Süddeutsche Zeitung - 20.02.2020

von juliane liebert

A

m Ende wird Burhan Qurbani ein

bisschen nervös, weil er gerne rau-

chen möchte. Alle Fragen sind beant-

wortet, jemand hat ihm einen Aschenbe-

cher auf den Tisch im Büro gestellt, aber er

ist zu höflich, tatsächlich drinnen zu rau-

chen. Der Aschenbecher bleibt unberührt.

Der gebürtige Rheinländer, Sohn afgha-

nischer politischer Flüchtlinge, ist einer

der vielversprechendsten deutschen Regis-

seure. Sein Abschlussfilm an der Filmhoch-

schule, „Shahada“ lief 2010 im Wettbe-

werb der Berlinale, da war er noch Student.

2014 erschien „Wir sind jung. Wir sind

stark.“, ein Spielfilm über die Ausschreitun-

gen in Rostock-Lichtenhagen. Dieses Jahr

läuft seine Adaption von Alfred Döblins

„Berlin Alexanderplatz“ als einer von zwei

deutschen Filmen im Wettbewerb um den

Goldenen Bären. Sie spielt im Hier und

Jetzt, im Drogenmilieu der Hasenheide.

Sein Franz Biberkopf heißt jetzt Francis. Er

wird von Welket Bungué gespielt. Francis

ist „Zufluchtsuchender“, wie Qurbani sagt,

ein langes, sehr deutsches, merkwürdig

tröstliches Wort: Zuflucht. Im Duden defi-

niert als „Ort, jemand, den man in der Not

aufsucht, um Schutz, Hilfe zu bekommen;

Sicherheit (für einen Verfolgten, in Not Ge-

ratenen). Beispiel: ,Du bist meine Zu-

flucht‘.“ Francis kommt nach Deutschland,

um Zuflucht zu finden. Er will gut sein –

wie sein Vorbild Franz Biberkopf.

„Ich hab an der Hasenheide gewohnt.“

erzählt Qurbani, „ich wollte immer etwas

über diese Jungs dort machen. Ich finde

die Situation beschissen. Da hast du diesen

ultrabürgerlichen Park, wo die Mittel-

schicht mit ihren Kindern spazieren geht,

und die kriegen ein ganz bestimmtes Bild

von der Community in diesem Park:

Schwarzer Mann = Dealer. Ich fand den Ge-

danken scheußlich und wollte einen Film

über sie machen. Aber ich dachte: Egal,

was du in Deutschland über die Communi-

ty machst, es wird nicht wahrgenommen

werden. Es wird versickern und dann hat

es keiner gesehen.“

Irgendwann kam ihm der Gedanke:

Doch was, wenn es „Berlin Alexander-

platz“ ist? „Was, wenn diese Jungs und Mä-

dels, die an den Rand der Gesellschaft ge-

spült sind, wo wir unser Tunlichstes tun,

um sie zu ignorieren, sie nicht in unseren

Alltag reinzulassen, was ist, wenn wir sie

mit dieser Figur besetzen? Dann kannst du

es nicht ignorieren, nicht wegschauen. Du

musst hinschauen.“

In gewissem Sinne ist Qurbanis „Berlin

Alexanderplatz“ also ein trojanisches

Pferd. Es nimmt ein Stück Kartoffelkanon

und zwingt es in die Gegenwart. Was die,

von denen man annimmt, dass sie sich em-

pören werden, schon im Vorab empört —

unter dem Youtube-Trailer zum Film tum-

meln sich rechtstümelnde Kommentare,

manche an der Grenze zum Gewaltaufruf.

Als sie das Projekt begannen, waren Qur-

bani und sein Co-Autor Martin Behnke zu-

nächst überrascht, dass die Filmrechte

überhaupt noch frei waren, als sie beim Fi-

scher-Verlag anfragten. So entstand der

Kontakt zu Stephan Döblin, dem jüngsten

Sohn, der die Rechte seines Vaters verwal-

tet. „Es gab einen langen Briefverkehr zwi-

schen ihm und mir“, sagt Qurbani. „Ich ha-

be versucht, ihm zu erklären, was ich vorha-

be. Er meinte, er findet das richtig und im

Sinne seines Vaters. Das Einzige, worauf er

Wert gelegt hat, war, dass wir das Erbe sei-

nes Vaters achten, und dass der Franz am

Ende in der Gemeinschaft aufgeht. Das ist

das Ende des Romans. Wenn Franz Biber-

kopf auf dem Alexanderplatz steht, dann

ist er Teil dieser Gemeinschaft.“

Alfred Döblin hat seinen Roman „Berlin

Alexanderplatz“ aus der intellektuellen

Gottesperspektive erzählt. Ähnlich wie bei

Joyce in „Ulysses“ sind die Figuren dem Au-

tor sozial unterlegen, der komplexen Büh-

nenmaschinerie des Romans ausgeliefert.

Sein Blick ist der eines Arztes. Eines Arz-

tes, dem Franz Biberkopf trotzdem nicht

egal sein muss — der aber mit einer gewis-

sen klinischen Kälte auf ihn schaut. Qurba-

ni hat immer irritiert, dass er beim Lesen

nicht an die Figuren ran durfte. „Der Autor

hat mich bewusst von den Figuren fernge-

halten. Als Filmemacher musst du die ulti-

mative Empathie erzeugen. Du musst den

Charakter lieben. Sogar die hassenswerten

Figuren musst du lieben. Sogar Reinhold

muss faszinierend und sexy und liebens-

wert sein. Sonst leidest du nicht mit.“

Rainer Werner Fassbinder hätte diese

Forderung nach ultimativer Empathie

wohl irritiert. Von ihm stammt die bis dato

letzte Verfilmung des Romans, eine Fern-

sehserie aus dem Jahr 1980. Sein Stil war

eher die Verfremdung durch ausdruckslo-

ses oder stark expressives Spiel und künst-

liche Orte. Zusammengefunden hätten

Fassbinder und Qurbani vielleicht bei Rein-

hold, der einem in der intensiven Darstel-

lung von Gottfried John als innerlich zerris-

sener, aber diabolisch manipulativer Cha-

rakter schmerzhaft nahe geht.

Qurbani schreibt mit seinen Schauspie-

lern immer gemeinsam eine Biografie für

die Figuren, und zwar über drei Generatio-

nen. Er glaubt, die „Neurosen unserer

Großeltern sind die Neurosen unserer El-

tern sind unsere Neurosen“. Wer die packe

und verstehe, könne sich viel einfacher in

eine Figur hineinspielen.

Am stärksten sind Qurbanis Filme tat-

sächlich immer da, wo sie den kleinen Ges-

ten und Wörtern, dem Alltag, dem Unwill-

kürlichen Raum geben. Schon in „Wir sind

jung. Wir sind stark.“ stellt das Schwarz-

weiß zwar einerseits Distanz her, befreit

den Film aber auch vom Plüsch des histori-

schen Dekors und verleiht ihm existenziel-

le Wucht. Jede Einstellung des Films ist

durchdacht. Es ist Qurbani offensichtlich

ein Anliegen, die Sehnsucht nach einem Le-

ben, das den Namen verdient, in den Kör-

pern der Jugendlichen Gestalt annehmen

zu lassen. Ohne diese Ebene politisch zuzu-

kleistern. Die Vietnamesen in „Wir sind

jung“ sind keine Repräsentanten von ir-

gendwas, sondern einfach Menschen, die

es in ein fremdes Land verschlagen hat.

Die entschlossen sind, sich dort ein Leben

aufzubauen.

„Wir hatten Angst, dass uns der Film

viel mehr um die Ohren fliegt. Weil es um

diesen angekündigten Pogrom in Rostock

ging. Der Film kam genau zu der Zeit raus,

als Pegida auf die Straße gegangen ist und

die AfD immer stärker wurde. Ich glaube,

in einer Zeit, in der in Deutschland Politi-

ker auf der Straße erschossen werden, in

der Journalisten und Persönlichkeiten aus

der Öffentlichkeit auch physisch angegrif-

fen werden oder auf irgendwelchen Mord-

listen stehen, liegt der Gedanke, dass es

Drohungen geben könnte, nicht fern. Aber

gerade dann muss man sich hinstellen und

sich dem aussetzen. Genau dafür macht

man ja diese Art von Film. Als antifaschisti-

schen Widerstand.“

Wenn Qurbani über sein Team spricht,

liegt Zärtlichkeit in seiner Stimme. Er

macht analoge Fotos von allen, die mitge-

holfen haben, von der Soundmixerin über

den Kameramann bis, natürlich, zu den

Schauspielern. Er schwärmt von Welket

Bungué, Jella Haase und Albrecht Schuch.

Auch wo seine Filme politisch sind, pro-

duzieren sie stets Schönheit, ohne amora-

lisch zu ästhetisieren. Die Inszenierung

abstrahiert kaum je von den Menschen. In

„Wir sind jung“ gibt es eine Szene an der

Ostsee. In der sieht man in einer Einstel-

lung einen der Jungs von hinten nackt am

Strand stehen. Sein einer Oberschenkel

und Hintern zittert. Als wäre ihm kalt oder

als hätte er einen Zitterkrampf, wie man

ihn vom Schwimmen manchmal be-

kommt. Qurbani will die Menschen verste-

hen, indem er ihnen zuschaut. Auch und ge-

rade dort, wo sie Böses oder Dummes tun.

Als er in Halle an der Saale drehte, arbei-

tete er einmal an einer Szene mit 500 Statis-

ten, die für den Film alle „Ausländer raus!“

schreien mussten. Er hatte Angst, es könn-

ten wirkliche Ausländerhasser darunter

sein. Über Lautsprecher sagte er: „Wir müs-

sen jetzt einen O-Ton machen, und zwar

müsst ihr alle „Deutschland den Deut-

schen, Ausländer raus!“ schreien.“ Es funk-

tionierte nicht. Also sagte er „Ich bin hier

Ausländer in Deutschland, ihr habt meine

offizielle Erlaubnis.“ Dann fing er selbst

an. Erst da machten die Statisten mit.

„Ich mag diesen Begriff aus der Soziolo-

gie – der Neue Deutsche. Ich glaube, damit

bin nicht ich gemeint, sondern du. Also

nicht ich, der ich hier als Flüchtlingskind

geboren bin, sondern du, die du dein

eigenes Land eben als das Land siehst, das

pluralistisch ist und in dem es selbstver-

ständlich ist, dass ich neben dir genauso

aufwachse. Ich habe den Begriff ein biss-

chen umgeformt — bei mir sagt Berta, der

Transmensch auf der Party: ,Wir sind die

neuen Deutschen, wir haben uns für uns

entschieden‘. Was heißt das? Dass Deutsch-

land nie mehr rein cis oder hetero sein

wird. Vor allem wird Deutschland nie mehr

komplett weiß sein. Das ist es jetzt. Fu-

cking live with it.“

„Ich mag diesen Begriff aus der

Soziologie – der Neue Deutsche“,

sagt Burhan Qurbani

Ihre Vorfahren waren russische Aristokra-

ten, die vor der Revolution nach England

geflohen waren. Geboren wurde sie 1945

in London, unter dem Namen Ilyena Lydia

Vasilievna Mironova. Dass sie Schauspiele-

rin werden wollte, wusste sie, seit sie klein

war; als sie in den Royal Shakespeare Com-

pany aufgenommen wurde, war sie erst

neunzehn. Bekannt wurde sie unter dem

Namen Helen Mirren.

Nun wird die britische Schauspielerin auf

der diesjährigen Berlinale mit dem Golde-

nen Ehrenbären für ihr Lebenswerk ausge-

zeichnet. Gleichzeitig widmet ihr das Festi-

val die diesjährige „Hommage“, in der

einige Mirren-Filme gezeigt werden. Na-

türlich nicht das ganze Schaffen – ihre

Fernseharbeiten als Detective Chief In-

spector Jane Tennison in den Filmen der

„Heißer Verdacht“-Reihe, wegweisend für

alle weiblichen Ermittlerinnen nach ihr,

kommen zum Beispiel nicht vor. Aber

auch in der Auswahl der Berlinale lotet sie

die ganze Bandbreite des sozialen Spek-

trums aus. An der Seite von Bob Hoskins

in „The Long Good Friday“ sowie in Peter

Greenaways „Der Koch, der Dieb, seine

Frau und ihr Liebhaber“ spielte sie sehr

verschiedene Gangsterbräute, in Stephen

Frears „The Queen“ die englische Königin

Elizabeth II., die mit dem Tod von Prinzes-

sin Diana konfrontiert ist. Es ist vielleicht

ihre berühmteste Rolle, für die sie mit

dem Oscar ausgezeichnet wurde. Und eine

Rückkehr zu ihren aristokratischen Wur-

zeln. Mittlerweile wurde ihr der Adelstitel

Dame verliehen. Berlin adelt sie nun mit

einem Bären. sta

Wie kann eine Karriere weitergehen, in

der schon so früh ein Moment für die Ewig-

keit gelingt? Quentin Tarantinos „Once

Upon a Time in Hollywood“ wird jeden-

falls nicht nur für die Performances seiner

Stars in Erinnerung bleiben, sondern auch

für das schlaksige Hippiegirl am Straßen-

rand, das selbst dem emotional tiefergeleg-

ten Brad Pitt mit einer Mischung aus Un-

schuld, Verdorbenheit, schmutzigen nack-

ten Fußsohlen und leuchtendem Irrsinn in

den Augen fast den Kopf verdreht. Dieses

wundersame Wesen, das sich dann als

Mitglied der mörderischen Manson-Fami-

ly entpuppt, wird von Margaret Qualley

gespielt, auf eine Weise, die man nicht

mehr vergisst. Nach diesem Auftritt würde

man ihr die allergrößte Zukunft voraussa-

gen, selbst bevor man weiß, dass sie auch

noch die Tochter der Schauspielerin Andie

MacDowell ist. Die Nachricht jedenfalls,

dass Qualley im Eröffnungsfilm „My Sa-

linger Year“ die Hauptrolle spielt (FOTO:

FESTIVAL), hat die ganze Berlinale in Sachen

Vorfreude sehr nach oben gezogen. kni

„Stadt am Ende der Straße und Straße die

Stadt verlängernd. Wähle nicht die eine

oder die andere, sondern die eine und die

andere im Wechsel.“ Die wegweisende

Parole für ihren neuen Film „Paris Calli-

grammes“ und für ihr gesamtes bildneri-

sches, collagehaftes, filmisches Werk fand

Ulrike Ottinger bei Victor Segalen – wie

der erforschte auch sie ferne Regionen,

Alaska, Japan, Mongolei. „Paris Calligram-

mes“ (FOTO: FESTIVAL) wird auf der Berlinale

uraufgeführt, Ulrike Ottinger erhält die

Berlinale Kamera fürs Lebenswerk. Der

Film geht aus von der Librairie Calligram-

me des Exilanten Fritz Picard und führt

hinein in die Sechziger, als sie in Paris

lebte und arbeitete, Algerienkrieg, Viet-

nam, der Mai ’68 und die Cinémathèque.

Zurück in Deutschland fing sie dann zu

filmen an, „Madame X“, „Freak Orlando“,

an denen man sieht, schrieb Frieda Grafe,

wie das Kino „alle Wünsche, Ängste, Träu-

me mit der Aura des Realen ausstatten

kann ... und beweisen, dass der Mythos

eine Dame ohne Unterleib ist“. göt

Die Saga um das vielleicht gewagteste

Kunstprojekt der vergangenen Jahre geht

weiter. Drei Jahre lang hat der russische

Regisseur Ilya Khrzhanovsky 400 Men-

schen in den Kulissen eines nachgebauten

sowjetischen Wissenschafts-Instituts

gefilmt, in einer Mischung aus Rollenspiel-

Kollektiv, Sektenerfahrung und Menschen-

versuch vor laufender Kamera. Er gewann

700 Stunden Filmmaterial für „DAU“, von

denen er Teile im Herbst 2018 in einer Art

Performance-Welt in Berlin präsentieren

wollte, inklusive nachgebauter Mauer. Die

Wellen schlugen hoch, die Berliner Behör-

den stellten sich quer. Ein zweiter Versuch

in Paris klappte besser, war dann aber

doch nur wenigen Menschen zugänglich,

und die Kritiken waren widersprüchlich.

Khrzhanovskys neuer Plan ist es nun, die

Filmfestivals der Welt für die sukzessive

Enthüllung seines Großwerks zu nutzen.

Die Berlinale macht passenderweise den

Anfang, mit den Filmen „DAU. Natasha“

(zwei Stunden, Co-Regie Jekaterina Oer-

tel, im Wettbewerb) und „DAU. Degenerat-

sia“ (fast sechs Stunden, als Special). Man

weiß bereits, dass mit Sexszenen zu rech-

nen ist, in denen nicht nur so getan wird

als ob, und mit Szenen in KGB-Verliesen,

in denen weibliche Gefangene erniedrigt

und missbraucht werden. Vier der zehn

bereits fertigen Filme, darunter „DAU.

Natasha“, haben in Russland bereits Auf-

führungsverbot, wegen „Propagierung

von Pornografie“. Klar ist jedoch eins – ein

Festival muss sich solchen Kontroversen

stellen. Wie heftig alles wird, zeigt sich ab

Mittwoch. kni

„Genau dafür macht man ja diese

Art von Film“, sagt Qurbani. „Als

antifaschistischen Widerstand.“

Er war der Erde und dem Wasser ganz

nah, näher als jeder andere amerikani-

sche Regisseur: die Flussufer in „Hallelu-

jah“, dem Passionenspiel an der Grenze

zwischen Stumm- und Tonfilm, ganz von

Schwarzen gespielt; oder die dürre Ebene,

in der die Neusiedler in den Dreißigern in

„Our Daily Bread“ eine Rinne hacken, um

Wasser auf ihre ausgetrockneten Felder

zu leiten. Der Film ist ein Musterstück für

den New Deal, realistisch, indem er sich

vor falscher Dynamik und Dramatik hü-

tet. Als die Menschen eine Organisations-

form für ihre Kommune suchen, zischeln

sie beim Vorschlag Demokratie und wol-

len lieber, dass es einen gibt, der leitet.

Die Berlinale-Retro zu King Vidor

macht Lust auf einen Mann der Wider-

sprüche, einen intellektuellen Naiven,

apollinisch und faunisch, wie Luc Moullet

schrieb. Der jene Aura des Professionellen

vermied, durch die Hitchcock und Hawks

zu Darlings der Nouvelle Vague wurden.

Vidor hatte fünf Gitarren, erzählt Moullet

von einem Besuch bei ihm in der Heimat-

stadt Galvestoon, Texas, mit fünfzig fing

er zu malen an. Vidor-Filme sind sperrig,

schon jene Stummfilme, die ihn zu einem

der erfolgreichen Hollywodianer mach-

ten, „The Big Parade“, 1925, amerikani-

sche Jungs im Ersten Weltkriegs, und

„The Crowd“, 1928, Kleinbürger in der

Massenstadt New York. Vidors Filme sind

Heimatfilme, im richtigen Sinne des Wor-

tes, Erkundungen der amerikanischen

Seele. „King Vidor, American“ heißt lapi-

dar ein frühes Buch über ihn von Ray-

mond Durgnat und Scott Simmon. göt

Die Starts ab 20. Februar auf einen
Blick, bewertet von den SZ-Kritikern.
Rezensionen ausgewählter Filme folgen.

Bliss
juliane liebert:Autorenfilme kön-
nen bisweilen ja etwas blutleer sein. Hier
aber geht es um heißblütige junge Vam-
pirinnen, verruchten Sex, Drogentrips
und satanische Rockmusik. Regisseur
Joe Begosbietet all das und mehr, etwa
einen Catfight im Organmatsch. Dezzy
(Dora Madison, die sich, nun ja, die Seele
aus dem oft nackten Leib spielt) ist Male-
rin in einer Schaffenskrise. Ein Künstle-
rinnendrama! Erst der richtige Stoff und
Freundin Courtney helfen ihr auf die
Sprünge, allerdings um den Preis des
Blutdurstes. Oder doch nur des Wahn-
sinns? „Bliss“ ist übrigens ein Autoren-
film. Aber gewiss keine blutlose Kunst.

Brahms: The Boy 2
doris kuhn:Eine traumatisierte Fami-
lie zieht ins ländliche England, um in der
Einsamkeit zu genesen. Der junge Sohn
findet im Wald eine riesige Puppe, die
bald heimlich zu ihm spricht. Dass sie
nichts Gutes anstiften wird, ist klar. Es
gibt kaum Bezug zum Vorläufer „The
Boy“, stattdessen sinistre Blicke, wabern-
de Musik, hilfloses Geschrei auf Seiten
der Eltern. Mit solchen Stilmitteln lässt
William Brent Belljede Hoffnung auf
Horror erlahmen.

Cronofobia
philipp stadelmaier:Ein mysteriö-
ser Mann (Vinicio Marchioni) und eine
verwitwete, traurige Frau, beide sehr ver-
schlossen. Er ist Privatdetektiv, sie
schneidet Haare. Sie brauchen lange, um
sich anzunähern; ebenso lange braucht
man, um zu verstehen, worum es geht.
Francesco Rizziüberkompensiert in sei-
nem unterkühlten Film die Isolation
und den Verlust von Natürlichkeit durch
das oft recht artifizielle Gebaren seiner
Figuren.

Euforia
fritz göttler:Matteo ist süchtig, er-
folgssüchtig. Er hat alles, was man zum
Leben braucht, einen Luxusjob in den
neuen Medien, auch soziale Projekte
(Flüchtlingslager), ein tolles Apartment
in Rom, einen treuen schwulen Freund.
Seine Parole: Die Schönheit schützt die
Schönheit. Matteos Bruder Ettore hat
Blackouts, stürzt plötzlich zu Boden. Ein
Tumor, diagnostiziert der Arzt, aber
Matteo verheimlicht dem Bruder, dass
er bald sterben muss. Die Schauspielerin
Valeria Golino interessiert in ihrem
zweiten Spielfilm nicht das Krankenme-
lodram, sondern der fanatische Matteo,
sein Zusammenbruch und seine Erlö-
sung, in einem Fest der Vogelschwärme.

Fantasy Island
(Film wurde vorab nicht gezeigt.)

Lassie
doris kuhn:Der Klassiker der alles
überwindenden Liebe, diesmal in
Deutschland: Lassie, eine Colliehündin,
läuft allein von der Nordseeküste nach
Bayern, zurück zu dem kleinen Jungen,
dem sie gehört.Hanno Olderdissenwill
die große Landidylle – Wald, Wiesen,
Sentimentalität. Das führt zum Teil zu
einer Atmosphäre wie im Fernseh-Hei-
matfilm, der die Protagonisten schwer
entkommen. Aber für die Kinder gibt es
jedenfalls genügend Hund.

Limbo
annett scheffel:Eine junge Mana-
gerin entdeckt Ungereimtheiten auf den
Konten ihrer Bank und gerät auf unheil-
volle Weise zwischen die Fronten eines
Geldwäsche-Netzwerks. RegisseurTim
Dünschedehat sein Spielfilmdebüt in ei-
ner einzigen Einstellung gedreht. Logis-
tisch ist das beeindruckend, erreicht
trotz einiger Twists aber nie die Dring-
lichkeit von „Victoria“, dem anderen
deutschen One-Taker der letzten Jahre.
Das liegt vor allem am schablonenhaften
Personal: Die Kamera folgt neben der ge-
wissenhaften Zeigefinger-Heldin auch
Gangsterbossen, aalglatten Bankern
und verdeckten Ermittlern in die Kata-
komben eines illegalen Boxkampfes.

Ruf der Wildnis
anke sterneborg:Aus der gemütli-
chen Zivilisation wird der Bernhardiner-
Mischling Buck ins eisige Alaska zur Zeit
des Goldrausches verschleppt, wo er erst
als Arbeitshund vor dem Postschlitten
dienen muss, dann zum besten Freund
eines grimmigen, alten Mannes (Harri-
son Ford) wird und schließlich seine ani-
malischen Instinkte entdeckt. Die neu-
este Verfilmung von Jack Londons Aben-
teuerklassiker ist das Realfilmdebüt des
Animationsregisseurs Chris Sanders.
Der Menschlichkeit des Hundes hat er
tricktechnisch einen massiven Schub
verpasst, was aber künstlicher wirkt als
zuletzt bei den animierten Tieren in der
Realverfilmung von „König der Löwen“.

Weißer weißer Tag
sofia glasl:Die Frau des Polizisten
Ingimundur ist tot, ein Autounfall bei Ne-
bel in der isländischen Einöde. Ingimun-
dur macht stoisch weiter. Er renoviert
sein Haus, kümmert sich um Enkelin
Salka und sitzt entnervt Stunden beim
Psychologen aus. Der IsländerHlynur
Pálmasonerhebt in seinem klaustropho-
bischen Film „Weißer weißer Tag“ die
stilistische Reduktion zum psychologi-
schen Prinzip und kehrt so die verdräng-
te Trauerarbeit des Witwers nach außen.
Dessen Gleichgewicht aus Lakonie, Lang-
mut und einer ungerichteten Wut gerät
erst ins Taumeln, als er herausfindet,
dass seine Frau ihn betrogen hat.

Das ist es jetzt

Franz Biberkopf ist heute schwarz und sucht Zuflucht. So muss es sein für den Regisseur Burhan Qurbani,

dessen Neuverfilmung von „Berlin Alexanderplatz“ im Berlinale-Wettbewerb läuft. Eine Begegnung

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FÜNFMAL VORFREUDE: BERLINALE-HIGHLIGHTS

NEUE FILME

10 HF2 (^) FILM Donnerstag, 20. Februar 2020, Nr. 42DEFGH
Ein ikonisches Werk der Literatur soll den Blick zurück auf die deutsche Gegenwart lenken – das ist die Idee von Regisseur Burhan Qurbani. FOTO: REGINA SCHMEKEN
King Vidor-Retro Margaret Qualley Das DAU-Projekt Ulrike Ottinger Helen Mirren