.

Dass eine der besten Afrojazz-Bands der Welt ausgerechnet aus Kopenhagen kommt, kann in einer globalisierten Welt vorkommen. Doch wenn The Kuti Mangoes auf ihrem vorletzten Album vor allem die Impressionen aus einem Feldtrip nach Mali und Burkina Faso in verarbeiteten, verschieben sie auf „Afro- tropism“ den Akzent: Weniger Retro- Highlife, mehr nordischer Jazz und andere Experimente. So fordern bereits die ersten Takte des Openers „Stretch Towards The Sun“ mit sirrenden Synthe- sizer-Riffs heraus. In seinen besten Momenten erinnert der Song an eine Afro-Version von Joe Zawinul und sei- nemSyndicate. In den schlechteren Momenten bleibt es einfach eine Ner- venprobe. Immerhin riskieren die Dä- nen einiges, wenn sie etwa auf „A Snake Is Just A String“ den malischen Gitar- ren-Blues eines Ali Farka Touré mit synthetischen Sounds nachbilden, oder wenn sie in „Call Of The BulBul Bird“ Afro-Rock, elektronische Percussion und Samba zusammenbringen. Nach den ersten Schreckminuten landen sie dann allerdings doch in akustischem Groove-Gelände. Und da funktioniert dann sowohl die Afrobeat-Message von „Money Is The Curse“ als auch der von einem Ngoni- Sample getriebene Jam „Sand To Soul“ ganz hervorragend.

Vorbei die Zeit, als der Kongo noch ver- lässlich für süßliche Rumba-Klänge stand. Zwischen Paris und Kinshasa brauen sich inzwischen dunkle Wolken zusammen, treffen gebrochene Beats, tiefe Bässe und ekstatische Chants auf- einander, gelten Genres nichts mehr und Energie alles. Das zumindest sugge- riert „No Romance“ (Glitterbeat), die erste EP vom Bantou Mentale und Vorbote des Ende Oktober erscheinen- den Debütalbums des Projekts. Dahin- ter stecken drei kongolesische Vetera- nen und Liam Farrell alias Doctor L. Der irischstämmige, aber in Paris aufge- wachsene Musiker und Produzent hat schon einige afrofuturistische Projekte angestoßen: etwa dieAmazones d‘ Afri- queoder die aus Teilen vonStaff Benda Bililihervorgegangene BandMbongwa- na Star. Letztere schoss den kongolesi- schen Pop in ein elektronisches Univer- sum zwischen Ambient und frühem Chicago House. Bantou Mentale aber zielt noch weiter. Es kracht und funkt und könnte so etwas sein wie ein düste- rer afrikanischer „Blade Run- ner“-Soundtrack. Aber: „Der Kongo ist ein Land von großer spiritueller Sanft- heit.“ Das sagt Drummer und Songwri- ter Cubain Kabeya. Und tatsächlich kann man Sanftheit spüren inmitten des Lärms. Immer wenn das Hexen-Ge- bräu droht, zu artifiziell zu werden, werfen sich ein paar klingelnde Gitar- ren-Riffs dazwischen, hieven ätherische Chor-Gesänge die Songs in Sphären irgendwo zwischen Traum und Alb- traum. Anders gesagt: Es ist genau der Punk, auf den man angesichts der rohen, überlebens- wütigen Straßen- kultur Kinshasas immer gehofft hat. jonathan fischer

Sha la la la la

„Taxi Galaxi“: Das Popdebüt von Frank Schätzing ist ein Werk der Liebe

Joachim Klement, geboren 1961 in Düs- seldorf, sieht sich der Tradition der Aufklärung verpflich- tet. Seit der Saison 2017/18 ist er Inten- dant am Staatsschau- spiel Dresden. FOTO: SEBASTIAN HOPPE

Die Barbarei trägt ihre Früchte weiter: Rossinis „Tell“ in Lyon. FOTO: BERTRAND STOFLETH

Das Album ist die ultimative Hommage an das Dasein als Amateur

Der Einbruch

der Barbarei

Tobias Kratzer inszeniert Rossinis „Tell“ in Lyon

Selbst die Liebe fällt hinter der Macht der Masse zurück

Courage in Dresden

Intendant Joachim Klement positioniert das Staatsschauspiel gegen

die Neue Rechte. Dazu gehört auch Armin Petras’ Brecht-Inszenierung

Wegducken geht nicht in dieser Stadt, in der Pegida aufmarschiert und die AfD die Kunst attackiert

(^10) FEUILLETON Dienstag, 8. Oktober 2019, Nr. 232 DEFGH
Liebt die Popmusik so leidenschaftlich wie die Literatur: Frank Schätzing. FOTO: PAUL SCHMITZ / ZDF
AFROPOPKOLUMNE
DIZdigital: Alle Rechte vorbehalten – Süddeutsche Zeitung GmbH, München

Süddeutsche Zeitung - 08.10.2019

Get our desktop app

Company

Features

Documentation

Resources