Süddeutsche Zeitung - 13.08.2019

Treppab in den Keller, treppauf in die Man- sarde– beim Berliner Festival „Tanz im Au- gust“ kommen körperliche und kulturelle Strapazen zusammen. Zum Opening der

Ausgabe stapfte man erst einmal ins
dritte Untergeschoss der Akademie der
Künste am Pariser Platz, dann in die Dache-
tage des Theaters Hebbel am Ufer, wo des-
sen kleinste Spielstätte residiert. Dazwi-
schen lockten zwei Verschnaufpausen zu
ebener Erde samt Gelegenheit zur Begut-
achtung allerneuester Performancebla-
sen.
Maue Bilanz der Anstrengung: Am gan-
zen Eröffnungswochenende vermochte
nur eine einzige Premiere zu überzeugen,
weitab vom Kreuzberger Festivalzentrum
in Sankt Elisabeth angesetzt, einem ehema-
ligen Kirchenraum in Berlin-Mitte. Das me-
ditative Ambiente fördert offenbar kreati-
ve Konzentration, während die übrigen
Auftaktproduktionen abschmierten, ganz
egal, ob sie von der betagten US-Pionierin
Deborah Hay oder von vergleichsweise jun-
gen Choreografen stammten. Unabhängig
von Geschlecht und Alter der Urheber lässt
sich festhalten: Die aufmüpfige Avantgar-
de von gestern ist heute ein Fall für den
Staubwedel. Ihr Verfall kann allerdings
durchaus interessante Einsichten besche-
ren.
Das Paradebeispiel lieferte Deborah
Hay, beinahe achtzigjährige Vordenkerin
des Postmodern Dance und Mittelpunkt ei-
ner „RE-Perspective“ genannten Werk-
schau, die das Festival ausrichtet. Hay hat
ab den Sechzigerjahren einen Perspektiv-
wechsel angestoßen. Sie musterte choreo-
grafische Schablonen aus und ermunterte
Tänzer, ihre eigene Wahrnehmung als
Werkzeug einzusetzen. Der Ansatz hat die
zeitgenössische Ästhetik über Jahre hin-
weg mit überraschenden Twists berei-
chert. Aus und vorbei, so der ernüchternde
Eindruck, den Hays Installation „Percepti-
on unfolds“ im Basement der Akademie
hinterlässt: vier Leinwände, vier Akteurin-
nen, vier Mal solipsistisches Zittern, Zau-
dern, Zagen – ein prätentiöser Leerlauf.

Härter noch fällt der Absturz aus, den Hays Uraufführung „Animals on the Beach“ im Haupthaus des Hebbel am Ufer hinlegt. Dabei spannt die Choreografin ein Solo davor, das den spielerischen Zauber ihrer Kunst begreiflich macht. Wenn die weißhaarige Lady höchstpersönlich „my choreographed body... revisited“ ausstellt, elegant über die Bühne trippelt und traver- siert, die Stirn in Furchen legt, die Augen rollt, dann spricht jede Faser ihres Kör- pers. Dagegen kriegen die fünf Strandläu- fer, die unmittelbar anschließend auftau- chen, keinen eigenen Ton zustande. Das Quintett ergeht sich in bedeutungs- schwangerem Gefuchtel, einer sklerotisier- ten Variante Hay’scher Vitalität. Statt origi- nellen Ideen wird artifiziellen Manieris- men gehuldigt. Das Scheitern ist trotzdem aufschluss- reich, weil es eine Sackgasse des zeitgenös- sischen Tanzes illuminiert: Bewegungsfor- schung hat auf der Bühne nichts mehr zu suchen. Profis dabei zuzuschauen, wie sie sämtliches Können auf Null stellen, um ihr methodisches System zu resetten, mag als pädagogische Studiolektion taugen. Live entfaltet diese Wartungsarbeit nur ein- schläfernde Wirkung. Bestenfalls fällt noch ein Quäntchen historische Erkennt- nis ab, so zumindest bei „Animals on the Beach“. Hays Absage an choreografisches Design offenbart sich als Kehrseite und Komplement jener balletösen Neoklassik, deren Hochphase zeitlich damit zusam- menfällt. Zudem fordert der Titel den Ver- gleich mit Merce Cunninghams „Beach Birds“ heraus, einer Choreografie, die Hays Mentor 1991 herausbrachte. Dank

zeitloser Attraktivität und technischer Er- dung ist Cunninghams Opus fürs Überle- ben weitaus besser gewappnet als das fau- nische Strandspektakel, made in Berlin. Reichlich retroselig geriert sich auch Ni- cola Gunns „Piece for Person and Getto- blaster“. Der Auftritt erinnert an boulevar- deske Hau-Drauf-Dramaturgien, bestens bekannt aus allerlei Fernsehformaten und heute noch von der „ZDF-Heute-Show“ lie- bevoll kultiviert. Statt Politik hat die Perfor- merin allerdings Kunst auf dem Kieker, na- mentlich Events der Kollegin Marina Abramović und ähnlicher Kaliber. Im Hitze- stau unter dem Hebbel-Dach turnt die Aus- tralierin eineinhalb Stunden lang durch ein Pilates-Aerobic-Zumba-Programm – und quasselt dabei auch noch ununterbro- chen. Was kardiokonditionell bewunderns- wert ist, künstlerisch eher weniger. Glei- ches gilt für Catherine Gaudets „The Fa- ding of the Marvelous“, das fünf Unterho- senträger (m/w/d) durch Technobeats treibt, die sie mit Voguing, Walzer, kindli- chem Trotz und ganz viel Slowmotion deko- rieren. Womit sich die gefühlte Spielzeit verdreifacht.

Ganz anders das Zeitgefühl bei Eszter Sa- lamons „Monument 0.7: M/others“ im Kir- chengeviert von St. Elisabeth. Fast 100 Mi- nuten dauert das Duo, ohne je zu ermüden. Salamon hat ihre Mutter um einen öffentli- chen Körperdialog gebeten: ein Kammer- spiel, das Symbiose und Ablösung dekli- niert. Drei mal drei Meter misst die weiß be- spannte Spielfläche, auf der sich Mutter und Tochter begegnen. Zunächst ohne Sichtkontakt, hocken sie Rücken an Schul- ter beieinander. Bis sie in einen Bewe- gungsfluss hineingleiten und zu einem Or- ganismus verschmelzen: Sohle an Sohle, Stirn an Stirn, Kopf im Schoß des Gegen- übers, das Gesicht an seiner Schulter gebor- gen. Unter der Oberfläche dieses harmoni- schen Wellenspiels findet ein feines Kräfte- messen statt, ein Austarieren von Macht, eine Grenzziehung zwischen Ich und Du. Der Fuß, der mit provozierender Langsam- keit ins Gesicht der Tochter wandert, deren Faust wiederum das Knie der Mutter blockiert – Salamon findet ungemein be- redte Bilder für das Beziehungsgeflecht. Das ringsum am Boden verteilte Publikum betrachtet sie in atemloser Stille. Beobach- tet das wechselseitige Tasten nach Schutz, Geborgenheit und Vertrauen, das jenseits aller Zerwürfnisse wiederkehrt. Die Intimi- tät dieser Vorgänge ist beklemmend und befreiend zugleich. Sie lässt diesen kleinen Abend über sich selbst hinauswachsen, zu großer Kunst. dorion weickmann

von isabel pfaff

F

redi M. Murer grinst ins Treppen- haus hinunter. „77 Stufen, schaffen Sie das?“ Der Schweizer Filmema- cher empfängt auf Strümpfen, ein kleiner, alter Mann mit buschigen Augenbrauen und sanfter Stimme. 77 Stufen: Murer mag es genau. Als er durch seine verwinkelte Atelierwohnung in der Zürcher Altstadt führt, nennt er Baujahre, erzählt von den Nonnen, die hier einst schliefen, holt sogar ein Modell der Wohnung hervor, das er selbst gebaut hat. Er zeigt auf die Ecken. „Hier gibt es gar keine rechten Winkel.“ Mehr noch als Genauigkeit liebt Fredi Murer das Abweichen. Vielleicht, weil es den Künstler Murer sonst nicht gäbe. Der Filmemacher setzt sich an seinen kleinen Küchentisch, draußen wärmt die Augustsonne den begrünten Balkon. Er verbringt viel Zeit in dieser Wohnung, sich- tet sein Archiv, digitalisiert seine Filme. Er betrachtet sich als Regisseur im Ruhe- stand, sein 2014 veröffentlichter Film „Lie- be und Zufall“ sollte der letzte sein. Ins Ki- no geht er nicht mehr, auch nicht auf Festi- vals. Er habe „eine Überdosis Film“ in seinem Leben gehabt, sagt er. In ein paar Tagen wird Murer aber eine Ausnahme machen. Das Filmfestival Locar- no ehrt ihn am 15. August mit dem Pardo al- la carriera, dem Preis für sein Lebenswerk. Als „Schlüsselfigur des unabhängigen Schweizer und internationalen Films“, als „freien und visionären Künstler“, der das schweizerische Filmschaffen geprägt habe, bezeichnen ihn die Festivalmacher. Murer lächelt vorsichtig. „Das freut mich schon“, sagt er schließlich. Und erzählt von seinen Weggefährten, von Markus Im- hoof, Alain Tanner, Xavier Koller, Yves Yer- sin: einer Generation von autodidakti- schen Filmemachern, die das Schweizer Ki- no in den Siebzigern zu erneuern began- nen, die brechen wollten mit dem Klischee vom intakten Käse-, Schokolade- und Hei- diland. Murer will den Preis dieser Genera- tion widmen. „Wir haben sozusagen Filme aus dem Nichts gemacht.“

Filme aus dem Nichts – vor allem aber quer durch die Genres, ohne Rücksicht auf Normen. Murers Werk umfasst experimen- telle Kurzfilme, Spielfilme, Dokumentarfil- me, sogar Science-Fiction. In ihrer Vielfalt haben seine Filme etwas Anarchisches, und auch seine Figuren, fiktional oder nicht, eint ihr Wille, sich aufzulehnen oder aus ihren Welten zu fliehen. Immer wieder spürt Murer diesen Ausreißern nach – wahrscheinlich, weil er selbst einer ist. 1940 als jüngstes von sechs Kindern im Kanton Nidwalden geboren und in Uri auf- gewachsen, stammt Murer aus jenem starr- köpfigen, konservativen Herzen der

Schweiz, das als Keimzelle der Eidgenos- senschaft gilt. Als Kind hat er schwere Le- gasthenie, doch die Geistlichen, die da- mals in den Urner Schulen herrschen, haben keine Ahnung von dieser angeborenen Störung. Murers Diktate und Aufsätze kommen als „rote Schlachtfelder“ zurück, er muss auf Holzscheiten knien, verbringt unzählige Nachmittage mit Strafarbeiten. Dass er Handorgel spielt und wunderbar zeichnet, interessiert seine Lehrer nicht. Bis zum Ende erlebt Murer die Schulzeit als eine Ansammlung von Kränkungen und Missverständnissen. Zur Rettung wird ihm sein Elternhaus, ein weltoffener Hand- werkerhaushalt.

Murers Vater ist ein schweigsamer Schreiner, der mehrere Jahre in Nord- und Südamerika verbracht hat und schließlich in die Schweiz zurückgekehrt ist, seine Mutter eine Schneiderin, die ihm nicht nur einbläut, niemals ein Angestellter zu werden, sondern sich auch an Sonntagen die Freiheit nimmt, den ganzen Tag zu lesen. Beide sind Freigeister in einem sonst ka- tholisch und autoritär geprägten Milieu. Sie verstehen, dass ihr Sohn dieser Welt entfliehen muss. Mit 17 Jahren zieht Murer nach Zürich. Er macht eine Ausbildung an der Kunstgewerbeschule, zunächst im Fach wissenschaftliches Zeichnen, dann wechselt er zur Fotografie. Er findet Gleich- gesinnte, beginnt mit dem Filmen. Die frü- hen Werke sind experimentell, Murer dreht kurze Stummfilme oder surreale Künstlerporträts. Für „Vision of a blind man“ (1968) filmt er einen Tag lang mit ver- bundenen Augen. Heftiger könnte der Kontrast zu seiner Herkunft in diesen Jahren kaum sein. Und doch sagt Murer heute: „Die frühe Kind- heit ist viel prägender als man es wahrha- ben möchte.“ Er führt seine anarchischen Arbeiten auf genau jenen Zorn zurück, den die Urner Lehrer mit ihren Demütigungen in ihm entfacht haben: ein Zorn auf Schule, Obrigkeit, und, ja, auch auf die offizielle Schweiz. Er kehrt seinem Land in den Jah- ren darauf oft den Rücken; frustriert von dem Unverständnis, das ihm entgegen- schlägt, verbringt er Zeit in Frankreich, England, den USA. Doch Fredi Murer ist nicht nur ein Aus- reißer, er ist auch ein Rückkehrer. Wie ein Fremder, der aber die Sprache der Einhei- mischen spricht, nähert er sich in den Sieb- zigern seiner innerschweizerischen Hei- mat wieder an – und setzt ihr ein unsenti- mentales und doch poetisches Denkmal.

Als er für ein Filmprojekt über Urner Sa- gen recherchiert, stellt er fest, dass die Sa- genwelt in dem Bergkanton kaum noch eine Rolle spielt. Er dreht schließlich einen Dokumentarfilm über die traditionelle Landwirtschaft in Uri und die beginnende Industrialisierung, die die alten Lebensmo- delle verdrängt. In schlichten Bildern ohne Spielereien erzählt „Wir Bergler in den Ber- gen sind eigentlich nicht schuld, dass wir da sind“ (1974) die Geschichte einer Bergbe- völkerung im Wandel. In ähnlicher Einfach- heit dokumentiert Murer gut 15 Jahre spä- ter den Kampf einer Gemeinde im Kanton Nidwalden gegen ein geplantes Atomendla- ger. „Der grüne Berg“ (1990) ist angelegt als eine „Landsgemeinde“, also als filmi- sche Form der traditionellen schweizeri- schen Meinungsbildung. Sicherlich der Höhepunkt seines Schaf- fens ist „Höhenfeuer“ (1985), eine wortkar- ge Liebesgeschichte zwischen einem gehör- losen Jungen und seiner Schwester, die iso- liert auf dem elterlichen Hof in den Urner Bergen aufwachsen und letztlich diese Iso- lation aufbrechen. Ähnlich wie in den bei- den Dokumentarfilmen achtet Murer auch bei „Höhenfeuer“ auf fast schon ethnogra- fische Genauigkeit. Mit seinem Kamera- mann Pio Corradi gelingt ihm so ein fein- sinniges Meisterwerk, das 1985 in Locarno mit dem Goldenen Leoparden ausgezeich- net wird. Noch 2014 wählen ihn die Mitglie- der der Schweizer Filmakademie zum bes- ten Schweizer Film aller Zeiten. An dem Zürcher Küchentisch zeigt Murer sein „Hö- henfeuer“-Drehbuch. Der Ordner enthält nur wenige Textseiten, dafür ein umfang- reiches Storyboard. Stills der später ge- drehten Szenen kleben neben Murers Zeichnungen: Sie sind fast identisch. „Poe- sie hat viel mit Genauigkeit zu tun“, sagt er. Ein Zitat des Schweizer Schriftstellers Ro- bert Walser, aber auch seines eigenen Va- ters, eines „genialen Handwerkers“.

Seine Herkunft sollte Fredi Murer nicht mehr loslassen. Sein Abschiedsfilm „Liebe und Zufall“ (2014) ist eine Hommage an seine Eltern, und auch in „Vitus“ (2006), der Geschichte über einen hochbegabten Jun- gen, wimmelt es von Spuren seiner Kind- heit: Vitus’ Großvater ist Schreiner und gibt seinem Enkel Weisheiten mit, die Murer von seinem Vater erhalten hat. Und Vitus darf im Film Dinge tun, von denen der kleine Fredi Murer immer geträumt hat: Klavierspielen oder an der Börse wahn- sinnig viel Geld verdienen. Wenn Murer nun noch einmal nach Lo- carno zurückkehrt, tut er es als sehr schwei- zerischer Filmemacher, als „local hero“, wie er mit einem Zwinkern sagt, der der Welt die entlegensten Winkel dieses Lan- des gezeigt und erklärt hat. Er hat damit seinen Frieden gemacht.

In Griechenland sind zwei intakte Grab- stätten ausdem zweiten Jahrtausend vor Christus entdeckt worden. Die voll- ständig erhaltenen Grabkammern hät- ten die Gebeine von 14 Personen enthal- ten und seien nahe der Stadt Nemea im Süden des Landes ausgegraben worden, teilte das Kulturministerium mit. Ver- mutlich seien sie zwischen 1400 und 1200 vor Christus aus anderen Gräbern dorthin umgebettet worden. Unweit des Fundortes, auf dem sogenannten Aido- nia-Gräberfeld, wurden seit den Siebzi- gerjahren zahlreiche Gräber gefunden, die geplündert waren. Immerhin wurde noch Schmuck entdeckt. Bei einer Aukti- on in New York tauchte 1993 weiterer antiker Schmuck auf, der ebenfalls aus Aidonia stammte. Er wurde an Griechen- land zurückgegeben. ap

Nach den Massakern in El Paso und Dayton ist die Veröffentlichung eines Films mit Schauspielerin Hilary Swank vom Studio gestoppt worden. „Wir verstehen, dass jetzt nicht der richtige Zeitpunkt ist, um diesen Film zu veröf- fentlichen“, teilte Universal mit. „The Hunt“ ist als satirischer Thriller angelegt und sollte im September starten. Darin jagen Menschen andere Leute zum Spaß. US-Präsident Donald Trump schien „The Hunt“ am Freitag auf Twit- ter zu kritisieren, ohne den Titel zu nennen. Trump sagte, der Film würde Chaos schüren und Gewalt provozieren. Der Präsident hatte mit seiner Rhetorik zuletzt Rassismusvorwürfe auf sich gezogen und steht nach den Massakern selbst in der Kritik. dpa

Dann gibt es doch noch

große Kunst: Eszter Salamons

Körperdialog mit ihrer Mutter

Bei den Verhandlungen des Bundes sowie der Länder Berlin und Branden- burg mit den Hohenzollern ist nach Ansicht der Brandenburger Landesre- gierung keine Einigung absehbar. „Zur- zeit liegen die Verhandlungspositionen immer noch sehr weit auseinander“, erklärte Kulturministerin Martina Münch (SPD) in der Antwort auf eine Anfrage aus der CDU im Landtag. Das Haus Hohenzollern fordert die Rückga-

be von Kunstgegenständen, ein Wohn- recht in Schloss Cecilienhof, Schloss Lindstedt oder der Villa Liegnitz in Pots- dam sowie 1,2 Millionen Euro Entschädi- gung vom Land Brandenburg. Ende Juli wurden die Verhandlungen ergebnislos vertagt. Bei den Gesprächen geht es der Landesregierung zufolge um Kunst- und Sammlungsgegenstände, die sich unter anderem bei der Stiftung Preußi- scher Kulturbesitz befinden. Die Lan- desregierung will den umfassenden Zugang zu den Kunstwerken auch künf- tig gewährleisten. dpa

Poesie hat viel mit Genauigkeit

zu tun

1940 wird Fredi M. Murer im Kanton Nidwalden geboren. In Uri wächst er auf, inmitten der Schweiz- klischees. Er hat seinen Frieden mit dem Land gemacht. FOTO: PICTURE ALLIANCE / KEYSTONE Szene aus „Animals on the Beach“, dem neuen Stück der fast 80-jährigen US-Pio- nierin Deborah Hay. FOTO: CAMILLE BLAKE

Jenseits von Heidi

Chronisteiner anderen Schweiz: Das Filmfestival Locarno ehrt den

Regisseur Fredi M. Murer für sein Lebenswerk. Ein Besuch

Vermutlich wurde kaum eine Band so

bedingungslos geliebt wie dieBeatles.

Nur so ist zu erklären, mit welch eifer-

süchtiger Geringschätzung Fans jene

Frauen bedachten, die es wagten, einen

der Fab Four zu heiraten. Yoko Ono

wirft man bis heute vor, die Beatles auf

dem Gewissen zu haben. AuchLinda

McCartney, geborene Eastman, Toch-

ter aus gutem Hause und anerkannte

Fotografin, wurde überkritisch beäugt,

nachdem sie als Keyboarderin und Sän-

gerin bei denWingseingestiegen war.

Was wäre die nur ohne Paul? Es kursier-

ten Live-Bootlegs mit ihrer isolierten

Gesangsspur, um zu beweisen, wie

limitiert ihre Stimme sei. Als 1998, kurz

nach ihrem frühen Tod, ihr erstes und

einziges Soloalbum „Wide Prairie“ her-

auskam, war die Kritik einhellig: Ihr

Gesinge, befand zum Beispiel derGuar-

dian,sei besser im Badezimmer aufge-

hoben. Nun wurde das Album neu auf

Vinyl aufgelegt. In den 16 Titeln, aufge-

nommen zwischen 1972 und 1998,

kommt man einer Frau näher, die sich

trotz aller öffentlichen Missbilligung

eine ansteckende Unbekümmertheit

bewahrt hat. Deren Vielseitigkeit er-

staunt. Sie covert alte Fifties-Klassiker

(„Poison Ivy“), schunkelt zum Reggae-

Beat von Lee Scratch Perry („Sugarti-

me“), streift Glamrock und Country und

teilt gegen ihre Kritiker aus: „You say

I’m simple / You say I’m a hick / You’re

fucking no one / You stupid dick“. Was ihr ein Warneti- kett für anstößige Sprache auf ihrem Album einbrachte. Recht hatte sie trotzdem.

Als sich der amerikanische Philosoph

Henry David Thoreau 1845 für zwei

Jahre in eine einsame Hütte am Walden

Pond, Massachusetts, begab, um im

Einklang mit der Natur das wahre Le-

ben zu finden, prägte er unwissentlich

einen Topos, der später in der America-

na-Musik stilbildend werden sollte: der

Rückzug des desillusionierten Song-

schreibers in die Einsamkeit, auf dass

er hernach geläutert mit neuem Feuer

zu Werke schreite. Was Bob Dylan ein

Haus in Woodstock war, wo 1967 die

„Basement Tapes“ entstanden, das war

für Jim James, Sänger und Gitarrist der

BandMy Morning Jacket, eine alte

Farm in Shelbyville, Kentucky. Sie dien-

te 1999 als Aufnahmestudio für „The

Tennessee Fire“, das fulminante Debüt-

album der Band. Jetzt liegt es in einer

Jubiläums-Version (Dreifach-Vinyl) vor.

Lange, bevor dieFleet Foxesin jenseiti-

gen Folk-Chorälen schwelgten, öffnete

James einen Hallraum, der Vergangen-

heitsbeschwörung und Seelenerkun-

dung zugleich war. Seine Songs, die mal

an alte Hillbilly-Weisen gemahnen, mal

an scheppernden Country-Rock, wirken

dabei kein bisschen gestrig, da sie sehr

zeitlos eine sehr alte Frage umkreisen,

die die Sinnsuchenden der Welt seit je

umtreibt: Wo gehöre ich hin, wo ist

mein Platz? Seinen sirenengleichen

Gesang ließ James dafür eigens in ei-

nem leeren Getreidesilo aufnehmen

und legte über alles so viel Hall, dass

man beim Hören glaubt, in einer Kathe-

drale zu stehen. Man muss schon ein

Herz aus Stein haben, um davon nicht

berührt zu werden. Auf ihren späteren

Alben erweiterten My Morning Jacket

ihr Repertoire in Richtung Psychede- lia, Dub und Experi- mentelles und fes- tigten ihren Ruf als einer der originells- ten Rockbands ihrer Generation.

Robert Sheff alias„Blue“ Gene Tyran-

nywird kaum jemandem ein Begriff

sein, dabei hat sich der Texaner als

Pianist, Arrangeur und Komponist Neu-

er Musik durchaus einen Namen ge-

macht, hat mit Laurie Anderson, John

Cage und der Jazzpianistin Carla Bley

zusammengearbeitet, einmal hat er fast

einen Grammy gewonnen. 1973 sprang

er sogar kurzzeitig als Live-Pianist bei

Iggy & The Stoogesein. Der Mann konn-
te nicht nur E, sondern auch U. Was er

fünf Jahre später eindrucksvoll auf

seinem jetzt wiederveröffentlichten

Debüt „Out Of The Blue“ unter Beweis

stellte, einem der wundersamsten Al-

ben der Siebzigerjahre. Sheffs Idee war,

ein Pop-Album aufzunehmen mit den

Mitteln der Avantgarde. Dazu schrieb er

einen Zyklus aus vier Stücken, die sich

Genrezuordnungen widersetzen. „Next

Time Might Be Your Time“ mag als

Folkballade daherkommen, wären da

nicht die Synthesizerakkorde, die unvor-

hersehbaren Melodiewechsel und das

Steely-Dan-mäßige Saxofon. Das Instru-

mental „For David K.“ ist komplexe

Groove-Kunst ohne anstrengende Solo-

Angebereien. Die Piano-Komposition

„Leading A Double Life“ für zwei So-

pranstimmen wiederum verbindet

Elemente des Gospel mit neuer Kam-

mermusik. Vollkommen ins Driften

gerät das Album bei „A Letter From

Home“, einem 25-minütigen Tonge-

dicht mit zwei Erzählstimmen, die sich

mit auf- und abtauchenden Melodien

und wiederkehrenden Gesangsmotiven

verbinden, ganz so, als drehe jemand

langsam am Sender- knopf eines Radios. Auf einem Fre- quenzband, das nicht von dieser Welt scheint. thomas bärnthaler

Her mit

dem Staubwedel

Fader Auftakt des Berliner Festivals „Tanz im August“

In der Schule muss er auf

Holzscheiten knien

Die Tanzveteranin Deborah Hay

zeigt die Uraufführung von

„Animals on the Beach“

10 HF2 (^) FEUILLETON Dienstag,13. August 2019, Nr. 186 DEFGH
Hohenzollern-Streit
Eine Szene aus dem Film „Höhenfeuer“, der zu den Höhepunkten in Murers Schaffen zählt. FOTO:IMAGO IMAGES / UNITED ARCHIVES
RETROKOLUMNE
Griechische Gräber
KeinStart für „The Hunt“
KURZ GEMELDET

Süddeutsche Zeitung - 13.08.2019

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