Süddeutsche Zeitung - 18.10.2019

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von sabine reithmaier

F

ranz Marc war mit den Nerven am En-

de, als er am 27. März 1907 in den

Nachtzug nach Paris stieg. Wenige

Stunden zuvor hatte der 27-jährige Maler

Marie Schnür geheiratet, eine elf Jahre älte-

re Kunstlehrerin an der Münchner Damen-

akademie, und seine Geliebte Maria

Franck damit tief verletzt. Die dritte Frau

in seinem Liebesleben, Annette Simon, hat-

te er von der Heirat noch gar nicht infor-

miert. Grund genug also für eine Flucht

nach Paris, um seine „schwankende, ge-

ängstigte Seele vor den wunderbaren Wer-

ken van Goghs zu beruhigen“, wie er Maria

Franck schrieb. Ihr, der späteren zweiten

Ehefrau, teilte er nach seiner Rückkehr

auch mit: „Van Gogh ist für mich die teuers-

te, größte und rührendste Malergestalt,

die ich kenne. Ein Stück einfachster Natur

zu malen und dahin allen Glauben und

Sehnsucht hineinzumalen, das ist doch

das Würdigste.“

Da der Niederländer zwischen 1908 und

1909 auch mehrmals in München ausge-

stellt wurde, gab es genügend Gelegenhei-

ten für Marc, seine Eindrücke zu verfesti-

gen, zumal er bei der großen Ausstellung

im Dezember 1909 den Galeristen Brakl

und Thannhauser sogar bei der Hängung

der 70 Exponate half. Doch auch zuvor

schon lässt sich der große Einfluss van

Goghs auf ihn nachweisen. Im Herbst 1907

malte er an der Ostsee – er hatte Marie

Schnür zu ihrer Familie begleitet – mit pas-

tosem Farbauftrag und kurzen Pinselstri-

chen die Ölskizze „Frau im Wind“. Marc

braucht dafür nur drei Farben: Grün, Blau

und Sandgelb. Van Gogh ist auch mit da-

bei, als er sich im Sommer 1908 mit Maria

Franck nach Lenggries zurückzieht. Wo-

chenlang experimentiert er mit Farben,

verbraucht „Kremserweiß I und Cadmium

hellst“ kiloweise, hält Maria Marc später in

ihren Erinnerungen fest.

Auch die Akte, die er von 1909 an malt,

stehen unter dem Einfluss des Niederlän-

ders. Marc geht es nicht mehr um individu-

elle Persönlichkeiten, er malt flächige, far-

bige Körper. Bei seinen „Katzen auf rotem

Tuch“ (1909/10) stellt er den Bezug zu van

Gogh sogar selbst her, als er Neujahr 1910

an Maria schreibt: „Für das Katzenbild

scheine ich endlich meine Formel zu fin-

den. Es ist eine höchst komplizierte Studie

geworden; ich bin sehr begierig auf Dein

Urteil. Ich hoffe, morgen ganz fertig zu wer-

den, das walten Gott und der noch göttli-

chere van Gogh.“

Marc sammelt wie sein Vorbild japani-

sche Farbholzschnitte. Van Gogh, der man-

che dieser Motive als Ölgemälde ausführ-

te, hatte an seinen Bruder Theo geschrie-

ben: „Ich beneide die Japaner um die unge-

mein saubere Klarheit, die alle ihre Arbei-

ten haben.“ Auch Marc besaß zahlreiche Tu-

schezeichnungen und Farbholzschnitte.

Aus Geldnot handelte er bis Mitte 1910 so-

gar mit japanischer Kunst und setzte sich

in vielen Zeichnungen und Skizzen mit ja-

panischen Bildformen auseinander.

Mit seiner Begeisterung für van Gogh

und japanische Kunst stand Marc nicht al-

lein, auch manche seiner Mitstreiter vom

Blauen Reiter teilten sie. Zu jener losen

Künstlervereinigung, die Marc 1911 ge-

meinsam mit Wassily Kandinsky ins Le-

ben rief, um Ausstellungen zu veranstal-

ten und den gleichnamigen Almanach her-

auszugeben, zählten auch Alexej von Jaw-

lensky und Marianne von Werefkin. In de-

ren Salon in der Schwabinger Giselastraße

traf man sich oft zum produktiven Aus-

tausch. Das Paar besaß seit 1908 sogar ei-

nen eigenen van Gogh: „Das Haus des Père

Pilon“. Jawlensky hatte es mit finanzieller

Unterstützung seiner Lebensgefährtin ge-

kauft. „Als Mensch und Künstler ist er mir

theuer und lieb. Etwas von seiner Hand zu

besitzen war seit Jahren mein heißer

Wunsch“, schwärmte er in einem Brief an

Johanna van Gogh-Bonger, die den Nach-

lass verwaltete. Er hatte Werke van Goghs

erstmals 1903 in der Frühjahrsausstellung

der Münchner Secession gesehen. Ihn fas-

zinierte, dass dem Niederländer der Inhalt

eines Bildes weniger wichtiger war als Far-

be und Rhythmus des Pinselstrichs.

Jawlenskys Begeisterung ging auch auf

Gabriele Münter über, die sich nur lang-

sam vom „Naturabmalen“, wie sie es nann-

te, befreite. Sie hatte Werke van Goghs im

Mai 1906 in Paris gesehen, wo sie mit ih-

rem Lebensgefährten Kandinsky ein Jahr

lebte. Im Sommer 1908, den sie mit Kan-

dinsky, Werefkin und Jawlensky in Mur-

nau verbrachte, machte sie, wie sie später

schrieb, „nach einer kurzen Zeit der Qual ei-

nen großen Sprung“. Mit Hilfe der Farbe ge-

langte sie zu einer vereinfachten Formge-

bung und zu intensiv leuchtenden Bildern.

„Wenn ich ein formales Vorbild hatte – und

gewissermaßen war das von 1903 bis 1913

der Fall –, so ist es wohl van Gogh durch

Jawlensky und dessen Theorien (das Spre-

chen von Synthese).“ Münter arbeitete oft

mit dem russischen Maler – „einerseits lob-

te er gern. .. andrerseits erklärte er mir

manches“. Mit der Folge, dass sich Münter

nicht mehr „um nachrechenbare ’richtige’

Form der Dinge“ bemühte. „Ich stellte die

Welt dar, wie sie mir wesentlich schien.“

Sie nutzte die Farbe, um Emotionen auszu-

drücken und das zu malen, was sie fühlte,

nicht das, was sie sah. Sie verknappte Bäu-

me, Berge, Häuser zu Bildformeln. Van

Goghs Werke lieferten ihr dazu einen wich-

tigen Impuls.

Im Jahr 1908 bewies der damalige Städel-

Direktor Georg Swarzenski Weitsicht, als

er ein erstes Werk von Vincent van Gogh

für die Sammlung kaufte, weitere folgten

kurz darauf. Aber wer weiß schon, was gu-

te Kunst ist, und wie geht ein Museumsdi-

rektor heute bei Ankäufen vor? Ein Ge-

spräch mit Philipp Demandt, Direktor des

Städel Museums, der Liebieghaus Skulptu-

rensammlung und der Schirn Kunsthalle.

Worauf legt das Städel bei Neuanschaf-

fungen Wert?

Philipp Demandt: Zum einen natürlich auf

die Qualität des Werkes, zum anderen auf

seine Passgenauigkeit in unserer Samm-

lung. Das Städel ist 1815 aus der Privat-

sammlung unseres Gründers hervorgegan-

gen und hat damit, anders als viele deut-

sche Museen, einen bürgerlichen Hinter-

grund, keinen höfischen. Und das zeigt

sich auch in der Sammlung. Im Altmeister-

bereich dominieren die großen Namen in

bürgerlichen Formaten, im Bereich der Mo-

derne wiederum hat das Haus sehr früh

sehr progressiv gesammelt. Zudem liegt

das Hauptaugenmerk unserer Erwerbun-

gen auf der Malerei, der Grafik und der Fo-

tografie, weniger auf der Skulptur.

Oft entscheidet sich erst nach Jahren, ob

Werke wegweisend waren und eventu-

ell im Wert steigen. Von welchen Fakto-

ren hängt die Kaufentscheidung ab?

Der Marktwert eines Künstlers hängt von

vielen Faktoren ab und ist nicht notwendi-

gerweise ein Gradmesser seiner musealen

Qualität. Auch die Idee des Wegweisenden

hat sich im Zuge der Auflösung aller Ismen

eigentlich verflüchtigt. Im 21. Jahrhundert

kann die Malerei kein Wettlauf in die Inno-

vation mehr sein. Dafür wurde schon zu

viel gemalt. Was für uns zählt, sind Sub-

stanz und Eigenständigkeit, kurzum: die

künstlerische Qualität. Aber erwarten Sie

jetzt von mir bitte keine Checkliste. Wir be-

werten ja immer auf Basis langer Seherfah-

rung. Und natürlich spiegeln Erwerbun-

gen immer auch die Vorstellungen der je-

weiligen Direktoren und Kuratoren.

Grundsätzlich gilt für uns: Beim Kunster-

werb sind Distanz, Geduld und Augenmaß

oft wichtiger als Schnelligkeit. Zumal das

Städel kein Kunstverein ist. Vielmehr beob-

achten wir die Entwicklung von Künstlern

für Jahre oder Jahrzehnte, ehe wir uns

zum Kauf entschließen. Aber auch da

braucht es Mut, vor allem, wenn man anti-

zyklisch oder gegen den Mainstream

kauft.

Das Städel hat Werke aus sieben Jahr-

hunderten. Sind alle Epochen gleicher-

maßen vertreten?

Das Städel steht für Schwerpunkte. Bei

den Altniederländern und der altdeut-

schen Malerei sind wir ungemein stark,

denken Sie an van Eyck, an Holbein oder

Grünewald. Eines der wichtigsten Rem-

brandt-Gemälde der Welt hängt bei uns,

auch einer der schönsten Vermeers, von

Botticelli ganz zu schweigen. In der Moder-

ne liegt der Fokus auf dem deutschen Ex-

pressionismus. Ernst Ludwig Kirchner

und Max Beckmann sind sozusagen unse-

re Hauskünstler. Im Bereich der Neuen

Sachlichkeit und des Surrealismus ist

noch Luft nach oben. Unlängst ist uns hier

der Erwerb eines Hauptwerks von Richard

Oelze gelungen, was mich ungemein ge-

freut hat! Dabei haben der Städelsche Mu-

seums-Verein und die Kulturstiftung der

Länder sehr geholfen. Unsere Sammlung

der Kunst nach 1945 konzentriert sich auf

die deutsche Malerei im internationalen

Kontext. Hier konnten wir in den letzten

Jahren dank unserer Mäzene im Städelko-

mitee substanzielle Erwerbungen tätigen,

zuletzt etwa frühe Werke von Walter Stöh-

rer und Thomas Scheibitz sowie von Mai-

na-Miriam Munsky.

Was würden Sie persönlich am liebsten

zukaufen?

Ich hätte gerne Werke von Pierre Soulages,

Bridget Riley oder Domenico Gnoli – natür-

lich Hauptwerke aus der besten Zeit. Aber

manches kann man heute nicht mehr kau-

fen, das geht nur noch geschenkt. Ein Drit-

tel aller Werke im Städel sind Geschenke,

ein Bürgermuseum eben. Unlängst stiftete

eine langjährige Freundin unseres Hauses

dem Städel einen wunderbaren Josef Al-

bers und ein Werk von Hans Hartung.

Digital ist das Städel ja bereits wegwei-

send. Was könnte noch kommen?

Beim Digitalen und insbesondere in der

Vermittlungsarbeit sind wir in der Tat sehr

gut aufgestellt. Wir haben gerade unseren

ersten Städel Podcast gelauncht, wichtig

ist auch unsere digitale Museumsinfra-

struktur, die wir weiter ausbauen müssen.

Am Ende des Tages aber, so meine feste

Überzeugung, ist ein Museum ein höchst

analoger Ort. Nicht zuletzt aus diesem

Grund investieren wir derzeit sehr in die

bauliche Substanz des Städel. Das Flui-

dum des Originals ist eben nur vor dem Ori-

ginal zu erleben. Apropos Original: Was

das Ausstellungsprogramm angeht, so

steht das Städel nicht nur für einen fri-

schen Blick auf die großen Namen der

Kunstgeschichte wie van Gogh. Sondern

immer auch für die Erweiterung des klassi-

schen Kanons, für die Vergessenen und die

Übersehenen in der Kunstgeschichte. Un-

sere Ausstellung zur Malerin Lotte Laser-

stein schloss unlängst mit über 130000 Be-

suchern.

Im Gegensatz zu vermögenden Privat-

leuten verfügen Häuser wie das Städel

oder öffentliche Museen nur über be-

grenzteMittel. Wie gehenSiedamit um?

In der Tat muss das Städel rund 85 Prozent

seiner Ausgaben selbst erwirtschaften,

das ist ein in Deutschland für ein Museum

dieser Größe sicherlich einzigartiger Wert.

Gelingen kann das nur durch gute Arbeit,

die eben nicht nur unsere Besucher an-

zieht, sondern, noch wichtiger, unsere vie-

len Förderer und Mäzene immer wieder

aufs Neue überzeugt. Denn ein Museum

ist kein Wirtschaftsbetrieb. Einen Großteil

unseres Budgets verdanken wir unseren

Förderern, vom normalen Mitglied des Stä-

delschen Museums-Vereins bis hin zum

Großspender. Jeder Beitrag zählt.

Wie könnte sich der entfesselte Kunst-

markt auf die Museen auswirken?

Nun, das ist eine Medaille mit zwei Seiten.

Zum einen steigern die Kapriolen des

Kunstmarkts natürlich die Aufmerksam-

keit für Kunst. Zum anderen steigen paral-

lel dazu die Versicherungssummen ins Un-

ermessliche. Ein Haus wie das Städel, das

für seine zwei bis drei großen Publikums-

ausstellungen Meisterwerke aus aller Welt

nach Frankfurt holt, spürt das an den Prä-

mien.

Welche Tradition des Städel schätzen

Siebesonders? Odergibtes eine Traditi-

on, die Sie gerne begründen würden?

Die große Identifikation meiner Kollegen

hier am Haus mit ihrer Arbeit und die Lie-

be der Frankfurter zu ihrem Städel, das ist

schon was ganz Besonderes. Und das gilt

nicht minder für die Schirn Kunsthalle

und die Liebieghaus Skulpturensamm-

lung. Mich macht das wirklich glücklich

und stolz. Und es trägt mich als Direktor

sehr. Tradition ist ja nun bekanntermaßen

nicht das Anbeten der Asche, sondern die

Weitergabe des Feuers. Was später als „De-

mandt-Tradition“ erkennbar sein wird,

das sollen dann andere entscheiden.

interview: johanna pfund

In die Natur wird

Glauben und Sehnsucht

hineingemalt

Das Wesen

der Welt

Van Gogh lieferte den Künstlern

des „Blauen Reiter“ wichtige Impulse

Substanz zählt

Städel-Direktor Philipp Demandt über Ankäufe und Wiederentdeckungen

Starke Farben, und die Landschaft auf Bildformeln reduziert: Gabriele Münters „Allee vor Berg“ (1909). FOTO: PRIVATBESITZ; VG BILD-KUNST, BONN 2019; GALERIE THOMAS, MÜNCHEN

Van Gogh

Verantwortlich: Peter Fahrenholz

Redaktion: Johanna Pfund

Anzeigen: Jürgen Maukner

Philipp Demandt hätte für die Samm-

lung des Städel durchaus Wünsche, zum

Beispiel Werke von Pierre Soulages. DPA

20 SZ SPEZIAL – VAN GOGH Freitag, 18. Oktober 2019, Nr. 241 DEFGH

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