Frankfurter Allgemeine Zeitung - 11.09.2019

SEITE 12·MITTWOCH, 11. SEPTEMBER 2019·NR. 211 Feuilleton FRANKFURTER ALLGEMEINE ZEITUNG

Die Entscheidung ist bemerkenswert.
Die Beratende Kommission für die
Rückgabe NS-verfolgungsbedingt entzo-
gener Kulturgüter (Limbach-Kommissi-
on), insbesondere aus jüdischem Besitz,
spricht im erst achtzehnten Fall seit ih-
rer Gründung 2003 nicht „einfach“ eine
Empfehlung aus, sondern knüpft diese
in der Sache Max Stern Foundation vs.
Bayerische Staatsgemäldesammlungen
erstmals an Bedingungen: Das Gemäl-
de „Ulanen auf dem Marsch“ von Hans
von Marées, das der Düsseldorfer Gale-
rist Max Stern (1904 bis 1987) im Juni
1936 verkauft hat, soll an dessen Erben
zurückgegeben werden, doch verpflich-
ten sich diese, das Werk in den nächsten
zehn Jahren nicht zu veräußern.
Diese Kautel ist ein Novum. Sie ver-
sucht den komplizierten und in vielen
Details mangels Unterlagen nicht aufge-
hellten Umständen des Handels Rech-
nung zu tragen. Sollten weitere For-
schungsarbeiten ergeben, dass Stern
das Bild als Kommissionsware verkauft
hat, müsste es die in Montreal ansässi-
ge Stiftung an das Museum zurückge-
ben. Sollte ein Sammler, der ebenfalls
der Verfolgung des NS-Regimes unter-
lag, es eingeliefert haben, wäre dieser
der „Primärgeschädigte“, so dass seine
Erben einen vorrangigen Anspruch auf
Restitution hätten. Die zweite Bedin-
gung ist allgemeiner: Stellte sich her-
aus, dass der Verkauf „seinem wesentli-
chen Inhalt nach mit hoher Wahr-
scheinlichkeit auch ohne die Herr-
schaft des Nationalsozialismus zustan-
de gekommen wäre“, verpflichtet sich
die Stern Foundation zur Rückgabe an
die Neue Pinakothek.
Die hier zugrundeliegende Hypothe-
se erscheint, gelinde gesagt, fragwür-
dig. Denn Stern konnte seiner Tätigkeit
schon seit März 1933 nur unter Ein-
schränkungen nachgehen und musste
sich, da seine Schwester und ihr Mann,
der Publizist Siegfried Thalheimer,
1933 ins Saarland und später nach Pa-
ris gezogen waren, auch angesichts ver-
breiteter „Sippenhaft“ bedroht fühlen.
Die zweite Auflage dürfte, das legt die
Begründung der Empfehlung zumin-
dest nahe, einer Minderheitsmeinung
geschuldet sein, wie sie hier zum ersten
Mal artikuliert wird. Denn die Kommis-
sion, der unter Vorsitz von Hans-Jürgen
Papier, dem ehemaligen Präsidenten
des Bundesverfassungsgerichts, neun
weitere Mitglieder angehören, belässt
es nicht bei der Auskunft, dass sie mit
den erforderlichen zwei Dritteln der
Stimmen entschieden hat, sondern
führt das abweichende Votum auf und
gibt ihm kurioserweise anderthalbmal
so viel Raum wie der Mehrheitsmei-
nung.
Dieses Missverhältnis lässt wie die
späte Veröffentlichung der Entschei-
dung, die bereits am 25. Juni getroffen,
aber erst zehn Wochen später publik ge-
macht wurde, den Schluss zu, dass der
Fall die Kommission gespalten hat und
hinter den Kulissen erbittert gerungen
wurde. Das mag zunächst irritieren, zu-
mal die Minderheit für einen Verkauf
im „ordnungsgemäßen üblichen Ge-
schäftsverkehr“ merkwürdig selektive
und insinuierende „Argumente“ an-
führt. Doch ist es als Signal dafür zu
werten, dass die Kommission, nach-
dem sie neu besetzt und mit Raphael
Gross und Gary Smith zwei jüdische
Mitglieder aufgenommen wurden, ihre
Aufgabe, „eine ethisch begründete
Empfehlung zur Lösung“ zu finden,
künftig konfliktbewusster als morali-
scheInstanz versteht.
Die Empfehlung der Rückgabe weist
mithin über den besonderen Fall hin-
aus. Die erste Bedingung dürfte weitge-
hend rhetorischen Charakter haben,
denn neue Erkenntnisse sind vor allem
aus dem noch nicht ganz erschlossenen
Nachlass von Max Stern zu erwarten,
der sich im Archiv der National Gallery
in Ottawa befindet. Viele der Geschäfts-
dokumente dort unterliegen dem Da-
tenschutz und dem Persönlichkeits-
recht, so dass sie erst zwanzig Jahre
nach dem Tod der Betroffenen zugäng-
lich werden. Insofern hat die Kommissi-
on pauschal eine Bedingung markiert,
die mit kanadischem Recht nicht einlös-
bar ist. ANDREAS ROSSMANN

G

leich im ersten Bild

kommt – der Videoblick

lässt es erkennen – ein

Korb mit ausgerissenen

menschlichen Augen auf

die Bühne, an denen eine

Zofe im Halbdunkel neugierig herumnu-

ckelt; sie hält die Stücke womöglich für

eine besonders delikate Sorte von Meeres-

früchten. Frank Castorf bleibt sich auch

bei seiner Rückkehr nach Berlin, nun-

mehr auf der Opernbühne, treu: Wo er ein-

mal Witterung aufgenommen hat, wird

hineingeschnüffelt bis zum Brechreiz.

Hier, bei Verdis „Forza del destino“ an

der Deutschen Oper, folgt er am liebsten

dem süßlich-brandigen Gestank des Krie-

ges. Kolonialismus, Rassismus und ka-

tholische Bigotterie werden im Vorbeige-

hen auch noch abgehandelt, doch die

Heerschau verwesender menschlicher

und tierischer Kadaver, in verschiedenen

dekorativen Anordnungen an Bäume ge-

nagelt oder wie Stelen aus der Erde ra-

gend, oder das über Unmengen Kunst-

blut, Sabber und Rotz fiebertaumelnde

Innenleben eines Feldhospitals bringen

ihm die besten Bilder: geräuschlos drein-

brüllende Videosequenzen von Zerstü-

ckelung und Sterben, deren grausig öder,

entindividualisierter Reigen einen glot-

zenden und im ganz Tiefen womöglich

auch still amüsierten Voyeurismus einfor-

dert: Schau da, so schlimm kann der

Mensch mit seinesgleichen umgehen.

Ja, er kann. Nur war das nicht Verdis

Stoff, der selbst das finale Duell zwi-

schen Alvaro und Carlo hinter der Szene

stattfinden lässt. Ihm ging es nicht um

die körperliche, sondern die seelische Be-

schädigung und Traumatisierung des

Einzelnen in Zeiten von Krieg, rassisti-

scher Arroganz und verrotteter Ehrbe-

griffe, von denen keiner der Akteure un-

berührt bleibt. Castorfs Inszenierung je-

doch mit ihrem arteigenen Geflimmer,

Geflacker und Geschlacker, dem schat-

tenhaft elastischen Umhergleiten der

Live-Kameraleute vor und hinter den Ku-

lissen (Aleksandar Denić hat dafür

zweckdienlich attraktive Gerüsthöhlen

irgendwo zwischen Italowestern und

Neoverismo gebaut) und ihrem selbstge-

fälligen Spiel der Metaebenen und Ver-

weise kümmert sich nicht um das Indivi-

duum. Die Protagonisten werden wie Co-

micfiguren mit wenigen Strichen in den

Raum gestellt, Entwicklungen bleiben

trotz einer sich über Jahre dehnenden

Handlungszeit Fehlanzeige. So kann ein-

zig Verdis leidenschaftsglühende Musik

als Orientierung dienen – und wenn

man Gutes über diese Inszenierung sa-

gen wollte, dann vielleicht, dass sie zwar

meist nur neben den Klängen herläuft

und oft genug von ihnen ablenkt, doch

sie mit ihren rechtschaffen ideenlosen,

aber bequem rampenparallelen Arrange-

ments auch nicht wirklich behindert.

Mochte an diesem Abend jeder selbst se-

hen, wie er aus diesem in einen Splatter-

film hineingerutschten kostümierten

Konzert heil herauskam.

Am unbefangensten gelang das Mar-

kus Brück, der seinem Carlo kernig

scharfe, ja brutale Akzente, eine hinter-

gründige, manchmal auch ins gefährlich

Leise zurückgenommene Präsenz ständi-

ger Bedrohung und einen tiefen Zynis-

mus der Welt- wie Selbstverachtung ver-

lieh, die diese Gestalt zur interessantes-

ten des Abends machte. Hingegen hatten

María José Siris Leonora und der Alvaro

von Russell Thomas, beide mit gut füllen-

den Stimmen gesegnet, nicht die Souve-

ränität, der Übermacht optischer Zumu-

tungen wenigstens differenzierte vokale

Charakterbilder entgegenzustellen. Bei-

de flüchteten in eine angespannte Dauer-

forcierung, die einzelne beeindruckende

Höhepunkte, aber kaum Schattierungen

brachte. Marko Mimicas Guardian berei-

cherte die Klosterszene neben dem obli-

gatorischen Getätschel und Gefingere

quer durch die Geschlechter um einen

ungewohnten Ton ruhig ausstrahlender

Würde, während Agunda Kulaevas Pre-

ziosilla zu wenig die latente Aggressivi-

tät dieser gleichzeitig getriebenen wie

antreibenden Kriegs-Geschäftemache-

rin verkörperte und damit zum bloßen

Dekorationsstück verblasste. Jordi Ber-

nàcer führte das Orchester und den

stimmstarken Chor mit konzentrierter

Aufmerksamkeit, blieb jedoch in der

Farbgebung meist grobkörnig-mono-

chrom.

So rettete auch die Musik nicht allzu

viel für diesen Abend selbstreferentiel-

ler intellektueller Onanie, deren große

Ambitionen wieder einmal nur bis zum

häuslichen Bettvorleger und zum Be-

schwören eigener Bedeutsamkeit reich-

ten. Verdis Stoff und Musik waren dafür

nicht mehr als auswechselbare Vehikel.

Ein goldbronzenes Jüngelchen im pail-

lettierten String etwa, wie es – halb

schnuckeliges Lustobjekt, halb Walter

Benjamins ohnmächtig-zukunftsblinder

Engel der Geschichte – an diesem

Abend öfter durch die Szene vagierte,

könnte zwischen Monteverdi und Mes-

siaen so ziemlich überall Verwendung

finden. Dass es dann zudem noch,

schlecht, aber mit Emphase, Heiner Mül-

ler rezitieren musste, durfte freilich

schon als deutliches Markenzeichen gel-

ten, und bei der zweiten derartigen Ein-

lage à la Castorf (Englisch diesmal, viel-

leicht, um neben der literarischen auch

noch die gepflegte multisprachliche Bil-

dung des Inszenators auszuweisen) spiel-

ten Teile des Publikums nicht mehr mit:

Sie buhten und klatschten das ungebete-

ne Exerzitium nach einigen erfrischen-

den basisdemokratischen Disputen herz-

haft in die Kulissen. Nicht nett gegen-

über den Akteuren; doch der alte Skepti-

ker und Sarkast Verdi, der allzu gut um

die Manipulierbarkeit des Menschen

durch allerlei Gurus wusste und das Sei-

ne versuchte, uns davon zu emanzipie-

ren, hätte womöglich sein Vergnügen ge-

habt. GERALD FELBER

Nein, zur Uraufführung von „Serotonin“

ist Michel Houellebecq nicht ins Schau-

spielhaus Hamburg gekommen, jeden-

falls verbeugte er sich nicht beim

Schlussapplaus. Wirklich erwartet hat

das wohl niemand, der französische Au-

tor gilt als scheu und kapriziös, bloß bei

ihm weiß man ja nie. Schließlich wurde

ihm hier mit Karin Beiers Inszenierung

seines Romans „Unterwerfung“ im Fe-

bruar 2016 ein großer Erfolg zuteil

(F.A.Z. vom 8. Februar 2016). Nun wid-

met sich der Regisseur Falk Richter Hou-

ellebecqs neuem, zu Jahresbeginn veröf-

fentlichten Roman „Serotonin“. Die

Hauptfigur darin ist der französische

Agraringenieur Labrouste, 46 Jahre alt

und Kettenraucher. Er fährt einen Die-

sel-Geländewagen, boykottiert die Müll-

trennung in seinem Wohnblock und re-

duziert die Frauen auf ihr primäres Ge-

schlechtsteil.

Falk Richter macht aus ihm einen Jeder-

mann, den Jan-Peter Kampwirth, Carlo

Ljubek, Tilman Strauß und Samuel Weiss

gemeinsam darstellen, und außerdem,

wenn es besonders dreist und frauenfeind-

lich wird, auch Sandra Gerling und Josefi-

ne Israel. Es ist ein kollektiver Untergang,

den Houellebecq zelebriert und den Rich-

ter freudig und inspiriert ausmalt. Lange

wird die Bühne nur von sechs im rechten

Winkel zueinander aufgestellten Wänden

bestimmt, die an aufgeklappte Bücher er-

innern (Bühnenbild: Katrin Hoffmann).

Darauf werden in enger Nähe zum Roman

aufwendige, treffende, oft amüsante Vi-

deofilme von Sébastien Dupouey proji-

ziert. Ebenso sind einige Szenen der Insze-

nierung ziemlich komisch. Richter zeigt

Houellebecq als temporären Satiriker, ja

Karikaturisten, der den eigenen Weltekel

wie den seiner Protagonisten nicht immer

ganz ernst nimmt – etwa, wenn die Män-

ner im Chor an der Rampe schildern, wie

Labrouste an einer Tankstelle zwei jungen

Frauen hilft, den Reifendruck ihres Autos

zu prüfen. Da werfen sie sich testosteron-

gestählt ins Zeug und trommeln sich fast

wie Primaten an die Brust.

Obwohl von Falk Richter regiemäßig

meist in die hohe Schule der Deklamation

gezwungen, ist das grandiose sechsköpfi-

ge Ensemble mit schrankenloser Hingabe

am Werk. Zwar gibt es lange erzähleri-

sche Passagen und Monologe, was dem

Begriff des epischen Theaters eine überra-

schend neue Bedeutung verleiht: als refe-

rierendes Außen-vor-Theater. Gewiss mit

Absicht, aber auch, weil diese Art von Re-

gie gar nichts anderes erlaubt, verbleiben

alle Figuren im szenischen Ungefähren.

Sie sind Wort, jedoch zu selten Fleisch,

und rhetorische Behauptung ohne thea-

trale Genese. Mit spürbarem Respekt um-

schwärmt Richter den Roman, richtig zu

fassen kriegt er ihn freilich kaum. Trotz-

dem ist der knapp dreistündige Abend

durch die literarische Wucht der Vorlage

und die ästhetische Stringenz, mit der er

sie illustriert, fesselnd, eindringlich und

schön.

Denn weder distanziert er sich von La-

brouste mit seiner toxischen Männlich-

keit, noch entschuldigt er ihn als Opfer

der Zeitläufe. Dank des brillant-artisti-

schen Ensembles erscheinen er und alle

anderen, egal ob Frau oder Mann, mal als

böse Widerlinge, mal als arme Würst-

chen, mal als zerrüttete Zerstörer. Über-

zeugend entsteht der Archetypus des wei-

ßen, alten, heterosexuellen Mannes, der

in seiner Existenzkrise die Krise der west-

lichen Zivilisation vermittelt.

Natürlich ist das vermessen – ganz

falsch ist es nicht. Labrouste schluckt Ta-

bletten gegen seine Depressionen, die ihn

impotent und fett machen. Am Schluss

bringt er sich um, verzweifelt und verein-

samt in seiner „Nacht ohne Ende“. Falk

Richter hat dem als Regisseur nichts hin-

zuzufügen, keine kritischen Einwände

und keine aktuellen „Gelbwesten“, ob-

wohl eine Art Bauernaufstand gegen die

Milchpreis-Vorschriften der EU ausbricht

und mit elf Toten endet. Im Zeitalter der

sämtliche Bühnen dominierenden Ro-

manadaptionen findet er so zu einer

kunstvoll ausgestalteten Form von Werk-

treue, mit der ihm eine intelligente, leicht-

händig-plastische Inszenierung gelingt.

Wie ein Vorläufer dieses lebensüber-

drüssigen Egomanen wirkt der namenlo-

se Erzähler in Houellebecqs gefeiertem

Debütroman „Ausweitung der Kampfzo-

ne“ von 1994. Auch dieser einsame Pro-

grammierer von Anfang dreißig raucht

wie ein Schlot, ist depressiv, verachtet

Gott und die Welt und begeht vermutlich

Selbstmord. Wie man seine Geschichte

oder überhaupt ein Buch von Houelle-

becq allerdings niemals auf die Bühne

bringen sollte, zeigt in den Kammerspie-

len des Deutschen Theaters Berlin der Re-

gisseur Ivan Panteleev. Er zerrupft das Ge-

schehen in viele kleine, völlig beliebige

Szenen und lässt das fünfköpfige Ensem-

ble im Leerlauf überhitzt durchdrehen.

Das Bühnenbild von Michael Graess-

ner ist mit lose verteilten, bizarren Requi-

siten überfüllt, angefangen bei einem

Laufband, auf dem Kathleen Morgeneyer

hysterisch lachend dahinrennt, über eine

Duschkabine mit fließend Wasser bis zu

einem Küchenblock, an dem Samuel Fin-

zi mit blankem Hinterteil Fleisch brät

und Salat schleudert. Marcel Kohler

putzt sich anfangs erst einmal die Zähne,

Lisa Hrdina kostümiert sich später als

wandelnde Mikrowelle. Die Schauspieler

werden sich in kurzen Abständen immer

wieder umkleiden und lange Monologe

in den Saal abschnurren respektive brül-

len, denn aus unerfindlichen Gründen

wird, wie um sie akustisch zu torpedie-

ren, des Öfteren laute Tanzmusik ange-

worfen.

Alle spielen abwechselnd den Erzähler

und die anderen Personen, ohne dass ei-

gentlich klar wird, was los ist und was sie

umtreibt. Irgendwann setzt sich Kohler

zu allem Überfluss noch einen überdi-

mensionalen Pappmaché-Kopf auf, der

Houellebecq nachgebildet ist, was die Sa-

che nicht besser macht, sondern erst

recht die Hilflosigkeit von Panteleevs In-

szenierung hervorhebt. Die albern aufge-

drehte Spielweise hat mit dem eisig sezie-

renden Stil der Vorlage nichts gemein,

der Berliner Abend verfehlt den Roman

auf unschönste Weise: In diese Kampfzo-

ne kommt man eben nicht zum theatra-

len Nulltarif. IRENE BAZINGER

Heut gibt’s wieder Schlachteplatte

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Der Engel der Geschichte findet auf Castorfs Bühne zwischen Lustobjekt und Heiner-Müller-Rezitation vielfältig Verwendung. Foto Thomas Aurin

Auflagen

Zur jüngsten Empfehlung

der Limbach-Kommission

Balzszenen an der Testosteron-Tankstelle

Houellebecq auf der Bühne: Falk Richter glänzt mit „Serotonin“ in Hamburg, Ivan Panteleevs „Ausweitung der Kampfzone“ scheitert in Berlin

Samuel Finzi in „Ausweitung der Kampfzone“ am Deutschen Theater Foto Arno Declair

So schlimm kann der

Mensch mit seines-

gleichen umgehen:

Frank Castorfs

Inszenierung von Verdis

„Forza del destino“

an der Deutschen Oper

in Berlin schwelgt in

Blut, Rotz und Tränen.