Süddeutsche Zeitung - 31.08.2019

KURZ GEMELDET

Die Stiftung Preußischer Kulturbesitz
in Berlin hat zwei mittelalterliche Kunst-
werke an die Erben des jüdischen Unter-
nehmers Harry Fuld senior zurückgege-
ben. Dabei handelt sich um sogenannte
Predellentafeln, die Bebilderung des
Sockels eines Altars. Die Tafeln waren
bisher in der Gemäldegalerie ausge-
stellt und stammen von Giovanni di
Paolo, wie die Stiftung dazu am Don-
nerstag erklärte. Die Museen hatten die
beiden Tafeln 1940 demnach über ei-
nen Kunsthändler erworben. Laut der
Preußenstiftung kann ausgeschlossen
werden, dass der Verkauf ohne die Herr-
schaft der Nationalsozialisten so verlau-
fen wäre, wie dies tatsächlich gesche-
hen ist. Daher habe sich die Stiftung zur
Rückgabe im Sinne der Washingtoner
Prinzipien von 1998 entschlossen. Diese
regeln den Umgang mit NS-Raub-
kunst. dpa

Raubkunstrückgabe

Wie Branchendienste berichten, plant
der Regisseur Richard Linklater eine
Verfilmung des Musicals „Merrily We
Roll Along“ von Stephen Sondheim. Bis
der Film zu sehen ist, wird es aber noch
ein paar Jahrzehnte dauern. 2014 kam
Linklaters Film „Boyhood“ ins Kino, der
über einen Zeitraum von zwölf Jahren
entstanden war. Die Musicalverfilmung
soll diesen ungewöhnlichen Drehpro-
zess nun noch toppen und über einen
Zeitraum von zwanzig Jahren entste-
hen. „Merrily We Roll Along“ basiert auf
dem gleichnamigen Theaterstück von
George S. Kaufman und Moss Hart und
hatte seine Premiere 1981 am New Yor-
ker Broadway. Das Stück erzählt rück-
wärts die Lebensgeschichte des Musical-
Schreibers und Filmproduzenten Frank-
lin Shephard. Ob die Dreharbeiten nun
im Gegensatz zur Handlung chronolo-
gisch stattfinden sollen und ob nicht
auch ein kürzerer Arbeitszeitraum oder
der Einsatz von Maskenbildnern ein
ähnliches Ergebnis erzielen könnten, ist
noch unklar.sz

18 FEUILLETON Samstag/Sonntag, 31.August/1. September 2019, Nr. 201 DEFGH

Bergen an der Südwestküste Norwe-

gens ist eine bezaubernde Stadt –

nur nicht im Winter. Kalt und trist

nieselt das Wetter vor sich hin und

schlägt auch den Einwohnern aufs

Gemüt. Gut möglich, dass Melan-

choliker in diesem Klima besonders

prächtig gedeihen. So einer ist der

Choreograf, Regisseur und Autor

Alan Lucien Øyen, 1978 in Bergen

geboren und im Dunstkreis des

Theaters aufgewachsen, wo sein

Vater als Garderobier anderer Leute

Mäntel verräumte. Der hoch ge-

wachsene, stets etwas bewölkt

dreinblickende Brillenträger weiß

feinmaschige Bewegungs- und

Textnetze zu knüpfen, in denen

sich seine Protagonisten höchst

kunstvoll verfangen. Bis sie darin

wie wehrlose Gefangene der Condi-

tion humaine zappeln, deren ele-

mentarer Wucht niemand ent-

kommt. Liebe, Hass, Zorn, Sehn-

sucht, Selbstzweifel und Zerstö-

rungswut regieren die Gefühlsöko-

nomie schließlich auch in Zeiten

von Tinder & Co. Davon erzählt

„Story.story.die“, Øyens jüngste

Produktion, die am Samstagabend

noch einmal beim Berliner Festival

„Tanz im August“ zu sehen ist.

Sieben fabelhafte Tänzer spiegeln

die Mechanik unserer Selbstinsze-

nierung, die letztlich nur einen

Antrieb und eine einzige Botschaft

hat: hab(t) mich lieb! Da ist die

Frau, die von körperlichem und

seelischem Selbsthass palavert,

sich dabei aber dauerlächelnd be-

gatten lässt. Oder der Kahlkopf im

Fellanzug, der sich grinsend eine

Selbstmassage verpasst, bevor

seine Riesentatze einen erzfreundli-

chen Zeitgenossen erst liebkost und

dann zusammenfaltet – blitzschnel-

ler Umschlag von narzisstischer zu

destruktiver Energie. Ein schüchter-

ner Typ bekennt die brennende

Angst, von aller Welt vergessen zu

werden. Prompt pinseln ihm die

Anderen ein Skelett auf den halb-

nackten Leib, als wäre er längst

lebendig begraben.

Seine enorme Begabung als Thea-

termacher hat Alan Lucien Øyen im

vergangenen Jahr schon beim Wup-

pertaler Tanztheater unter Beweis

gestellt, wo er einen eher sanftmüti-

gen Episodenreigen arrangierte.

Die eigene Kompanie Winter

Guests schont er dagegen nie. „Sto-

ry.story.die“ bringt physisch wie

psychisch hartes Geschütz auf dem

zwischenmenschlichen Minenfeld

in Stellung. Auch darüber kann

man durchaus zum Melancholiker

werden.dorion weickmann

von egbert tholl

J

uno und Jupiter arbeiten als Ar-

chäologen. Dabei schauen Marie

Goyette und Thorbjörn Björnsson

recht göttlich aus, sie tragen weiße

Togen und buddeln im Sand zwi-

schen den Trümmern auf der Bühne. Die

Ausgrabungsstätte ist geschützt durch ein

großes, weißes Zelt in Fachwerkbauweise,

die forschenden Götter hantieren vorsich-

tig mit kleinen Pinselchen. Sie haben et-

was entdeckt. Sie haben offenbar bereits

sehr viel entdeckt, denn im Foyer der riesi-

gen Kraftzentrale im Duisburger Land-

schaftspark Nord ist ein kleines „Museum

der Gegenwart“ eingerichtet, Schaukäs-

ten stehen herum, darin Fundstücke einer

untergegangenen Zivilisation, künstliche

Fingernägel, eine zerfledderte Konzert-

karte, eine löchrige Jeans, eine Ölflasche.

Die Beschriftung des Schaukastens

sagt dazu, dass es sich um einen zähflüssi-

gen Schmierstoff handelt, der bis ins 21.

Jahrhundert im Antrieb von Verbren-

nungsmotoren verwendet wurde, die wie-

derum für individuelle Freiheit standen,

im Lauf des 21. Jahrhunderts aber aus dem

Privatleben der Menschen verschwanden.

Oper hat oft etwas mit Archäologie zu

tun, auch wenn man Henry Purcells „Dido

und Aeneas“ – denn um die geht es bei die-

ser vierten Großproduktion der Ruhrtrien-

nale – nicht unbedingt erst ausgraben

muss. Gleichwohl: Ein mehr als 300 Jahre

altes Artefakt ist sie dennoch. Man kann

das Stück ins Museum stellen oder sich fra-

gen, was es bedeutet, was es erzählt. Der

Regisseur David Marton wählt die zweite

Möglichkeit.

Juno und Jupiter haben inzwischen ein

Ding freigelegt, das zunächst wie eine Ke-

ramik oder ein Schmuckstück aussieht.

Ihr Tun sieht man großformatig auch auf

Video, und es wird begleitet von einem Sir-

ren und Summen aus dem Graben, das Kal-

le Kalima komponiert hat, der hier selbst

E-Gitarre spielt. In diesem Flirren tauchen

klangliche Fundstücke aus Purcells Oper

aus, wie verschüttete Entdeckungen. Man

ahnt, dass der Abend viel konsequenter ge-

dacht und geplant ist, als es vordergründig

den Anschein haben könnte.

Jedenfalls erweist sich der Fund der Ar-

chäologen als ein Handy, auf dem Fotos ge-

speichert sind. Fotos von Dido, der legen-

dären Königin des legendären Karthago,

von ihrem ersten Mann, der getötet wur-

de. Und dann setzt Purcells Ouvertüre ein,

rasend schön gespielt vom Orchester der

Opéra de Lyon unter Pierre Bleuse, und

mit der Oper beginnt die Geschichte von

Dido, die Aeneas liebt wie er sie, der aber

weiter muss, Rom gründen als Ersatz für

das zerstörte Karthago, Jupiter will es so.

Und Dido stirbt an Liebeskummer, singt

am Ende „When I am laid in earth“, also be-

graben sein wird. Um später vielleicht wie-

der ausgegraben zu werden. Als Fund-

stück, als Skelett, dessen Knochenhand

noch die Computermaus hält. „Remember

me“, die schönste Arie der Barockoper.

David Marton, geboren 1975 in Ungarn,

hat schon einige der ungewöhnlichsten

Musik-Theaterabende entworfen. Der Bin-

destrich ist wichtig, denn fast alle fanden

in Schauspielhäusern statt. Marton mach-

te lange Zeit Theater mit Musik, basierend

auf Opernstoffen, also letztlich dann doch

Oper, aber halt auch nicht.

In der ersten Saison von Matthias Lilien-

thal an den Münchner Kammerspielen

übertrug er Vincenzo Bellinis „Sonnambu-

la“ vom entrückten Belcanto in eine wun-

dersam gutgelüftete Erzählung über die

Wahrheit von Gefühlen und brauchte da-

für gerade mal eine Handvoll Musiker und

Sänger; im selben Jahr, 2016, baute er in

den Hof des Hauses eine Opernbude für in-

timste Begegnungen, schon hier gab es

„Dido und Aeneas“, allerdings nur ein paar

Minuten und nur für drei Zuschauer.

Marton hat am Schauspiel Dresden

Wagners „Rheingold“ mit ein paar Schau-

spielern, Musikern und Sängern als überle-

gen durchsichtige und alle Mittel der Oper

durchschauende Theatererzählung prä-

sentiert, hat aus Bachs „Wohltemperier-

ten Klavier“ Theater gemacht, an der Berli-

ner Schaubühne und am Hamburger Tha-

lia Theater die Schönheit von Monteverdis

Musik zu einem intimen Erlebnis werden

lassen, hat vieles an der Berliner Volksbüh-

ne gemacht, dazu gleich. Eines fällt auf:

Die genannten sind keine Opernhäuser.

Lyon schon. Die Oper dort wird geleitet

von dem unternehmungslustigen Serge

Dorny, der das Haus zu einem der span-

nendsten in Europa machte und 2021 die

Bayerische Staatsoper übernehmen wird.

Es ist das einzige Opernhaus, an dem Mar-

ton bislang gearbeitet hat, das allerdings

schon fünf Mal.

Die ersten Inszenierungen, sagt er, sei-

en richtig Oper gewesen, dann sei er freier

geworden. „Eine kontinuierliche Entwick-

lung“, von beiden, Marton und Dorny. Als

vor langer Zeit Stefanie Carp, Leiterin der

Ruhrtriennale, Marton nach einer Zusam-

menarbeit fragte, dachte er an eine Mini-

halle, an Oper im LKW. Es wurde dann

doch ein Riesenzauber, mit vollem Orches-

ter, zwei Schauspielern (die Götter), drei

Opernsängerinnen und –sängern und Eri-

ka Stucky als Hexe, Zauberin, Venus, archa-

isches Jodelgurgelwesen. Herausgekom-

men ist die Aufführung im März in Lyon;

ihre wahre Pracht jedoch entfaltet sie erst

in der riesigen Industriehalle in Duisburg.

Er habe in Ungarn den üblichen Weg ei-

ner Musikausbildung in sozialistischen

Zeiten eingeschlagene, so Marton, also Mu-

sikschule, Konservatorium, Akademie,

hat Klavier studiert, bis er auf einen Flyer

für einen Sommerkurs in Berlin stieß. Zu-

fall. Er nahm ihn an. Und begann, an der

Hanns-Eisler-Musikhochschule das Diri-

gierstudium. „Dirigieren ist auf mittelmä-

ßiger Ebene nicht so kompliziert.“

Erst jenseits der technischen Ebene wer-

de es interessant, wenn Gehör, Genialität

und Gehirn dazukämen. Er lässt offen, wie

er sich selbst da sieht. Wohl eher skep-

tisch. Schließlich sah er den nächsten Fly-

er, die Schaubühne suchte einen Korrepeti-

tor, Marton, wie er sagt, „einen Job und

Kohle“. Am Ende war er der musikalische

Leiter der Produktion, der Schauspieler

Matthias Matschke meinte, Marton müsse

Christoph Marthaler an der Volksbühne

kennenlernen, nahm ihn dorthin mit, wie-

der unterstützte Marton die Proben, fühl-

te sich geduldet, „als habe er einen Asylan-

trag laufen“, bis ihm Anna Viebrock, die

Ausstatterin, eine Hose gab. Da wusste er,

er ist dabei.

„Dann entdeckte ich die Theaterwelt

wie im Rausch.“ Zwei Jahre lang saugte er

alles auf, machte seine erste freie Produkti-

on in den Berliner Sophiensälen mit Men-

schen, mit denen er bis heute zusammen-

arbeitet. Nur Jelena Kuljic, flirrende Sänge-

rin avantgardistischen Jazz’, hat er verlo-

ren. „Sie ist Staatsschauspielerin gewor-

den, das ist toll für sie, aber sie fehlt mir.“

Kuljic ist im Ensemble der Kammerspiele.

Marton dachte nicht an Oper im Thea-

ter. Sondern eben an Musik-Theater. Er

wollte „durch und mit Musik Menschen er-

zählen“. Er habe die Oper gar nicht verän-

dern wollen, sie lieferte ihm einfach das

Material, mit dem er arbeiten wollte. „Ich

habe nicht daran gedacht, wie und ob das

als Oper wahrgenommen wird.“ Er brauch-

te einen freien Raum, um frei arbeiten zu

können, und das war die Volksbühne, das

einmalige Biotop: „Ich hätte Castorf zum

Intendanten auf Lebenszeit ernannt“.

David Marton ist keiner, der antrat, den

Opernbetrieb umzukrempeln, in dem die

Werkgestalt, ganz anders als im Schau-

spiel, für sehr viele immer noch sehr heilig

ist. Nimmt man etwa seine Duisburger „Di-

do“, so kriegt man alles, was Purcell kom-

ponierte, man kriegt einen aufregenden

Chor und zwei tolle Frauen, Alix Le Saux

als Dido und Claron McFadden als Belin-

da, und Guillaume Andrieux als Aeneas, ei-

nen Bariton, der falsettieren kann wie ein

Counter. Man kriegt also die ganze Barock-

pracht, aber noch viel mehr. Nämlich die

Antwort auf Martons Frage, wie man mit

den formell starken Vorgaben des Musik-

theaters erzählen kann. Bei vielen Regis-

seuren kommt dabei eine konzeptuelle Er-

zählung heraus, die an den Rändern

knirscht. Was auch nicht so schlimm ist.

Martons beschreibt sein Dilemma so:

„Ich bin ein Straßenhund zwischen Thea-

teridentitäten“, zuhause in der deutschen

Bahn, manchmal auch in Berlin. Zudem

lassen sich freie Musiktheaterproduktio-

nen so gut wie nicht finanzieren, die Oper

will Oper, die Theater wollen meist mindes-

tens zur Hälfte ihre Schauspieler in den

Produktionen sehen – daran scheiterte

Martons „Figaro“ an den Kammerspielen.

„Ich würde gerne Musiktheaterprojek-

te machen, die frei mit der Musik umge-

hen. Dafür aber sehe ich immer weniger

Platz im deutschen Stadttheater.“ Im Thea-

ter will er kein „Klangchen“ im Hinter-

grund, er will aber in der Oper selbst auch

keine „künstlerische Rechtfertigung

durch Miniänderungen“. Und kein Marton-

Siegel. Als nächstes macht er Oper-Oper,

Tschaikowskis „Pique Dame“ in Brüssel.

Wahrscheinlich ändert er da gar nichts am

Werk. „Ich will nicht zwei Stunden lang

auf den Minimoment der Legitimation

meiner Regie warten, ich will drei Stunden

eine Geschichte erzählen. Und ich habe

auch nicht die Hybris zu glauben, ich wür-

de die Oper verändern.“

In Zeiten, in denen nonkonforme Pro-

jekte an den meisten Häusern in der Tisch-

lerei oder im Malersaal stattfinden (wenn

überhaupt), klassische Konzertprogram-

me meist aus der Wiederholung des Im-

mergleichen bestehen, fand Marton seine

Freiheit. Seine „Dido“ erzählt mit psycho-

logischer Wahrhaftigkeit die Geschichte,

atmet Gegenwart durch Kalimas Interven-

tionen, wodurch Raum entsteht, völlig na-

heliegend das Stranden der Trojaner in

Karthago als zeitgenössisches Flüchtlings-

drama zu erzählen, aber sie blinzelt mit

den archäologischen Göttern auch in Rich-

tung der Wahrnehmung von Oper an sich.

Wann die nächste Gelegenheit zu so etwas

kommt? „Oper ist nicht mein Lebensthe-

ma. Musik ja.“

Auf dem Stadtportal Münchens

werden zu den „Top 20 Sehenswür-

digkeiten“ gerechnet: Frauenkir-

che, Alter Peter, Hofbräuhaus, Alli-

anz Arena, Alte Pinakothek, Neue

Pinakothek, Allerneueste Pinako-

thek (der Moderne)... Alles gut,

schön und sehenswürdig. Nur fehlt

leider auf dieser Liste die, wie Pep

Guardiola sagen würde, Toptoptop-

Sehenswürdigkeit: die Augusten-

straße 105.

Das ist ein Schwarzbau aus der

Nachkriegszeit, zusammengezim-

mert aus Schutt, Asche und Überle-

benswillen, der von so grandioser

Hässlichkeit ist, die tatsächlich

auch schon wieder sehr schön und

jedenfalls absolut sehenswert ist.

Es ist das letzte Behelfshäusl in der

Maxvorstadt – bestehend aus zwei

Ladeneinheiten zur Augustenstra-

ße und zum Hof hin aus einem

Wohngebäude, das eigentlich nur

ein halbes Dach mit drei seltsam

platzierten Beinahe-Schleppgau-

ben in drei verschiedenen Größen

ist. Das Schöne an diesem En-

semble: Diese Architektur ist eine

der stadträumlichen und sozial-

räumlichen Identitätsstiftung. Wer

das Spitzdachhaus sieht, der weiß,

wo er ist in München. Es ist un-

verkennbar und einzigartig.

Was man von den Büros und Woh-

nungen, die statt des Kuriosums

gebaut werden sollen, vermutlich

eher nicht wird sagen können: Mut-

maßlich werden die Büros wie

Büros und die Wohnungen wie

Wohnungen aussehen. Die Stadt

will das zwar nicht, gut so, der

Investor klagt aber dagegen.

Schlecht. München wird immer

austauschbarer und kraftloser in

seiner Gestalt. Markante Bauten

sind schon jetzt exotisch. Die Schön-

heit einer stadträumlichen Situati-

on ist nicht das, was der Immobili-

enmarkt darunter versteht, son-

dern sie ist das, was sich unter

besonderen Umständen aus Signifi-

kanz, Patina und Baugeschichte

zusammensetzt. Und aus den Men-

schen, die dort leben und arbeiten.

Das ist eine Geschichtlichkeit, die

mit viel Geld nicht zu kaufen ist.

Erhaltet das Kuriosum: Es ist kein

Kuriosum, sondern eine Sehens-

und Liebenswürdigkeit, es ist Mün-

chen. gerhard matzig

20 Jahre Dreharbeiten

Jeden Salzburger Sommer glaubt
man, sich satt gehört zu haben an
den Werken Mozarts, die dort bis
zum provinziellen Exzess abgespult
werden. Doch immer, wenn man
glaubt, es geht nicht mehr, kommt
ein junger Dirigent daher, zuletzt
Teodor Currentzis, nun der vor
Musikalität schier platzende Rapha-
el Pichon. Der französische Diri-
gent überrascht dort und nun auch
mit einer herausragenden Aufnah-
me: Pichon hat selten gehörte Wer-

ke Mozarts mit Kompositionen von
Giovanni Paisiello und Antonio
Soler zu einer neuen Oper „Libertà“
kombiniert. Sein Ensemble „Pygma-
lion“ zaubert nie gehörte Mozart-
Klänge hervor, und die betörenden
Sopranistinnen leuchten noch in
die letzte Nische der Partitur. Eine
von ihnen, etwa Siobhan Stagg,
hervorzuheben, wäre dabei wahr-
scheinlich fast schon wieder unge-
recht. helmut mauró

Kann Schrift laut sein? Kann sie

schnell sein? Unbedingt, meinten

die italienischen Futuristen. Die

Schlagzeilen und Balkenüberschrif-

ten hatten es ihnen angetan, die

riesigen Reklamen an den Haus-

wänden. In ihren Manifesten ka-

men die Buchstaben aus Megafon-

trichtern. Gern betrieben die Avant-

gardebewegungen Reklame für

sich selbst. Sie nutzten dafür Buch

und Broschüre, Plakat und Anzeige,

Fotografie und Film und nicht zu-

letzt die Ausstellung.

In der Berliner Kunstbibliothek ist

derzeit im Rahmen des Bauhaus-

Jubiläums ein reizvolles Beispiel zu

sehen, eine Rekonstruktion der

Ausstellung „Wohin geht die typo-

grafische Entwicklung?“, die der

aus Ungarn stammende Maler,

Fotograf, Typograf und Bühnenbild-

ner László Moholy-Nagy im Früh-

jahr 1929 zusammenstellte. Alle 78

Text- und Bildtafeln der Ausstel-

lung, die im Martin-Gropius-Bau

gezeigt wurde, hat er der Staatli-

chen Kunstbibliothek geschenkt.

In programmatischer Kleinschrei-

bung – sie war als Instrument der

Beschleunigung des Schreibens

gedacht – verkünden die Schreib-

maschinenbuchstaben, dass die

Typografie aus dem Zeitalter des

Setzens herausgetreten ist. Aus

dem Setzer wird der „Monteur des

Druckmodells“, der alle möglichen

Schrift- und Bildelementen auf

einer Seite versammelt und davon

ein „Typo-Foto“ erstellt, das zur

Vorlage einer Druckplatte wird.

Auf den französischen Dichter Guil-

laume Apollinaire und die Futuris-

ten beruft sich Moholy-Nagy bei

der Aufsprengung des Zeilenban-

des. Sehr schön ist zu sehen, wie –

etwa in den Bauhaus-Büchern – die

Experimente mit Vertikalen, Kei-

len, Winkeln, roter und schwar-

zer Farbe zugleich dem Impera-

tiv der Standardisierung folgen,

den industriellen DIN-Normen.

Flankiert werden Moholy-Nagys

Text- und Bildtafeln durch Filmpla-

kate, Einladungskarten, Vordrucke,

Buchumschläge, Geschäftsformula-

re von Herbert Bayer, Willi Baumeis-

ter, Kurt Schwitters, Jan Tschichold

und anderen. Wie die Parfümrekla-

me gehört die Biersteuer-Erklä-

rung zu den Visitenkarten der „Neu-

en Typografie“. lothar müller

László Moholy-Nagy und die neue Typo-

grafie.Bis15. September. Kunstbibliothek

Berlin,Kulturforum.

Dann setzt die Ouvertüre

von Henry Purcells Oper ein

• rasend schön gespielt

Marton über Marton:

„Ich bin ein Straßenhund

zwischen Theateridentitäten.“

Der Freiräumer

David Marton wollte die Oper nie verändern. Hat er aber.

Ein Treffen in Duisburg, wo er „Dido und Aeneas“ inszeniert

Als der sehr politische Folksänger Woody
Guthrie 1950in den Beach Haven Apart-
mentkomplex in Brooklyn zog, lernte er
schon bald, seinen Vermieter zu hassen. Der
hieß Fred C. Trump, Vater des späteren Prä-
sidenten Donald. Guthrie war so wütend,
wie schamlos Trump nur an Weiße vermie-
tete, dass er einen Vers über „Old Man
Trump“ schrieb und später seine Ballade
über die Heimatlosen der Depression „I
Ain’t Got No Home“ ergänzte. sz

„Ich nehme an, der alte Trump weiß
Wie groß der rassistische Hass ist
Den er in den Herzen der Menschen aufge-
wühlt hat
Als er die Farbgrenze zog
Hier in diesem Komplex für achtzehnhun-
dert Familien

Beach Haven ist nicht mein Zuhause!
Ich kann einfach die Miete nicht bezahlen!
Mein Geld ist futsch!
Meine Seele ist böse verbeult!
Beach Haven sieht aus wie der Himmel
Wo keine Schwarzen herumlaufen!
Nein, nein, nein! Alter Trump!
Old Beach Haven ist nicht mein Zuhause!“

Alan Lucien Øyens Choreografien

FOTO: HARMONIA MUNDI

Augustenstraße 105

Der gebürtigeUngar David Marton ist nach Berlin und Lyon nun bei der Ruhrtriennale angekommen. FOTO: IMAGO

FOTO: KUNSTBIBLIOTHEK, STAATLICHE MUSEEN ZU BERLIN

GEHÖRT, GELESEN,

ZITIERT

Old Man Trump

FOTO: MATZIG

FOTO: MATS BACKER

Raphael Pichon László Moholy-Nagy und die Typografie

VIER FAVORITEN DER WOCHE