Süddeutsche Zeitung - 13.11.2019

Am besten, sagt einmal ein Freund von Ma- rianne, könnte man von ihr und Leonard er- zählen, wenn man sich eine Liebesge- schichte vorstelle, „mit 50 Kapiteln, in denen sie nicht zusammen waren“. Man ahnt als Zuschauer, dass dies am Ende die realis- tischere Art ist, die Beziehung zwischen Marianne Ihlen und Leonard Cohen und zu beschreiben. Nick Broomfield dagegen, der das Statement für seinen Dokumentar- film „Marianne & Leonard: Words of Love“ eingefangen hat, scheint die Jahrzehnte währende Allianz zwischen dem kanadi- schen Musiker und seiner norwegischen Muse ein wenig zu idealisieren. Die Wahr- heit kannten nur die zwei Liebenden selbst, die 2016 im Abstand von nur drei Monaten starben. Cohen jedenfalls hat die Legende von seiner immerwährenden, fer- nen Geliebten stets aufrechterhalten. Weil auch er wusste, wie gut diese Geschichte ist. Und das ist sie wirklich: Broomfield er- zählt von Marianne, einer jungen, alleiner- ziehenden Mutter und Aussteigerin, die in den frühen Sechzigern auf der griechischen Insel Hydra Leonard Cohen kennen-

lernt – damals noch kein gefeierter Song- writer, sondern ein erfolgloser Schriftstel- ler, der über den großen Ozean in die son- nenbeschienene, von Kreativen aus aller Welt bevölkerten Prä-Hippie-Enklave ge- reist war, um Bohème-Lebensstil und viel- fältige Drogenerlebnisse zu suchen. Fast ein Jahrzehnt blieben sie mehr oder weniger ein Paar, weil Cohen in die Welt hinaus und ein Star werden wollte. Er schrieb ihr einen Abschiedssong, der einer seiner be- rühmtesten werden sollte: „So Long, Mari- anne“.

Man ist zunächst etwas überrascht von der Zärtlichkeit, mit der Nick Broomfield diese Liebesgeschichte entwirft, die über die gängigen Musiker-Dokus hinausweist. Der britische Filmemacher ist bekannt für seine schlagzeilenwirksamen, fast zyni- schen Dokumentationen über berühmte Tote: Kurt Cobain, Whitney Houston, Tu- pac Shakur. Diesmal erfahren wir zu Be- ginn, dass auch er als junger Mann eine Af-

färe mit Marianne hatte, die ihn laut eige- ner Aussage dazu brachte, Filmemacher zu werden. Was ein guter Zugang sein könnte, stellt sich dann eher als Selbstbespiege- lung heraus: ein Erzähler, der sich in seine Geschichte einschreiben will. Was man währenddessen sieht, ist allerdings sehr berührend: Broomfield hat viele unveröffentlichte Archivaufnahmen aus- gegraben. Darunter sinnlich flimmernde Kameraeinstellungen auf Hydra, gedreht vom gerade verstorbenen Dokumentarfil- mer D.A. Pennebaker: Da ist Ihlen im golde- nen Sonnenlicht, ihr undurchdringliches Lächeln, mit wehendem Haar auf einem Boot und badend im Meer. Und da ist der fast bis zur Unkenntlichkeit braungebrann- te Cohen, der zwar schon nachdenklich ist, aber noch nicht der Sänger mit dem beson- ders traurigen, finsteren Blick, an den man sich heute erinnert. „Marianne & Leo- nard“ holt den Zuschauer weit zurück in diese Zeit und ihre Stimmung, als die Sehn- sucht nach Freiheit und selbstbestimmter Liebe groß und die Einstellung zur Mono- gamie locker war. Im Licht der langen, griechischen Som-

mer kommen aber ein paar der spannen- den Geschichten auch zu kurz. Zu flüchtig ist etwas Broomfields Blick auf die proble- matischen Seiten des Bohemian-Lebens, das Cohen und eine ganze Generation prä- gen sollte. Cohen spricht im Film mit er- staunlicher Naivität über die Schönheit

des „Zusammenwirkens“, also der poly- amorösen Sexualität dieser Zeit. In Wech- selwirkung mit jeder Menge Drogen ergab der leichtfertige Umgang damit für Cohen ein reichhaltiges Figurenkabinett für seine zukünftigen Songtexte. Andere hatten da weniger Glück, Ihlens Sohn Axel etwa lan- dete als Erwachsener mehrfach in der Psychiatrie. Ein wenig übel muss man es Broomfield dann auch nehmen, dass sich sein Film zu weit von seiner weiblichen Hauptfigur ent- fernt, die mit Cohens wachsendem Ruhm immer mehr in dessen Schatten verschwin- det. So wurde sie zur ewig Verabschiede- ten, zu der Frau, der Cohen bei jedem Kon- zert sein „So long“ hinterherraunte. Dar- über, wie sie selbst über ihren Platz in dieser Geschichte gedacht hat, erzählt Broom- fields Film wenig. Undankbar ist er alle- mal. annett scheffel

Marianne & Leonard: Words of Love , USA 2019 – Re- gie und Buch: Nick Broomfield. Kamera: Barney Broomfield. Schnitt: Marc Hoeferlin. Mit: Marianne Ihlen, Leonard Cohen. Piece of Magic, 102 Minuten.

Das Deutsche Zentrum Kulturgutverluste hat einen Leitfaden veröffentlicht, mit dem Museen und Archive NS-Raubkunst erkennen und zuordnen können. Er bein- haltet praktische Hinweise, Fallbeispiele sowie Adressen, Quellen und Internetzu- gänge, wie das Zentrum am Dienstag in Magdeburg mitteilte. Zudem liefert der Leitfaden Grundlagen für die Provenienz- forschung. Der Fokus liegt auf Kulturgut wie Kunst, Bücher, Münzen oder Porzel- lan, die im Rahmen der NS-Verfolgung vor allem von Juden entzogen wurden. Das Zentrum dient seit seiner Gründung 2015 als zentraler Ansprechpartner zu Fragen unrechtmäßiger Entziehung von Kultur- gut in Deutschland. kna

von thomas steinfeld

W

enn in Büchern für den Ge- schichtsunterricht der Absolutis- mus vorgestellt wird, greifen die Autoren gern zu einer Karikatur, die der britische Schriftsteller William M. Thacke- ray im Jahr 1840 zu Ludwig XIV. anfertigte. Sie zerlegt ein berühmtes Bild des Sonnen- königs in seine Bestandteile: auf der einen Seite die Staatsrobe und die mächtige Perü- cke, auf der anderen Seite ein altes, kahl- köpfiges Männchen mit einem aufgebläh- ten Bauch. Die Zeichnung dient zur Illustra- tion der Vorstellung, dass die Repräsentati- on und die ihr zugrunde liegende Realität im Barock weit auseinandertreten. Diese Idee ist indessen irreführend: Sie gehört in ein aufgeklärtes Zeitalter, nicht ins frühe

Jahrhundert. Sicherlich wusste man
auch im Barock, dass sich unter langen,
gepuderten Locken zuweilen gewöhnliche
Köpfe verbergen. Man fand diese Erkennt-
nis aber nicht interessant genug, um sich
damit öffentlich zu beschäftigen.
Auf dem Capodimonte, dem Königs-
schloss der Bourbonen auf einem Hügel
über Neapel, ist gegenwärtig eine Ausstel-
lung zu sehen, die dem höfischen Leben
jener Zeit gewidmet ist. Zugleich erzählt
sie die Geschichte des neapolitanischen Kö-
nigtums vom frühen 18. bis zur Mitte des

Jahrhunderts. Die Schau ist groß: Sie be-
ansprucht die ehemaligen Privaträume
des Königs, und das heißt: eine der beiden
großen Saalfluchten des Palastes, über ei-
ne Länge von mehreren Hundert Metern.
Sie besitzt diesen Umfang, weil sie selbst
vom Geist des Barocks ergriffen ist. Sie ist
also gar nicht für das Innehalten geschaf-
fen oder für das Studium einzelner Werke,
sondern für das langsame Durchschreiten.
Und damit der Besucher gar keine Gelegen-
heit bekommt, sich über den Charakter der
Ausstellung zu täuschen, bekommt er vor
dem ersten Saal einen Kopfhörer überge-
stülpt. Es gibt diese Schau also nicht ohne
die Opern von Giovanni Battista Pergolesi,
nicht ohne die Sonaten von Domenico Scar-

latti und nicht ohne ein paar alte neapolitanische Volkslieder. Überhaupt bewegt man sich durch die Ausstellung, als ginge man durch ein Singspiel. Auf die Beschaffung kostbarer Expona- te haben die Kuratoren, so scheint es, nicht allzu viel Mühe verwenden müssen: Die weit über 100 Kostüme, die das eigentliche Personal der Inszenierung bilden, stam- men aus dem Fundus des Teatro di San Car- lo, der ältesten noch in Betrieb befindli- chen Oper der Welt. Die Musikinstrumen- te kommen aus dem Museum des örtli- chen Konservatoriums. Die Bilder und die Skulpturen wurden aus den eigenen Sammlungen entliehen. Um so verschwen- derischer allerdings ist das Arrangement. Jeder der 18 Säle bildet ein Diorama, eine Schaubühne ohne Parkett, in der das Publi- kum durch die Kulissen wandelt, als gehö- re es selbst zur Aufführung: Im ersten Raum, im Saal der sakralen Musik, konzen- trieren sich die Kostüme (gehalten werden sie durch schwarze Puppen, denen zwei weiße Papierfetzen als Augen angeheftet sind) auf einen Altar aus weißem Porzel- lan, während sich auf den darüber hängen- den Gemälden fürstliche Dynastien verei- nen. Im „Saal der Grand Tour“ versam- meln sich Skulpturen, Bronzen und archäo- logische Funde, im „Saal des Glückspiels“ mischt sich der Hof mit dem Volk, während ein Verlierer unter dem Tisch liegt, und in der „Sala Miseria e nobiltà“ geht es um das soziale Unglück und das Dienstpersonal. Die Ausstellung trägt den Titel „Napoli Napoli. Di lava, porcellana e musica“ („Nea- pel. Von der Lava, dem Porzellan und der Musik“). Sie holt sich ihre Schaustücke aus der Welt der Oper und ist letztlich, eben weil sie vom höfischen Leben im Absolutis- mus handelt, selbst wie eine Oper insze- niert. Das gilt nicht nur für das Formelle, daran, dass sich in dieser Schau historische Gestalten, die Könige der beiden Sizilien und ihr Hofstaat vor allem, und das Personal des Musiktheaters begegnen, ohne dass sie sich unterschiedlich kleide- ten oder bewegten. Das gilt auch für den

eigentlichen Gegenstand der Ausstellung, die höfische Kultur: Denn insofern die frühe Oper ihre Stoffe aus der barocken Le- benswelt bezieht und dieser Bezug erkenn- bar bleibt, besteht der Reiz dieser musikali- schen Werke darin, dass sie Lebensweltli- ches nehmen und in etwas Märchenhaftes verwandeln. Oder umgekehrt: dass sie sich des Märchens bedienen, um Lebensweltli- ches zu verhandeln. In der Mitte der Insze- nierung steht daher, als Gelenk und Medi- um zugleich, die (sich selbst befruchtende) Figur des Pulcinella, eine Allegorie des per- manenten Wandels, vom Männlichen zum Weiblichen, vom Alten zum Jungen, vom König zum Bettler und wieder zurück.

Neapel gilt heute als eine Stadt des Elends und des Verbrechens. Die Haupt- stadt des Mezzogiorno scheint gegenüber den industriellen und sozialen Errungen- schaften des Nordens hoffnungslos zurück- geblieben zu sein. Neapel gilt als vulgär, von einer ebenso faulen wie korrupten Elite regiert, von verbrecherischen Ma- chenschaften beherrscht und dem ewigen degrado, dem Verfall, anheimgegeben. Das war nicht immer so, ganz im Gegenteil: Noch im 18. Jahrhundert war Neapel eine der größten und modernsten Städte auf dem Kontinent, vergleichbar nur mit Lon- don oder Paris, womöglich aber für den reisenden europäischen Adel noch attrakti- ver: Ein Saal der Ausstellung erinnert an die Entdeckung und anfängliche Erschlie- ßung Pompejis, die den Stoff für das größ- te europäische Kulturereignis in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts lieferten und Neapel auf das Itinerarium der „Grand Tour“, der Reisen der jungen Adligen durch Europa, setzte. Der „Ägyptomanie“, einer großen, von Neapel ausgehenden Mode jener Zeit, ist ebenso ein Saal gewidmet wie der Naturforschung, wobei der

Geologie und Mineralogie, der dauernden Gefährdung durch den Vesuv wegen, eine besondere Rolle zukommt. Zu den Expona- ten gehört ferner eine Sammlung ausge- stopfter Vögel, die im späten 19. Jahrhun- dert zur Bestandsaufnahme der regiona- len Fauna angelegt wurde. Die Tiere finden sich als Skulpturen in den Produktionen der Königlichen Porzellanmanufaktur in Neapel wieder, die sich zu jener Zeit offen- bar mit den entsprechenden Einrichtun- gen in Meißen, Paris oder Wien messen konnte. So greift das eine ins andere, in einer langen und bunten Folge von Szenen, die alle die Überschrift „Napoli Napoli“ tragen. Man könnte diese Ausstellung, die in Ne- apel selbst auf ein großes Interesse der Be- völkerung stößt, für eine nostalgische Ver- anstaltung halten, die mit der Gegenwart zu versöhnen sucht, indem sie an die Ver- gangenheit erinnert. Aber sie ist mehr als das. Am Ende, im größten und prächtigs- ten Saal, werden auf vier Projektionsflä- chen Szenen aus älteren wie aus jüngeren Inszenierungen des Teatro di San Carlo ge- zeigt: Der Effekt ist überwältigend, weil die letzte Trennung zwischen Oper und Wirklichkeit aufgehoben zu sein scheint, während das Volk in der Mitte des Saals sitzt und nicht weiß, auf welche Leinwand es zuerst schauen soll. Tatsächlich zeichnet sich ja die frühe, neapolitanische Oper dadurch aus, dass sie ein im emphatischen Sinn urbanes Phänomen ist. Es gibt sie in dieser Form nur, weil sie in der großen Stadt und in deren hauptsächlich plebeji- scher Bevölkerung einen Resonanzraum findet, in dem sie weiter schwingt und der auf sie antwortet. Der Ausstellung gelingt es, diese Verbindung lebendig werden zu lassen, nicht in der Erinnerung, sondern gleichsam als Wiederaufnahme eines gut eingespielten Repertoires.

Napoli Napoli. Di lava, porcellana e musica. Museo di Capodimonte, Neapel. Bis 21. Juni. Der Katalog ist nur auf Italienisch erhältlich und kostet 6 Euro.

Auf Hydra, im flimmernden Sonnenlicht

In „Marianne & Leonard: Words of Love“ zeichnet Nick Broomfield die Liebe von Marianne Ihlen und Leonard Cohen nach

Leitfaden zu

NS-Raubkunst

Marianne Ihlen und Leonard Cohen, in ihrem griechischen Glück. FOTO: BABIS MORES

Man hat es so oft gesehen. Und trotz- dem schaut man mit diesem kribbeli- gen Gefühl von Zeitzeugenschaft auf neue, wegweisende Musikerinnen und Musiker. Wie im Fall von Rosalía ,die seit 2018 fast im Alleingang den spa- nischsprachigen Pop Gegenwart zwischen Flamenco, R’n’B und Elektro neu definiert hat. Und ständig gibt es eine neue Single, die noch hybridhafter und cleverer ist als die davor. Das Video zu „A Palé“ (Columbia) ist das zeitgenös- sischste Stück Popkultur der Woche: In einer dystopisch beleuchteten Lagerhal- le tanzt Rosalía mit einer akkurat ge- striegelten, auf Frida Kahlo anspielen- den Monobraue zwischen Förderbän- dern und Containern. Spektakulär ist die Inszenierung vor allem wegen ihrer Gleichzeitigkeit: Rosalía erzählt uns von der Extrava- ganz der Popmusik und von der Rolle der Logistik für den globalisierten Kapi- talismus.

Auf der anderen Seite der Popwelt steht Will Oldham: Die Songs des Songwri- ters, besser bekannt als Bonnie „Prince“ Billy , haben nie geklungen, als habe er es darauf abgesehen, mög- lichst viele – und schon gar nicht beson- ders junge – Leute zu erreichen. Seit 25 Jahren ist er der ewige Eigenbrötler des amerikanische Indie-Country der letzte wirkliche Weirdo unter den Protagonis- ten des New Weird America. Nach acht Jahren und mehreren Cover-Alben (auf denen er sich dem GitarrenduoEverly Brothers, Country-Legende Merle Hag- gard oder der britischen Post-Punk- Band Mekons annäherte) erscheint mit „I Made A Place“ (Domino) nun endlich einmal wieder eine Platte mit neuen eigenen Songs. Oldham besingt, mal begleitet von Banjos und heiteren Fi- deln, mal von Weltschmerz-schweren Steelgitarren, seine Entfremdung vom modernen Alltag. In gewissem Sinne ist also alles wie immer: Die Bariton-Stim- me säuselt traurige Melodien und er- zählt von Altwerden und Alleinsein. Das ist alles sehr beschaulich. So ganz funk- tioniert der alte Prince-Billy-Trick aber nicht mehr, mit dem er einst den Country als roman- tisches Refugium wiederentdeckte in einer unbehagli- chen, existenziell aufgewühlten Welt.

Um dieser Welt etwas entgegenzuset- zen, eignet sich das neue Doppel-Album von DJ Shadow vielleicht besser: Der amerikanische Hip-Hop-Produzent Joshua Paul Davis, der in den Neunzi- gern mit seinem Debütalbum instru- mentelle Beat- und Sample-Musik zur Kunstform erhob, wühlt sich auf „Our Pathetic Age“ (Mass Appeal) durch die Trostlosigkeit im Angesicht von Klima- wandel und sozialer Ungerechtigkeit, und zwar zunächst einmal mit seiner Spezialität: ausgefuchsten Instrumen- tals. Auf der zweiten Albumhälfte gibt’s dann allerlei Gastsänger und Rapper, von Nas und Ghostface Killah, über Pusha T bis zu Paul Banks (Interpol). Näher heran an die blank liegenden Nerven unseres digitalen Zeitalters kommen dabei die Instrumentals: mit ihren meisterlich aufgetürmten, stot- ternden Breakbeats und zerstückelten Vocal-Samples, mit gespenstischen John-Carpenter-Synthies, zischenden Sequenzern und Future-Jazz-Ausflü- gen. Alles ist unauf- hörlich in Bewe- gung und doch fest verwurzelt in DJ Shadows elektroni- schen Echoräumen.

Empfehlenswert ist auch das Box-Set „WXAXRXP Sessions“, das Warp Re- cords zu seinem 30. Geburtstag heraus- gibt. Auf zehn Platten kann dem Londo- ner Avantgarde-Pop-Label in die Ecken und Winkel seines Archivs folgen. Von Aphex Twin gibt es den Mitschnitt einer John-Peel-Radiosession mit Origi- nalmaterialien von 1995. Bibio bearbei- tet seine Electronica-Platte „Ambivalen- ce Avenue“ akustisch, was den Minima- lismus der Songs in noch zarterem, fast durchscheinendem Licht zeigt. Und Flying Lotus spiel- te „Cosmogramma“ in einer Live-Sessi- on mit Band – und Thundercat am Bass.

Die lustigste Meldung der Woche kam vom kalifornischen Festival Camp Flog Gnaw. Dort wurde Rap-Superstar Drake – Schock, lass nach! – auf üble Weise von der Bühne gebuht. Viele Besu- cher hatten sich Frank Ocean als Überra- schungs-Headliner gewünscht. Eigent- lich eine Nichtigkeit. Auf News-Blogs und Twitter-Kanälen wurde der Vorfall aber so aufgeblasen, dass man das Ge- fühl hatte, es hätte eine Art Pop-Kern- schmelze stattgefunden: Wie war das möglich, ein Publikum, dass Hip-Hop liebt, aber nicht Drake? Von Königsbelei- digung war die Rede und anderen seltsa- men Annahmen über den Massenge- schmack. Dabei ist ja womöglich gar nicht so schwer zu verstehen, was das alles bedeutet: Nicht alle Musikfans mögen dieselbe Musik. Und manche mögen Frank Ocean eben lieber als Drake. annett scheffel

Nach Centocelle kommt kaum je ein Tou- rist, außer er verirrt sich. Centocelle, so heißt ein Viertel im fünften Stadtbezirk Roms, draußen an der Ecke Via Prenestina und Viale Palmiro Togliatti. Quadratische Wohnblöcke, fast alle gleich. Eineborgata, wie die Italiener ihre Vorstädte nennen. Pier Paolo Pasolini drehte eine Szene für den Film „Accattone“ in Centocelle. Es gibt auch ein berühmtes Foto, das den Intellek- tuellen in den Siebzigerjahren im Anzug beim Fußballspiel mit der Jugend zeigt. Pasolini interessierte sich immer für beides: für das Leben in denborgateund für junge Männer. Aber sonst war Cento- celle ein Ort der städtischen Ausfransung wie andere, vergessen und links, solange die Linke sich noch um die Ränder der Gesellschaft kümmerte. Nun reden plötzlich alle von Centocelle. Die kleine Buchhandlung mit Café Pecora Elettrica, übersetzt: elektrisches Schaf, an der Via delle Palme hat in kurzer Zeit zum zweiten Mal gebrannt. Angezündet von Unbekannten. Das erste Mal passierte es am 25. April, dem Gedenk- und Feiertag zur Befreiung von den deutschen Besat- zern und dem faschistischen Regime 1945. Wer in diesen Zeiten der fortschreitenden Salvinisierung des Landes nicht reflex- artig an einen politischen Hintergrund denkt, gilt als naiv. Die Pecora ist nämlich offen antifaschistisch. In ihrem Sortiment führte sie Bücher für die ideologisch zugeneigte Kundschaft und organisierte Lesungen mit Engagement. Aber vielleicht ist die Fährte falsch. In den vergangenen Tagen haben auch die Pizzeria Cento 55, zwei Häuser weiter, und das Baraka Bistrot gebrannt. Alles in einem Radius von 200 Metern, ein Zufall kann das nicht sein. Es gibt nun Politiker in der Stadt, die nach der Armee rufen. Virgi- nia Raggi, die Bürgermeisterin Roms von den Cinque Stelle, appelliert an die Betrei- ber von Bars und Buchhandlungen, ihren Mut nicht zu verlieren, der Staat lasse sie nicht allein. Es braucht viel Überzeugungs- kraft gerade, die Anwohner vereinigen sich schon mal in Protestkomitees. Centocelle hat sich in den vergangenen Jahren zu einem Ausgehviertel gewandelt, mit vielen Bars, Pubs, Ateliers, Pizzerien. Neben der Tram fährt auch die neue Me- tro C dorthin, es kommen junge Römer aus anderen Bezirken. Überhaupt ist das ein Trend: Je touristischer das historische Zen- trum wird, desto stärker zieht es die Römer an die Peripherie. Diese neue Popularität macht Centocelle auch zu einem umkämpf- ten Ort für die Mafia. Zehn Clans teilen sich die Stadt auf, schrieben die Zeitungen neulich. Die Blätter lieferten Stadtkarten mit Schraffierungen mit, Zone um Zone, so konnte man sich besser orientieren. In Centocelle bekämpfen sich die alteingesessene Familie Senese, die aus der Nähe von Neapel stammt, und die relativ neu dazugekommene kalabrische ’Ndrangheta. Es geht um die Kontrolle des Territoriums und das reibungslose Dealen mit Drogen. Und für diese trüben Geschäf- te in der Nacht ist ihnen jedes Licht zu viel. Jede Straßenlaterne, jede Lampe in den Lokalen, die auch nach Mitternacht noch offen sind. Aber ob das der Grund für die Brände ist? Das elektrische Schaf schloss immer spät. Es war ein Leuchtturm in der Finsternis. oliver meiler

Jeder Saal in der Schau bildet ein Diorama, in dem man durch die Kulisse wandelt, als gehöre man selbst zur Aufführung. FOTO: LUCIANO ROMANO

Das Singspiel des Pulcinella

In Neapel erzählt eine raumgreifende Ausstellung die Geschichte des neapolitanischen

Königtums vom frühen 18. bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts und damit von der großen Zeit dieser Stadt

Der Film zeigt ihre Geschichte mit überraschender Zärtlichkeit

Neapel war eine der modernsten Städte auf dem Kontinent, wie etwa London oder Paris

Süddeutsche Zeitung - 13.11.2019

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