Süddeutsche Zeitung - 05.10.2019

Er war ein großer Spieler. Der georgische Komponist Giya Kancheli jonglier- te weitläufig mit Raum-Zeit-Konstruk- ten, die in seiner Musik zu organisch fließenden Formen von erstaunlichen Ausmaßen anwuchsen. Sein Engage- ment in der Film- und Theatermusik ist dabei durchaus spürbar: Er will star- ke Stimmungen erzeugen. Das eine oder andere Chorstück fiel dabei recht populistisch aus, auf schlichter Jazz- Harmonik aufbauend, mit wind- schlüpfrig summenden, raunenden Chormassen. Da wird der fundamenta- le Unterschied zur westlichen, zumal der strengen bundesrepublikanischen Avantgarde offenbar, da zeigt sich die Verbundenheit mit der polnisch-balti- schen Klangtradition, wie sie Arvo Pärt oder Henryk Górecki erfolgreich pfleg- ten – und dafür besonders hierzulande mit dem Vorwurf des Kitsches konfron- tiert wurden. Aber sie haben alle, und Kancheli ganz besonders, jenseits des auch mate- riellen Erfolgsdrucks beachtliche Wer- ke hinterlassen, die über das breiten- wirksame Hantieren mit musikali- schen Effekten und Formen hinausge- hen. „Vom Winde beweint“ ist so ein Stück, das Kancheli mit einer schlich- ten Melodie einsetzen lässt, die wie ein neugieriger Fremder in den Raum tritt, um sich am Ende in schierer Verzweif- lung zu verirren. Die Stille als pathe- tisch aufgeladener leerer Raum ist dabei ebenso ein Topos wie der rauschhaf- te Klangexzess spätromantisch-neo- klassizistischer Prägung. Es ist aber auch ein Stück über die Erhabenheit der Melancholie und die Schönheit der Trauer, wie man sie in dieser harmoni- schen Großräumigkeit seit Richard Strauss nur noch sehr selten zu hören bekam. Am Mittwoch verstarb Giya Kancheli 84-jährig in seiner georgi- schen Heimatstadt Tiflis, in die er nach längeren Aufenthalten in Berlin und Antwerpen, wo er seit 1995 lebte, zu- rückgekehrt war. helmut mauró

Er ist stets präsent und doch kaum
greifbar:Der indische Dirigent
Zubin Mehta war lange Jahre Chef-
dirigent der New Yorker Philharmo-
niker, später Generalmusikdirektor
der Bayerischen Staatsoper und
nebenbei Musikdirektor des Israel
Philharmonic Orchestra. Nun sind
Einspielungen und Live-Mitschnit-
te aus 50 Jahren erschienen, mit
vielen Solisten und sechs Orches-
tern: den Wiener, Berliner, New
Yorker Philharmonikern, den Israel
und Los Angeles Philharmonics
und dem New Philharmonia Orches-
tra. 94 CDs sind es für „The Comple-
te Columbia Album Collection“
(Sony) geworden, darunter einige
Schätze und auch weniger Brisan-
tes. Komplette Opernaufnahmen
sind darunter, große Symphonik
von Beethoven bis Strauss, Neu-
jahrs- und Sommernachtskonzerte.
Plötzlich Wagner. Tristan, Götter-
dämmerung, Parsifal. Montserrat
Caballé als etwas abgespeckte spa-
nisch-leichte Brünnhilde, deshalb
nicht weniger betörend-tragisch.
Die New Yorker Philharmoniker
hoch konzentriert, sich nach und
nach in diese schier unausweichli-
che Düsternis hineinsteigernd.
Auf der langen Liste der Solisten,
mit denen Mehta zusammengear-
beitet hat, finden sich neben Be-
rühmtheiten und B-Prominenz der
letzten 40 Jahre auch ein New Yor-
ker Live-Mitschnitt der Jahrhun-
dert-Legende Vladimir Horowitz
mit dem dritten Klavierkonzert von
Sergej Rachmaninow. Die besonde-

re Mischung von Überempfindlich- keit und harter Ruppigkeit vor dem Hintergrund der orchestral ausba- lancierten New Yorker Philharmoni- ker hinterlässt starken Eindruck. Man kann dieses Konzert hier un- mittelbar vergleichen mit einer Aufnahme des Pianisten Vladimir Feltsman, begleitet vom Israel Phil- harmonic Orchestra. Das spielt zwar international nicht in der ersten Liga, behauptet sich aber in dieser Edition auch umfänglich recht tapfer. Wenn man dann aber hört, wie locker und doch leidenschaftlich Mehta mit den Wiener Philharmonikern Jean Sibelius’ „Finlandia“ als durchaus transnationale Hymne musiziert, wie versöhnlich die Symphonische Fantasie der „Frau ohne Schatten“ mit den Berliner Philharmonikern oder wie spannungsgeladen er die große Alpensymphonie von Richard Strauss klangzelebriert, dann ist man auch wieder versöhnt mit der Welt. helmut mauró

von jakob biazza

M

an muss das alles vom En- de her hören. Vom Anfang aus ergibt es keinen Sinn. Nichts davon. Demba Nabé ist schließlich tot, und der Fußballmannschaft, die die elfköpfige Ber- liner BandSeeedja nicht nur zahlenmäßig immer war, sondern auch im Auftreten, fehlt damit, nun, da müsste man sich jetzt mit Spielerpositionen auskennen, aber: so ein krummbeiniger Hallodri halt, der wild im Strafraum herumstochert und jeden stört. Ein Thomas Müller, der Unruhe stif- tet und sich irgendwie quer zu allem steht, was sonst auf dem Platz passiert. Aber eben so, dass die Robbens und Ribérys ih- re zwei Tricks auffahren können und damit geradlinig und unbeirrbar wirken.

Ungefähr so haben Seeed funktioniert, als Demba Nabé noch da war, mit seinen krummbeinigen Melodien und verzoge- nen Phrasierungen. Mit seinem verboge- nen Tanzstil und der Gesangsrhythmik, die sich gegen alles sperrte. Die seltsam eckig in den Playbacks stand, und damit aber eben die Räume geöffnet hat. Klassisches Meister-Trio vorne an der Bühnenkante also: Einer gaukelt und sperrt und schnörkelt herum, die andern beiden kommen über die Flügel, irgend- wer zieht zur Mitte, Flanke, Tor. Kein Schnickschnack. Keine ausgeklügelten Doppelpässe. Und um Gottes willen kein ewiges Klein-Klein-Gezockel. Hin und wieder ein Abstauber vom Krummbein, das war’s.

Seeed, das werden sie womöglich nicht gern hören, waren der FC Bayern (Saison 2015/2016) des Deutsch-Dancehall. Und jetzt ist der Abstauber plötzlich weg, und weil man im Pop ja nie ganz weg ist, ist er natürlich trotzdem immer noch ein bisschen da. Auf dem letzten Song, „What A Day“, den man eben dringend als ersten hö- ren sollte. Ein dunkler Song. Was sollte es auch sonst sein, wenn einer aus dem Grab oder dem Himmel oder von wo auch immer noch einmal seine Liebe schickt. Und eben deshalb, weil da so viel Liebe mit- klingt und weil das Hirn ein gnädiger Freund ist, der Hoffnung auch noch im größten Unheil findet, ist es natürlich auch ein strahlender Song. Die Band hat die Rohversion auf einer Festplatte entdeckt und fertig produziert. Orchesterschwer. Viele Geigen und ein dumpf weinendes Klavier. Und dazwi- schen stemmt Demba Nabés Stimme ein letztes Mal die Räume frei, und wer das ge- hört hat und dann direkt weiterspringt, also beim ersten Stück der Platte landet, „Ticket“, einer Art Dreampop-Afro-Beat- Groove mit sehr elegant gezupften Gitar- ren und synthetisch gefilterten Bläsern und wirklich enorm schön, bei dem wird sehr beseelt etwas kaputt gegangen sein. Und dann ist es vorbei mit Sommer-Sonne- Karibik-Assoziationen. Dann ist nur noch Herbst. Wer das neue Album von Seeed also vom Ende her hört, für den kann „Bam Bam“ (Warner) nichts anderes sein als eine Abschiedsplatte. Vom Freund, klar. Von der Liebe. Wahrscheinlich endgültig von der Jugend. Aber womöglich – das ist rei- ne Spekulation, aber klingen tut es ein bisschen so – auch vom Fan. Es ist nämlich vor allem ein überra- schend friedliches Album, eines, das mit sich und der Welt versöhnt zu sein scheint.

Kaum Kampf. Wenig Kraftmeierei. Und wer jetzt stutzt (Wieso Kampf? Was denn für Kraftmeierei?), der sitzt womöglich einem Irrtum auf, der die Band ungefähr seit der Gründung begleitet. Es heißt ja immer, Seeed hätten das Land einen Tick lockerer gemacht, und das ist sicher nicht ganz falsch. Ein paar deutsche Hüften dürften beim Hören der Alben die Steifheit überwunden haben, und ein paar Gedanken womöglich auch. Und trotzdem sollte man die Aussage so nicht stehen lassen. Klar: Die Berliner Band war eine der sehr wenigen, denen es von ihrem Debüt („New Dubby Conque- rors“, 2001) an gelang, Reggae und Dance- hall für das hiesige Publikum wirklich ge- konnt zu übersetzen. Aber da liegt ja schon das Missverständnis: Beim Dancehall geht es, zumindest in den härteren Varianten, ungefähr so viel um Lockerheit wie bei einer Versteigerung preisgekrönter Zucht- kampfhunde.

Dancehall ist in seiner ganzen DNA kom- petitiv. Ein Wettstreit unter Sängern, wer aus einem bestehenden Playback, einem sogenannten Riddim, den Song mit dem größten Wumms macht. Seeed waren sehr gut darin, Songs mit Wumms zu machen, aus bestehenden Riddims und aus selbst-

produzierten. Eigentlich noch mehr aus den selbstproduzierten. Alles sollte immer möglichst direkt sein, möglichst konkret, möglichst ehrlich. Wenig Kunstfiguren, null Schnörkel, quasi keine Metaphern. Deshalb geht es der Band auch da etwas wie dem FC Bayern: viele Fans, viel Hass. Wer meint, gute Kunst müsse sich beim Entstehen und Wachsen immer auch etwas selbst zusehen und reflektieren, müs- se die eigene Metaebene erfassen und mit- denken, für den war Seeed vom Fleck weg eine große Scheußlichkeit. „Eigentlich müsst’s von Amts wegen/ mal richtig was aufs Dach geben/Puris- ten, Style-Polizisten mit 7:0 vom Platz fe- gen“. So klang das auf dem ersten Song der ersten Platte. Und es nahm sich schon damals sehr, sehr ernst. Und im direkten Gespräch tut es das immer noch. Die meiste Zeit jedenfalls. Man trifft Pierre Baigorry, noch bekannter als Solokünstler Peter Fox, und den Saxofonis- ten Moritz Delgado dort, wo Berlin noch etwas von dem rauen Anstrich hat, den viele der Zugezogenen suchen, die sie hier gerade nicht mehr so gerne mögen: Nähe Görlit- zer Park, zweiter Hinterhof, ein Aufzug fährt einen direkt ins Studio- und Probe- raumstockwerk der Band rauf. Oben herrscht ein bisschen Unordnung und freundliche Plauderstimmung. Aber das Prinzip ist schon noch: im Zweifelsfall erst mal Angriff, dann erst dem Gesagten hin- terherspüren, noch mal nachdenken und gegebenenfalls abmildern. So zum Beispiel: Hat die Me-Too-Debat- te die Art, Texte zu schreiben, beeinflusst? Antwort Baigorry: „Das war schon immer ein Thema: Kann man einfach so über geile Ärsche singen? Aber dann denk ich mir: Wenn eine Frau einen geilen Arsch hat, warum soll ich das nicht sagen dür-

fen? Neun von zehn Frauen freuen sich da drüber.“ Pause, hinterherspüren: „Ande- rerseits hab ich keine Ahnung, wie es ist, die zehnte Frau zu sein, die sich davon be- lästigt fühlt – haben aber bisher keinen Är- ger diesbezüglich bekommen.“ Ungefähr so geht das von Thema zu The- ma, bis zur Frage, ob denn immer klar war, dass es überhaupt noch ein Seeed-Album geben wird? Antwort Delgado: „Es war klar, dass wir was veröffentlichen wollen – es stand ja auch eine Tour an.“ Hinterherspüren. „Hätten aber auch nur drei Songs werden können.“ Antwort Baigorry: „Für mich waren die Fragen größer. Eher so: Haben wir noch was zu sagen? Soll man überhaupt noch Musik machen? Ich frag mich das jedenfalls immer. Bringt das noch was?“ Hinter- herspüren. Keine Ergänzung. Die Antwort, die er selbst nicht geben kann, weil er dafür zu sehr Künstler ist, und wie sollte ein echter Künstler schon wissen, ob es das braucht, was er gerade gemacht hat, lautet: eher schon. „Bam Bam“ gehört nicht zum Allerbes- ten, was die Band bislang gemacht hat. Da- für aber ziemlich sicher zum Ehrlichsten. Ein warmes, wohliges Album zum Reinku- scheln. Wohlstandsbürger mit Häusern in Brandenburg singen über die Freiheiten, die Geld bringt. Sie loben (zusammen mit Mitgliedern vonDeichkind) Sex mit Licht und allen Dellen und Röllchen, die das aus- leuchtet. Sie streiten mit ihren Frauen. Sie nehmen Abschied. Keine Posen mehr, und noch weniger Metaphern: „Ich seh’ die Welt in Cinemascope / Wunder gewohnt, doch es knallt immer noch so / Big Bang, Gott oder Simulation / So oder so, die Sa- che hat sich gelohnt!“ Und damit ist dann doch auch wirklich alles sehr direkt gesagt.

In diesem Frühsommer war eine Berliner Ausstellung mit dem Titel „Die Ostdeutschen“ ein Überra- schungserfolg, der ein wenig am überregionalen Publikum vorüber- ging, weil sie in einer alten Fabrik- halle in Schöneweide stattfand. Wäre man hingegangen, hätte man die Ironie des Titels erkannt: Die Fotografien aus der DDR, die hier zu sehen waren, zeigten kein Kollek- tiv, keinen Stamm, sondern eine Gesellschaft von Eigensinnigen und Individualisten, und zwar durch alle Schichten und Berufe. Der Urheber dieser beeindrucken- den Meisterwerke aus einem hal- ben Jahrhundert war Roger Melis, der 2009 verstorbene Ziehsohn des Dichters Peter Huchel, der eine Künstlerexistenz am Rande der DDR führte und erst nach der Wen- de zu einer nationalen Berühmtheit wurde. Melis, eigensinnig wie die von ihm fotografierten Menschen, arbeitete mindestens ebenso viel für sich selbst wie für Auftraggeber in Zei- tungen und Magazinen. Er entwickelte dabei eine frappierende Fülle von Möglichkeiten, die von der szenischen Industrie- und Ar- beitsreportage, der Architektur- und Landschaftsfotografie bis zum mal repräsentativen, mal intimen Porträt reichten. Legendär sind seine durchaus glamourösen Bilder von Künstlern und Autorinnen der DDR. Auch die Architekturen und Landschaften dieser Aufnahmen werden nie um ihrer selbst willen

gezeigt, es sind Bühnen für die Menschen, die darin leben und arbeiten. Es ist die alte, noch handwerklich geprägte Industriearbeit, die hier historisch zum letzten Mal in den Blick kommt. Dabei hat Melis, das zünftische Bildnis von Berufstäti- gen, das August Sander in den Zwanzigerjahren entwickelte, inge- niös neu belebt, und zwar so klas- senübergreifend wie sein Vorbild: Vom Arbeiter im Reifenwerk bis zum bürgerlichen Denkmalpfleger sind alle Schichten vertreten. In manchen Fällen hat er seine Leute sogar Sander’sche Haltungen und Gesten nachspielen lassen, eine besonders reizvolle Form des szenischen Zitats. Auch das gehört zum stillen Witz, den viele von Melis’ Arbeiten zeigen. Aus dem meist menschenfreundlichen Humor

wird Sarkasmus, wenn Melis bei Umzügen und Paraden hinter die am Straßenrand stehenden Zu- schauer geht und die Rückseite aus Spott und Langeweile beim Publi- kum zeigt. Auch diese besondere Form von Ungläubigkeit gehörte zur DDR und wirkt bis heute nach. Nun hat der Lehmstedt-Verlag zwei fantastische Bildbände vorgelegt, als Neuauflage „In einem stillen Land“ und als Neuerscheinung den Band „Die Ostdeutschen“ (224 Sei- ten, 28 Euro), der einen Querschnitt aus Melis’ Nachlass bietet, ausge- wählt von seinem Erben Mathias Bertram. Das „Justus“ genannte Kinderpor- trät entstand 1964, da war Melis 24 Jahre alt. Die zarte Mitte zwischen scheuem Rückzug und gespannter Neugier, die das Bild zeigt, entfaltet eine ganze Szene, in der man die Kommunikation zwischen dem porträtierten kleinen Menschen und seinem fotografierenden Ge- genüber ahnt. Das Genre des Bildes kommt selbst in den Blick, weil über dem Kind ein zweites Porträt hängt. Ein weiteres, in den Rahmen rechts gestecktes Bild, zeigt den Vater – es ist der Dichter Johannes Bobrowski – mit dem Sohn als Säugling. Alle drei kindlichen Au- genpaare sind auf den Betrachter gerichtet. Justus, das porträtierte Kind, dürfte heute 60 Jahre alt sein. Vielleicht sollte man öfter an solche Aufnahmen denken, bevor man Kollektive wie „die Ostdeut- schen“ bemüht. gustav seibt

Der georgische Komponist Giya Kancheli, geboren 1935 in Tiflis, lebte lange Zeit in Ant- werpen und feierte in seiner Musik die Schönheit der Melancholie. FOTO: IMAGO

Niemand kann die Gentrifizierung ganz allein stoppen, aber versuchen kann es jeder. Also plakatiert das Berliner HAU, Hebbel am Ufer, die halbe Stadt mit Parolen („Miete essen Seele auf“), lädt Künstler, Mieterinitiativen und Wissenschaft- ler ein und veranstaltet unter dem trotzigen Motto „Berlin bleibt!“ ein Festival über „Stadt, Kunst, Zu- kunft“, das heute zu Ende geht. Zur Eröffnung inszenierte die Musike- rin Christiane Rösinger mit einem Dutzend Künstlern und Aktivisten ein kämpferisches „Musical zur Wohnungsfrage“. Der Titel der Show, „Stadt unter Einfluss“, meint den verheerenden, weil unzurei- chend regulierten Einfluss der Kapi- talmärkte und der Spekulation auf die realen Lebensverhältnisse. Rösinger ist vielleicht nicht die eindrucksvollste Sängerin der Welt, aber eine böse-witzige Texterin, deren melancholischen Zeilen die Durchschlagskraft eines Agitprop- Hits entwickeln. Immer wieder stellt sie präzise die richtigen Fra- gen, „Ist das noch Boheme oder schon Unterschicht?“ zum Beispiel. Weil Kämpfe um Wohnraum immer auch Klassenkämpfe sind, verhöhnt sie in einem ihrer neuen Lieder die Hipster aus gutem Hau- se, die gerne im Szeneviertel Sub- kultur spielen und die Wohnungs- frage für sich mit einer Eigentums- wohnung von Mutti gelöst haben, „erben muss sich wieder lohnen“. Das Musical plündert gut gelaunt den Schlager-Kosmos, um „eine

neue Wohnung ist wie ein neues Leben“ oder „wohnungslos durch die Nacht“ zu trällern. Zwischen- durch gibt es sachdienliche Hinwei- se, etwa dazu, wie Mietpreisexplosi- on und Bodenspekulation funktio- nieren oder was Mieter machen sollten, wenn Investoren ihren Wohnraum in Eigentumswohnun- gen umwandeln wollen. Dazu gibt’s Oldschool-Schrammel-Indierock. gerne wirdTon, Steine, Scherben zitiert, die schon für die Häuser- kämpfe der Siebziger den Sound- track lieferten. Weil sich alles wie- derholt und die Kapitalverwer-

tungslogik am Wohnungsmarkt nie schläft, klingen die Hausbesetzer- Hymnen von Rio Reiser an diesem Abend frisch wie am ersten Tag. Sogar das gute alte Solidaritätslied kommt zum Einsatz, für die Nachge- borenen versehen mit dem freundli- chen Hinweis, wenn ihnen so ein altmodisches Wort wie „Solidari- tät“ irgendwie uncool und abgestan- den vorkomme, könnten sie auch gerne „Togetherness“ oder „Com- munity“ sagen. Rösingers Ironie ist gleichzeitig böse und charmant. peter laudenbach

Der Liedermacher und Dichter Wolf Bier-
mann hat seinen im Alter von 90 Jahren
gestorbenen früheren DDR-Weggefähr-
ten und Freund Günter Kunert mit einem
letzten Lied gewürdigt. Kunert und er hät-
ten wie andere in der DDR darum gerun-
gen, wie weit man sich mit dem SED-Re-
gime anlegen sollte und könne, sagte Bier-
mann, 82. am Freitag bei der Trauerfeier
in Schenefeld im Kreis Steinburg in
Schleswig-Holstein. Es habe in der DDR
die Dableiber und die Weggeher gegeben.
Kunert sei nun weggegangen. „Was wird
bloß aus unseren Träumen, in diesem zer-
rissenen Land? Die Wunden wollen nicht
zugehen unter dem Drecksverband“,
sang Biermann. Kunert, der damals noch
in der DDR lebte, hatte 1976 als einer der
ersten eine Protestresolution gegen die
Ausbürgerung Biermanns aus der DDR
unterzeichnet. 1979 ließ man ihn in den
Westen ziehen. dpa

Es heißt ja immer, „Seeed“ hätten das Land einen Tick lockerer gemacht

„Eigentlich müsst’s von Amts wegen / mal richtig was aufs Dach geben.“

Wider den Wumms

„Ich seh’ die Welt in Cinemascope / Wunder gewohnt“: Das neue Album der Berliner Band „Seeed“,

der einst das Kunststück gelang, den Dancehall ins Deutsche zu übersetzen, klingt überraschend friedlich

Komponist Giya

Kancheli gestorben

Lied für Kunert

16 FEUILLETON HF2 Samstag/Sonntag, 5./6. Oktober 2019, Nr. 230DEFGH

Zubin Mehta

„Big Bang, Gott oder Simulation /So oder so, die Sache hat sich gelohnt!“ – Peter Fox (4. v. re.) und Moritz Delgado (2. v. re.) mit Seeed.FOTO: WARNER

„Die Ostdeutschen“

FOTO: LEHMSTEDT

FOTO: HEBBEL AM UFER

FOTO: SONY

Das Musical „Stadt unter Einfluss“

DREI FAVORITEN DER WOCHE

Süddeutsche Zeitung - 05.10.2019

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