Die Zeit - 12.09.2019

W

er nach Halle reist, besucht nicht unbe-

dingt das Kunstmuseum. Die Stadt hat

den Ruf eines architektonischen Freilicht-

museums, das Blicke bis ins Mittelalter gewährt.

Auch die Moritzburg gehört als ehemalige Residenz

der Magdeburger Erzbischöfe zu dem Parcours –

dass sie eine der ersten Sammlungen moderner

Kunst in Deutschland beherbergt, war lange in Ver-

gessenheit geraten. So lange, dass sich das Museum

gerade erst wieder selbst darauf besinnt.

Das diesjährige Bauhausjubiläum war ein willkom-

mener Anlass, in Archiven und Inventaren die eigene

Geschichte zu rekapitulieren. Es fand sich eine Samm-

lung, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts weder hinter

dem Folkwangmuseum in Essen noch hinter dem

Berliner Kronprinzenpalais zurückstand. Im Gegen-

teil, mit Emil Noldes Abendmahl hatte der noch jun-

ge Direktor Max Sauerlandt 1913 ein derart um-

strittenes Gemälde nach Halle geholt, dass die Frage,

ob Museen überhaupt zeitgenössische Kunst kaufen

sollten, wochenlang die deutschen Feuilletons

beschäftigte. Zeitgenossenschaft war fortan ein

Synonym für die hallesche Sammlung.

Mit Charme, Kenntnis und gelegentlicher List

schleuste Sauerlandt die modernen Werke an allen

Einwänden vorbei, Liebermann, Beckmann, Corinth,

Hofer, um nur einige zu nennen. Noch aktueller

wurde die Sammlung in den 1920er-Jahren unter

seinem Nachfolger Alois Schardt, der so manches

quasi direkt von der Staffelei wegkaufte. Ein Schwer-

punkt lag auf den damaligen Bauhausmeistern

Feininger, Kandinsky, Klee, Schlemmer und Muche.

1927 gesellte sich auch noch Walter Gropius mit

einem Entwurf für ein fulminantes Kulturzentrum

hinzu, das am Ende in der Schublade blieb, weil die

Weltwirtschaftskrise dazwischenkam.

Spätestens 1930 war die Sammlung moderner

Kunst so weit gewachsen, dass sie in Deutschland

ihresgleichen suchte. Werke der Brücke, des Blauen

Reiters, von Oskar Kokoschka, Paula Modersohn-

Becker, El Lissitzky hingen an zurückhaltend gestal-

teten Wänden, mit elektrischer Beleuchtung für die

späten Nachmittagsstunden – damals der letzte Schrei.

Und dann ging das Licht aus.

Es folgte, was Thomas Bauer-Friedrich, der heu-

tige Direktor des Museums, eine »doppelte Ächtung

der Moderne« nennt: 1937 wurde die Sammlung

durch die Nazis geplündert, nach dem Ende des

Zweiten Weltkriegs fiel sie in einen über 40-jährigen

Dornröschenschlaf unter einem Regime, dem die

Moderne suspekt blieb. Die Sammlung war zu einem

Torso geschrumpft. Erst jetzt kann man sie dank

vieler Leihgaben wieder in ihrem alten Glanz sehen.

Die Ausstellung Bauhaus Meister Moderne ist zu-

allererst die gelungene Rekonstruktion des alten Be-

standes. 60 der ehemals über 140 beschlagnahmten

oder weiterverkauften Bilder sind wieder da, darunter

Werke – und das ist die eigentliche Sensation – die

seit dem Krieg als verloren galten wie Paul Klees Vo r-

spiel zu Golgatha oder Kandinskys Giftgrüne Sichel.

Doch damit nicht genug. In einem eigenen Ka-

binett sind die fünf frühen Bauhausmeister mit zen-

tralen Werken aus den 1920er- und 1930er-Jahren zu

sehen. Und auch hier gibt es Sensationen, so Schlem-

mers Tischgesellschaft von 1923 oder Klees Aquarell

Pflanzenwachstum, das schon seit Jahren nicht mehr

aus dem Pariser Centre Pompidou verliehen worden

ist. Einen regelrechten Salto vollführt dann der dritte

Teil der Schau, wo mittels Virtual Reality der

Gropius-Entwurf von 1927 als neue Stadtkrone von

Halle gezeigt wird. VR-Brillen erlauben einen

Spaziergang durch die damals geplante Architektur,

ein vergnügliches »Was wäre, wenn«, das noch einmal

überboten wird durch die Ausstattung des virtuellen

Museumsbaus mit dem ebenfalls virtuell eingespeisten

Bestand der vollständigen Halle-Sammlung.

Vielleicht ist das alles zu viel für einen Besuch.

Vielleicht ist auch der Ausstellungstitel zu lang gera-

ten: Kunstmuseum Moritzburg, das Comeback hätte

es auch getan. Sicher jedoch ist, dass man, wie einst

der Kunstkritiker Max Osborn, »Bravo Halle!« seuf-

zen kann, wenn man bildersatt das Museum verlässt.

Zu sehen ist die Ausstellung vom 29. September 2019

bis zum 12. Januar 2020

Dornröschen

wacht auf

Halles großartige Kunstschätze

neu entdeckt VON STEPHANIE JAECKEL

Wie es der Malerin Elisabeth Peyton gelingt, das Gesicht unserer Zeit einzufangen.

Eine Ausstellung in London VON SARAH PINES

E

s ist nie ganz klar, wie oder wa-
rum etwas Schönes gelingt, am
wenigsten weiß es der Künstler
selbst, schrieb Marcel Proust. Im
letzten Band der Suche nach der
verlorenen Zeit besucht der Er-
zähler Marcel ein Fest der Fami-
lie Guermantes. Wie alt die Freunde und Be-
kannten geworden sind, überkommt es ihn
plötzlich. Wie sich die Zeit in die Gesichter gräbt,
und sie sehen es nicht!
Auf ähnliche Weise beschreibt Elisabeth Peyton
ihr Werk und zitiert Proust, wenn sie von der Schön-
heit spricht, die sich in kurzen, immer bereits ver-
fliegenden Momenten zeigt. Peyton malt Gesichter
berühmter Menschen, seltener malt sie Freunde und
Bekannte. Sie malt Napoleon, Curt Cobain, Lady
Di, malt Leonardo DiCaprio, Oscar Wilde oder
Georgia O’Keefe. Sie malt Gesichter aus Filmszenen,
malt Opern- und Konzertgesichter, nachdenklich,
versonnen, verdrossen. Manchmal malt sie Paare,
die sich küssen – für Peyton ein besonders schwie-
riges Motiv. Wie die Zuneigung zweier Menschen
einfangen, ohne in Kitsch zu verfallen?
Peytons malt Menschen, denen sie sich nah
fühlt, die sie vielleicht sogar liebt, obwohl sie sie gar
nicht unbedingt persönlich kennt. Es ist eine Liebe
zum Zerbrechlichen und Schillernden, dann wieder
strahlen manche ihrer Gesichter verheißungsvoll
wie griechische Ikonen oder auch wie die zurecht-
gestutzten Bilder junger Stars auf Bravo-Postern:
rotlippig, bonbonfarben, jugendlich schön.
Im Oktober bekommt Peyton in der National
Portrait Gallery in London eine große Retrospekti-

ve; zur selben Zeit eröffnet dort Pre-Raphaelite

Sisters, eine Schau, die sich den Künstlerinnen im

Umfeld der Präraffaelitischen Bruderschaft widmet.

Deren Frauen wie überhaupt Frauen in der Kunst

seien nicht nur passiv daliegende Musen mit Löwen-

haarmähnen gewesen, erklärt der Kurator, Jan

Marsh. Beide Schauen werden nebeneinanderge-

stellt, denn dringend müsse man, ergänzt der Mu-

seumsdirektor Nicholas Cullinan, die aktive künst-

lerische Rolle von Frauen anerkennen.

Sicher, das sind gut gemeinte und

doch paternalistische Ausführungen, sie

können einen ärgern, und zugleich lassen

sie uns gähnen. Muss Elisabeth Peyton

nach 35-jähriger Karriere und Sotheby’s-

Rekordpreisen noch an die Hand ge-

nommen, ihr Werk der Kunstwelt als

»aktiv« und »weiblich« zugeführt werden?

Haben ihre Gemälde nicht eine andere,

eigene Dringlichkeit?

Peytons Werk ist nicht neo-feminin,

auch kein Auswuchs der #MeToo-Be-

wegung. Ihre Porträts sind mit Öl auf Holz gemalt,

als Monotypie, Radierung oder Aquarell gefertigt

und haben in etwa die Größe von Hochglanz-

magazinseiten. Mit anderen Worten: Sie sind klein,

und manchmal, so die Anekdote, weinen Menschen

bei ihrem Anblick. Vor allem Peytons zarte, ver-

gänglich anmutende Striche, wie dahingepustete

Federn, lassen die Idole ihrer Bilder zerbrechlich

erscheinen und anrührend.

Zudem ist unsere Zeit ungemein empfänglich

für das Spiel mit dem Gesicht. Es ist unsere

Schnittstelle zur Welt und zum Erfolg. Und nichts

umgibt uns so sehr wie Gesichter. Die fragilen

Posen des Selbstvertrauens oder der Angst, der An-

maßung oder Unterwerfung, die Peyton schon vor

Jahrzehnten in ihren Modellen erkannte, flimmern

uns heute abermillionenfach als Selfie entgegen, in

sozialen Medien, auf Touchscreens, auf Profil-

seiten. Wir selbst sind diese Pose geworden. Der

Kult um das Gesicht ist lange nicht mehr nur Stars

und Starlets vorbehalten, unser aller Gesicht ist

öffentlich, versehen mit dem Schimmer

des Privaten.

Elisabeth Peyton, 1965 mit nur

zwei Fingern an der rechten Hand ge-

boren, bekam bereits als 22-Jährige

ihre erste Soloshow in der Althea Via-

fora Gallery in New York. 1993 –

Peyton hatte sich inzwischen die brau-

nen Haare platinblond gefärbt – folgte

die bahnbrechende Ausstellung im

Chelsea Hotel. Besucher konnten an

der Rezeption den Schlüssel zum

Schauzimmer erfragen, darin hingen

Peytons Bilder historischer Persönlichkeiten, da-

runter Kohlezeichnungen Napoleons, noch jung

und wild mit langen Haaren, und bohemehaft

zarte Darstellungen Ludwigs II. von Bayern. Von

beiden Männern scheint die Malerin geradezu

besessen zu sein, sie hat sich den Napoleonischen

Adler und die Krone Ludwigs II. auf die Arme

tätowieren lassen.

Sie male Menschen, die Dinge schaffen, denn

je mehr sie erschüfen, desto verletzlicher würden

sie, hat Peyton einmal in einem Interview gesagt.

Und es ist vielleicht dieser Satz, der die Rezep-

tion ihres Werk in fast schon zwanghafte Andy-

Warhol-Vergleiche getrieben hat. Der Tenor:

Peyton re-individualisiere das »Ich«, indem sie

das Gesicht der Warenkultur entreiße, es allein

schon kraft ihrer Technik – Malerei und Mono-

typie, nicht Siebdruck wie bei Warhol – in seiner

Einmaligkeit darstelle und nicht als beliebig zu

konsumierendes Subjekt-Objekt. Wie die Pop-

Art-Künstler verwendet zwar auch Peyton oft

Vorlagen wie Fotos oder Magazinseiten, doch

ihre Menschen erscheinen nicht alt und unnah-

bar, sie versinken in ihrer Innerlichkeit, es sind

empfindliche, manchmal motzig dreinschauende

Gesichter. Für das amerikanische Vogue-Cover

im Juli 2017 malte sie Angela Merkel, mit

warmem Blick und rätselhaft lächelnd.

Allerdings ist es bei Peyton keineswegs das

fragile »Persönliche«, das hinter irgendeiner

»Oberfläche« aufscheint. Vielmehr erweisen sich

Charisma und Extravaganz als ebenso zerbrech-

lich, und sie sind von der Person, die sie verkör-

pert, nicht zu trennen. Es ist ein Spiel aus Käuf-

lichkeit, Eitelkeit und Verzweiflung, das sich be-

reits in der Literatur des 19. Jahrhunderts, bei

Flaubert, Balzac, Proust oder Wilde entfaltet,

deren Geschichten Peyton als Kind und Jugend-

liche immer wieder las. Damals wie heute geht es

um die Menschen der Moderne, dandyhaft und

einsam, süchtig und kaputt. Und bei dieser

Malerin wunderschön anzusehen.

»Elizabeth Peyton: Aire and Angels« läuft in der

National Portrait Gallery in London vom 3. Oktober

2019 bis zum 5. Januar 2020

Abb.: Elisabeth Peyton »The Age of Innocence«, 2007 (Foto: Johansen Krause)/Courtesy The Brant Foundation, Greenwich, CT. USA © Elizabeth Peyton. Courtesy the artist and Gladstone Gallery, New York and Brussels; Foto u.: Roe Ethridge

So schön süchtig

Die Malerin

Elisabeth Peyton,

geboren 1965

Küsschen,

Küsschen

ohne Kitsch:

»The Age of

Innocence«,

2007

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